Архитектура и живопись 18 века: Извините, запрашиваемая страница не найдена!

§ 5. Живопись и архитектура. История России с начала XVIII до конца XIX века

§ 5. Живопись и архитектура

Наиболее близким к повседневности был жанр гравюры, имевший довольно большой круг ценителей. Ведь очень многие книги имели гравированные изображения. Гравюры-картины проникали в интерьеры домов и т. д. Тематика гравюр была довольно разнообразной, большое распространение получили гравюры с изображением во множестве вариантов Полтавского боя. По гравюрам того времени можно создать довольно полное представление не только о битвах, но и о триумфах побед с торжественными колоннами войск, толпами пленных. Популярностью пользовались изображения известных крепостей и особенно строительства и видов новой столицы. Среди наиболее искусных граверов можно назвать Л. Бунина, А. Зубова, Ф. Зубова, А. Ростовцева, И. Адоль-ского, В. Киприанова и др.

С конца XVII в. интенсивно трансформируется русское живописное искусство. Традиции иконописи имеют тенденцию перехода в реалистическое отображение мира и людей.

Развивается так называемый жанр парсуны — реалистического портрета, создаваемого в традиционной плоскостной манере. Художники этого жанра (Иван Безнин, Лука Смольянинов, Ерофей Елин, Михаил Челнаков и др.) находились под явным влиянием западноевропейской живописи. Создаются интересные «парсуны» и в начале века (например, портрет Нарышкиной с детьми, портрет Якова Тургенева).

В первые годы XVIII в. издаются специальные указы, касающиеся подготовки и воспитания художников. Традиционным российским способом (царским волеизъявлением) большую группу «мастеровых людей разных художеств» переселили («депортировали») в новую столицу, где был обширный фронт работ (росписи церквей, плафонов новых дворцов, станковая живопись, мелкая пластика). За счет казны наиболее талантливых посылали в длительные командировки за границу (А. Матвеев, И. Никитин, Р. Никитин, гравер С. Коровин и др.).

Еще до поездки в Италию Иван Никитин создает ряд интересных портретов (цесаревны Анны Петровны, царевен Прасковьи Ивановны и Натальи Алексеевны).

Из работ более поздних заметно выделяется портрет канцлера Г.И. Головкина. Широко известна его работа «Портрет напольного гетмана» и, наконец, знаменитая работа «Петр I на смертном одре» (1725). Вторым виднейшим живописцем был Андрей Матвеев, становление которого происходило в Голландии. Им был создан ряд остро индивидуальных портретов (И.А. Голицына, А.П. Голицына), но особенно известен его «Автопортрет с женой». Последняя работа удивляет социальной смелостью, ибо, занимая как художник довольно низкое положение в обществе, в автопортрете он использовал композицию, типичную для изображения знатных персон.

В Россию приглашается и ряд иностранных художников, оставивших заметный след в истории искусства России. Это Луи Каравак, И.-Г. Таннауэр и др.

Архитектура переживала в петровское время переходный период, так или иначе отражавший западноевропейское влияние. Наиболее заметно оно в становлении в конце XVII — начале XVIII в. так называемого нарышкинского стиля, или стиля «московского барокко» церковной архитектуры.

Прежде всего здесь меняется конструкция храма. Появляются храмы центрической композиции, устремленные ввысь, светлые и торжественные. Правда, нередко «запад» тонул в традиционном московском узорочье. Башнеобразные храмы дошли до нас в основном в подмосковных барских усадьбах. Это церкви в Троице-Лыкове, в Уборах (обе постройки архитектора Я. Бухвостова), это изящнейшая церковь Покрова в Филях, усадебный храм Л.К. Нарышкина. Шедевром храма башнеобразного типа является церковь в Дубровицах. Блестящим образцом сочетания элементов ордерной системы и новомосковского барокко являлась церковь архангела Гавриила или так называемая Меншикова башня (архитектор И.П. Зарудный). Не менее интересны образцы «нарышкинского стиля» в виде традиционных пятиглавых храмов Москвы. Это, в частности, изумительная по изяществу церковь Воскресения в Кадашах.

Появилась и принципиально новая архитектура, основанная на ордерной системе (колонны, портики, фронтоны и т. п.). Скромные элементы этой системы свойственны церкви Ивана Воина в Москве (1708–1714). Новшеством были и компактные храмы в виде ротонды, свойственные усадебным постройкам таких «западников», как Б.А. Голицын, князь Г.Ф. Долгоруков (храм в Подмоклове, 1714 г., церковь в Перово, 1715 г. и др.).

Интерьеры церковных храмов стали украшаться многоярусными деревянными иконостасами со сложнейшей декоративной резьбой, лучшими исполнителями которой были белорусские резчики по дереву. Одним из блестящих мастеров резьбы был и архитектор И.П. Зарудный.

Гражданская архитектура, наиболее ярко передающая новые тенденции в архитектуре, может быть представлена Палатами дьяка Аверкия Кириллова, что на Берсеневской набережной в Москве. Новшества имели и здания административно-хозяйственного назначения (например, здание Арсенала начала XVIII в. в Кремле).

Принципиально новая архитектура создала основу новой столицы России — Петербурга. Здесь с самого начала получил развитие северо-немецкий (голландский) вариант барокко со сдержанным суховатым декором, со стремлением к максимальной рациональности. Носителем этой тенденции был Д. Трезини. В первую очередь, это знаменитый собор Петра и Павла (1712–1732). Трезини принял активное участие и в планировке Петербурга, в частности, его Васильевской части. Временный деревянный Петербург быстро сменился «мазанковым», а этот последний уступил место каменному городу регулярной планировки (для этого во всем государстве было запрещено каменное строительство: Россия была бедна строительным камнем). Облик города создавали общественные здания (Адмиралтейство, Кунсткамера, Гостиные дворы, Петровские коллегии 1723–1734 гг.). В облик Петербурга вложили труд такие архитекторы, как Жан-Батист Леблон, Варфоломей Растрелли, А.Д. Захаров, И. Коробов и др.

Данный текст является ознакомительным фрагментом.

Продолжение на ЛитРес

новые стили и жанры, Академия художеств и первые картинные галереи.

После реформ Петра I и открытия «окна в Европу» кардинальным образом изменилась и русская культура. Перемены затронули и изобразительное искусство: русские художники познакомились с зарубежными «коллегами», иностранцы стали работать при дворе. Новые стили и жанры, Академия художеств и первые картинные галереи — вспоминаем, как развивалась русская живопись в XVIII веке.

Европейские пенсионеры и иностранные учителя

Иван Никитин. Портрет Петра I. 1720-ые гг. Русский музей, Санкт-Петербург

Андрей Матвеев. Автопортрет с женой. 1729 г. Русский музей, Санкт-Петербург

Иван Вишняков. Портрет Сарры Элеоноры Фермор. 1750 г. Русский музей, Санкт-Петербург

При Петре I людей разных профессий отправляли учиться за границу, в том числе и художников. Тех, кто получал знания за государственный счет, называли пенсионерами (от слова «пенсион» — содержание на время обучения). Среди первых живописцев, уехавших за границу в 1715 году, были Иван Никитин и Андрей Матвеев. Никитин прошел обучение в Италии и, вернувшись в Россию, работал при царском дворе. Его считают одним из основателей русской портретной школы. Андрей Матвеев учился в Голландии, позже он создал первый в истории русской живописи автопортрет.

За границей русские художники погружались в европейскую культурную среду. Они знакомились с направлениями, которые уже долгое время развивались в искусстве законодательницы мод Франции, национальной живописи Англии, наследнице Ренессанса Италии и Голландии. На манере их письма отражались популярные в Европе стили: маньеризм, барокко, рококо, классицизм. Однако художникам удавалось сохранять черты, присущие русскому искусству. Так, до середины XVIII века даже на полотнах в стиле вычурных барокко и рококо были заметны элементы аскетичной парсуны.

В творчестве одного художника часто проявлялись черты разных стилей. Происходило это оттого, что в Европе русские мастера знакомились сразу и с барочными мотивами, и с зарождающимся сентиментализмом.

Пока русские живописцы учились за рубежом, ко двору приглашали иностранных художников. Они писали полотна на заказ и набирали учеников «на местах». Одними из первых прибыли в Россию в начале XVIII века француз Луи Каравак и немец Иоганн Готфрид Таннауэр. Во времена Елизаветы важную роль в искусстве сыграли братья Гроот и итальянец Пьетро Ротари. Для обозначения работ иностранных художников в России XVIII века даже появился специальный термин — россика.

Новые жанры. От портрета — к городскому пейзажу

Неизвестный художник. Парсуна с изображением Евдокии Лопухиной, XVIII в. Чухломской краеведческий музей имени А.Ф. Писемского, Костромская обл.

Теплов Григорий. Натюрморт. 1737 г. Государственный Эрмитаж, Санкт -Петербург

Федор Алексеев. Вид Дворцовой набережной от Петропавловской крепости. 1794 г. Третьяковская галерея, Москва

Поток свежих идей хлынул в русскую живопись: художественные техники и приемы колористики, работа с композицией и новые жанры. В книге «История русского искусства» Игорь Грабарь писал: «С уверенностью можно сказать лишь то, что одним из главных факторов, решивших судьбу русской живописи, было появление портрета». Новый жанр был связан с парсунной живописью, которая получила распространение в XVII столетии. Парсуной (от искаженного «персона») условно называли портрет, в котором наряду с традиционными иконописными чертами стали появляться и более реалистичные мотивы. Художники, до этого писавшие иконы, стали обращаться к человеку и его внутреннему миру. Краски становились более яркими, а сюжеты — более светскими. В XVIII столетии — его называли «веком портретов» — появилось множество вариантов этого жанра: роскошный парадный, автопортрет и изображение на одном полотне сразу двоих людей.

Читайте также:

С 1740-х годов стал более популярным скромный камерный портрет. Известными портретистами были Алексей Антропов и Иван Аргунов. Аргунов стал одним из первых крепостных художников, добившихся славы живописца и сумевших основать художественную династию. Его двоюродный брат и оба сына стали архитекторами и художниками.

В XVIII веке развивался не только портретный жанр. Григорий Теплов написал первый натюрморт. Антон Лосенко создал первую картину в историческом жанре. Его начинания продолжили ученики — Петр Соколов, Григорий Угрюмов и Иван Пучинов. Бытовая живопись стала заметным явлением благодаря творчеству бывшего крепостного Михаила Шибанова. Полотна о жизни русских крестьян писал Иван Ерменёв. Он был сыном конюха, окончил Академию художеств, учился в Париже. Кисти Ерменева принадлежала целая серия «Нищие».

Еще одним новшеством для XVIII века стало изображение природы и романтики города. Основоположником пейзажного жанра считается Семен Щедрин, а городского пейзажа — живописец Федор Алексеев.

Академия художеств и первые картинные галереи

Федор Рокотов. Коронационный портрет Екатерины II. 1763 г. Третьяковская галерея, Москва

Владимир Боровиковский. Портрет Елены Александровны Нарышкиной 1799 г. Третьяковская галерея, Москва

Михаил Шибанов. Празднество свадебного договора. 1777 г. Третьяковская галерея, Москва

В XVIII веке в корне изменилось само отношение к живописи. Работа художника становилась профессией. В эти годы появилась Академия художеств, высшее учебное заведение, где обучали изобразительным искусствам. Она была создана по примеру школ, уже существовавших в Болонье, Милане, Париже, Берлине и Вене. Изначально в Академии преподавали лишь иностранцы, поэтому воспитанникам приходилось учить языки своих наставников. Первыми выпускниками учебного заведения стали Федор Рокотов, Антон Лосенко, Василий Баженов, Иван Старов.

При Петре I появились и первые частные коллекции живописи. Полотна собирали Александр Меншиков, Борис Шереметев, князья Голицыны. Императрица Елизавета Петровна создала первые картинные галереи при дворе. И совершенно все изменилось при Екатерине II: «музеи» живописи теперь контролировали на государственном уровне. Иностранных мастеров приглашали ко двору, картины скупали через российских дипломатов за рубежом. Екатерина II собрала достойную коллекцию западноевропейского искусства. Именно на ее основе к концу века был сформирован один из богатейших фондов живописи в мире — будущий Эрмитаж.

Русское искусство первой половины XVIII века

В русской истории XVIII век необычайно важен. Россия начинает столетие средневековой, довольно отсталой экономически и социально страной, а к его концу приходит сильной, развитой державой, активно влияющей на судьбы мира.

XVIII столетие открывается реформами Петра I. Подготовленные постепенно накапливающимися социально-экономическими изменениями, они затрагивают хозяйство страны, ее государственное устройство, армию и флот, культуру. В самом общем смысле это выражается в «европеизации» всех областей жизни, решительном сдвиге от средневековья к новому времени. Совершенно очевиден двойственный смысл этих преобразований. Несомненно прогрессивные, они в то же время в условиях крепостничества и социального неравенства объективно ведут к усилению деспотии, укрепляя позиции господствующих классов.

Государство в первой половине столетия энергично строит крупные по тем временам металлургические заводы, суконные и полотняные фабрики, поощряет развитие техники. Теперь Россия сама изготовляет из собственных материалов совершенное оружие, вполне современные корабли.

Регулярная армия и флот заменяют прежние средневековые воинские формирования. Обученные по-новому, мощно вооруженные, они под предводительством самого Петра и других полководцев новой школы завоевывают славу в трудных, но победоносных баталиях, обеспечивая России выход к Балтийскому морю — кратчайший путь в страны Западной Европы.

Слагается новый современный административный аппарат дворянской империи. Петр образует взамен средневековых приказов немногочисленные, но действенные коллегии, заменяет традиционную боярскую думу, основанную на наследственном представительстве, сенатом из нескольких назначаемых лиц. Даже относительно независимые прежде религия и церковь оказываются теперь под властной рукой государства. Абсолютная монархия, сложение которой начиналось еще в XVII веке, теперь предстает как вполне оформившееся явление.

Бурно развиваются культура и наука, расширяет сферу влияния и становится светским просвещение, растут, изменяются, создаются заново города.

Вместе с тем все достигается ценой неимоверного угнетения массы крепостных. Они в тяжелейших условиях плавят металл и ткут полотно, валяют сукна, возводят здания и крепости. Они строят корабли и сражаются на них в жестоких, морских битвах. Четкими прямоугольниками колонн они идут в сражение, погибая под ружейным и орудийным огнем. На их плечах и костях вырастают слава и величие империи.

Тяжесть гнета вызывает волны возмущений, выливающихся в крупные восстания, подавляемые могущественным военно-административным аппаратом самодержавия.

Новые явления в социально-экономической сфере и в области общественной мысли составляют глубинную основу изменений художественной культуры, в конечном счете определяя их особенности. Однако очевидно, что история русского искусства первой половины XVIII века (как и всякого искусства) имеет и собственные закономерности, свою логику развития. Рассмотрим эти вопросы сначала применительно к началу, а затем — к середине столетия.

Семь веков длилась величественная эпоха древнерусского искусства. Восемнадцатое столетие открывает иной этап — русское искусство нового времени. Оно возникает не на пустом месте. Уже во второй половине XVII века в отечественной художественной культуре ощутимы важные изменения. Их вызывают к жизни прежде всего внутренние национальные факторы: развитие творческой практики и движение теоретической мысли. Появляются знаменитые трактаты по искусству И. Владимирова и С. Ушакова. Авторы, опираясь на собственные искания, античное наследие и современный опыт других стран, обращаются к новой классификации искусств; вводят понятия светотеневой моделировки, цвета, отвечающего натуре, наметки прямой перспективы и т. д.

Заметно расширяются связи с зарубежными странами. Причем особенно активны контакты России с Западом — с соседними и более отдаленными государствами — Польшей, Германией, Голландией, Италией. Искусство и архитектура XVII века хранят немало следов подобных соприкосновений. Русское зодчество начинает по-своему использовать детали и декор барокко. В обиходе появляются колонны, «разорванные» фронтоны, гирлянды, «раковины»-«рокайли», орнаменты из побегов аканта, круглая скульптура и т. д. К концу века возникает целое специальное направление — так называемый нарышкинский стиль. В иконопись проникает стремление к трехмерной передаче изображаемого, к материальности, и телесности изображения. Причем это заметнее всего в трактовке лиц, в то время как тело, одежда, пейзажный фон пишутся во многом по-старому. Гораздо ощутимее подобная тенденция проступает в древнерусском портрете («персоне»), называемом в наше время парсуной, как искусстве светском, значительно менее сдерживаемом религиозным каноном. Парсуна по-своему, пусть еще очень робко осваивает разные типы портрета, в том числе даже конный. Не менее значительны сдвиги в книжной гравюре. В ней, помимо отмеченных черт, в наиболее прогрессивных работах, преимущественно светского содержания, нетрудно обнаружить знакомство авторов с античными, ренессансными и современными произведениями или их изображениями (архитектурные фоны, обрамления, детали, персонажи, костюмы, относительно правильная передача человеческого тела). То же характерно и для скульптуры, особенно для отдельных ее образцов (рельефная икона «Благовещение» из Соловецкого монастыря).

Все эти очень существенные изменения не затрагивают главного — средневековой основы художественной культуры. Напротив, они как бы вживляются в нее, преобразуясь под ее воздействием. Вот почему для самого древнерусского искусства и архитектуры появление этих изменений знаменует новый этап. Однако, если взглянуть на него из XVII века, видно, что это новый период в рамках старой древнерусской культуры.

Такое эволюционное развитие, не дающее само по себе перехода в новое качество, идет вплоть до самых последних лет XVII столетия. Лишь на рубеже веков следует решительнейший перелом, в конечном счете обусловленный коренной перестройкой в государственной, экономической, научно-технической и культурной сферах — реформами эпохи Петра I.

Конкретные обстоятельства перехода от древнерусского к новому русскому искусству чрезвычайно сложны: процесс многообразен, не всегда последователен, изменения в разных сферах не вполне синхронны. Да и само изучение его еще не завершено. Однако уже сейчас установлено основное: здесь нет плавного перетекания от стадии к стадии, речь может идти лишь о переломе, повороте с достаточно четко определенным рубежом, в общем совпадающим с границей двух столетий. Не менее ясно и другое — перелом подготовлен предшествующим развитием. Постепенное напластование многих изменений в какой-то момент обертывается неудержимой лавиной новаций.

В искусстве и архитектуре особенно яркими свидетельствами свершившегося перелома выступают такие всецело принадлежащие новому времени явления, как портретная живопись И. Никитина и А. Матвеева или зодчество Петербурга.

В общей совокупности особенностей искусства начала XVIII века одни присущи всем его отраслям, другие — отдельным видам. На художественную культуру в целом воздействует характерная для нового времени идея закономерности и познаваемости окружающего мира (природы, самого человека и человеческого общества, его произведений). При этом отвлеченной книжной учености предпочитается знание, полученное в результате собственного опыта, собственной практической деятельности.

Те же представления распространяются и на архитектуру и искусство. Люди петровской поры стремятся передать в них приверженность упорядоченности, восхищение силой разума, значение человеческой личности. Зодчие выражают это в облике города и слагающих его зданий, художники — в изображении всего окружающего и прежде всего человека. Мастера хотят понять и верно показать строение тела, выражение лица, особенности темперамента, уловить связь между внешним обликом портретируемого и его положением и ролью в обществе. Это определенно свидетельствует о развитии и укреплении реалистических тенденций.

Сам творческий процесс начинает восприниматься как явление, во многом закономерное и подвластное логике. Укореняется мысль о возможности и необходимости заранее представить себе конечный результат — завершенное произведение искусства. Становится привычным характерный для художественной практики эпохи нового времени путь от замысла к произведению через проектирование. В архитектуре уже не могут обойтись без чертежа и модели, выполненных в масштабе. Именно масштаб отличает новые модели от иногда применявшихся в средневековом зодчестве, именно он дает возможность точно передать в проекте облик будущей постройки, а затем пунктуально воспроизвести в натуре то, что замышлялось. Без проекта (эскиза) не работают теперь и скульпторы и живописцы (речь идет о монументалистах). Сказанное подтверждается множеством сохранившихся чертежей и набросков зодчих и мастеров декоративного искусства, эскизов скульпторов (Б.-К. Растрелли). Из опубликованных документов известно, что один из лучших художников начала XVIII века А. Матвеев давал «модели гисторические и евангельские» (видимо, картоны), с которых подчиненные ему мастера писали «картины» в Петропавловский собор. Тот же Матвеев, когда официально проверялось его умение, сделал в присутствии экзаменовавшего (живописца Л. Каравака) рисунок, по которому «на дому и картину написал не худо».

Появление проектирования в широком смысле слова, понимаемого как составная часть и особенность творческого метода, принципиально важно. В промежуточных незавершенных образах порой достаточно условно и не в окончательном материале закрепляются замысел, этапы его формирования и совершенствования. Для художника и зодчего весьма существенна и происходящая при этом фиксация поиска, помогающая оттачивать мастерство. Наличие проектирования сказывается и на особенностях взаимоотношений мастера и заказчика, придавая процессу работы большую целенаправленность, делая более предсказуемым результат. Нельзя не учитывать и еще одну сторону дела — значимость проектирования для распространения творческих идей. Воплощенные в чертежах, моделях, эскизах, картонах, набросках, они не исчезают, даже если не осуществлены в натуре (здании, статуе, холсте). Действуя на художественную среду, на современников и мастеров младших поколений, они могут стать отправной точкой для последующего развития.

Обращение к формам культуры нового времени, принятым в передовых странах Европы, начиная с эпохи Возрождения, приносит с собой иной идеал города — регулярно и рационально спланированный единый архитектурный ансамбль. В отличие от средневековья это уже не конечный результат исторического, во многом стихийного развития, а своего рода гигантское произведение, создаваемое на основе проекта. Эта идея утопична, однако важно, что она была и воздействовала на творческую мысль и практику. Градостроительство отказывается от средневековой радиально-кольцевой схемы в пользу прямоугольной сети улиц, главных проспектов, сходящихся в одной точке, образуя «трезубец», и других подобных планировок. Их применение заставляет обратиться к прямым улицам и площадям правильной геометрической формы, к застройке по «красным» линиям, подчеркивающей подобные свойства. При этом фронт набережных, улиц и площадей образуется главными, а не второстепенными, как часто было в прошлом, фасадами построек.

Русская архитектура осваивает незнакомые прежде разновидности зданий административного, промышленного, учебного, научного назначения. Видоизменяются уже существовавшие типы сооружений: наряду с крестовокупольным появляется базиликальный храм, вместо хором с плодовым садом — дворцовопарковый комплекс; преображаются городской жилой дом и усадьба. Государством вводятся «образцовые» проекты для массового строительства строго разделенные по сословному принципу на дома для «подлых», «зажиточных» и «именитых».

Изменения касаются и объемно-пространственных композиций. Зодчие охотно используют высотные сооружения, увенчанные шпилями, что не только выделяет сами здания, но и воздействует на силуэт города, придавая ему своеобразную «колючесть», остроту. В домах и дворцах выявляются центр и повторяющие друг друга боковые части (фасад с тремя выступами-ризалитами или объемная структура из трех корпусов, соединенных галереями).

Входит а силу анфиладный принцип построения системы интерьеров. Нанизанные на одну ось залы вытягиваются в более или менее длинные вереницы, расходящиеся в стороны от центра здания; нередко анфилады пересекаются, создавая эффекты, неизвестные старому зодчеству.

Объемные композиции, фасады, интерьеры почти обязательно строятся по принципу симметрии. Это уже не идеальная симметрия центрических композиций Древней Руси; XVIII век с самого начала обращается к двусторонней симметрии относительно одной оси.

Важнейший атрибут архитектуры нового времени — ордер — становится действенным инструментом зодчих. С его помощью стремятся показать закономерность построения композиции, выявить тектонику здания. Осваиваются классические образцы ордера, восходящие к наследию античности (преимущественно римской) и Ренессанса. Не случайно в эти годы в России переводят, издают, изучают увражи Витрувия, Палладио, Виньолы и других авторов. Ордер выступает и как носитель гуманистических идей, их порождение и выражение. Именно он позволяет соразмерить холодную, «неживую» структуру здания с человеком, согласуя с ним пропорции и масштаб компонентов, форму деталей, размещение и рисунок декора. Отточенные, отработанные в течение веков, вся система ордера и каждый его элемент дают возможность русской архитектуре начала XVIII века приобщиться к одному из самых совершенных созданий мировой культуры.

В изобразительное искусство приходит новый мир образов и сюжетов. Очень важно, что в огромной степени они черпаются теперь из окружающей действительности. В поле зрения поп’адают современники, города и местности России, сцены мирной жизни и картины войны.

Широко и энергично художники и зрители познают всемирную и отечественную историю, античную мифологию в римском и ренессансном переложении. Этим материалом пользуются, чтобы передать идеи и содержание своей эпохи, русской действительности. Такое иносказание, выражение через понятные всем общезначимые образы бывало и раньше. Но тогда оно оставалось в русле религиозного мышления, а теперь становится чисто светским. Искусство овладевает новой символикой, осваивает аллегорию.

Появляются не встречавшиеся прежде виды изобразительного искусства. В формах нового времени развиваются разные типы портрета, пейзажа, батальной живописи, батальной гравюры, светской монументально-декоративной живописи, скульптуры. Входят в обиход и техники, нетипичные для древнерусского искусства. Мастера работают маслом, в карандаше, выполняют произведения в мраморе. Граверы используют приемы чистого офорта и в сочетании с резцом, «черную манеру» (меццо- тинто).

Решительно и необратимо русское искусство принимает присущие новому времени средства передачи облика окружающего мира. В обиход входит прямая перспектива, сообщающая глубинность и объемность изображению на плоскости. Художник в бликах и тенях прослеживает направление света, учитывает расположение его источника, число источников, характер освещения, его цвет, задумывается над взаимоотношениями цвета и света, над ролью цвета как одного из средств построения объема и пространства. Становится необходимым умение убедительно изобразить конкретный материал, будь то металл или мех, ткань или стекло, показать особенности поверхности лица и рук, блеск глаз, мягкость или жесткость волос и т. д. Словом, начинает формироваться реалистическое искусство, идейно-образный строй и средства выражения которого созвучны своему времени.

Всему этому нужно было учиться, и пафос познания, столь типичный для эпохи и самого Петра I, захватывает и художественную сферу.

Знакомство с искусством нового времени во многом осуществляется через посредство самих его произведений, привозимых из-за границы или создаваемых в России иностранными авторами. Однако такое приобщение не может дать практических навыков творчества, основанного на новых идеалах, образах и формах. Это умение русские художники и зодчие приобретают, занимаясь под руководством приезжих мастеров. Знаменательно, что каждый приглашенный в Россию деятель искусства (особенно в петровское время), подписывая контракт, обязуется готовить русских учеников.

Создаются так называемые команды, в которых ученики группируются вокруг известных живописцев, граверов, архитекторов. Команды состоят из людей, неодинаково подготовленных: от только приобщающихся к «художествам» до почти самостоятельных мастеров. Преподавание здесь сочетается с огромной чисто практической, как правило, общей для всех работой, где каждому стремятся найти посильное дело. Подобные объединения в 20-е годы XVIII века переходят под эгиду государственных учреждений — Оружейной канцелярии, Академии наук, Санкт-Петербургской типографии, Канцелярии от строений, Гофин- тендантской конторы, Адмиралтейства, Партикулярной верфи и т. д.

Склонную к централизации и упорядочению Петровскую эпоху не устраивает и эта форма организации. Возникает идея специальной Академии художеств, воплощенная затем в тщательно разработанных проектах М. П. Аврамова (1719) и А. К. Нартова (1724). Эти замыслы не осуществились, но и не пропали бесследно: Петр учреждает в 1724 году «Академию, или социетет художеств и наук», то есть Академию наук с художественным отделением.

Художественное образование начала века почти не связано с какими-либо учебниками. Исключение составляют рукопись Г. Долгорукова (или В. Долгорукова) «Архитектура цывильная…» (1699) и классические трактаты зодчих античности и Ренессанса. Обучение обыкновенно строится по-другому. Это прежде всего работа «с образца». Сам метод характерен и для древнерусской культуры. Однако XVIII век вносит в него важнейшее отличие: теперь копируют произведения эпохи античности и нового времени, то есть избирается принципиально иной образец. В этом качестве выступают гравюры, картины, портреты, статуи, чертежи и модели зданий.

Не менее важны и непосредственные указания самого учителя — живописца, рисовальщика, гравера или зодчего. Секреты мастерства ученик познает в совместной работе, выполняя второстепенные части произведений или чисто технические задания. Этот метод в принципе наследует опыт древнерусского искусства. Вместе с тем очевидна и громадная разница: сам учитель работает в формах искусства нового времени, пользуется соответствующими этой эпохе образами, приемами, техниками, материалами.

Работа с натуры — значительнейшее завоевание русского искусства начала XVIII века, означающее совершенно иную ступень по сравнению с прошлым. Мастера изобразительного искусства штудируют натуру, знакомятся с анатомией. Архитекторы изучают графические методы реализации замысла, свойства материалов, практику расчетов конструкций; черчение и т. д.

Столь же существенно и немыслимое для старой Руси совершенствование мастерства в зарубежной поездке. Петровские пенсионеры работают у ведущих художников и зодчих других стран, знакомятся с постановкой дела, овладевают европейскими языками, изучают собрания живописи, графики, книг и древностей. Молодые зодчие и живописцы делают обмеры и зарисовки памятников архитектуры и монументального искусства. Вся жизнь Европы: непривычные обычаи и нравы, облик и одежда жителей, невиданные города и сельские пейзажи, диковинки техники, новинки моды, особенности этикета — все фиксируется сознанием, необычайно расширяя художественную эрудицию и просто человеческий кругозор.

Специфическое обучение начинает формировать творческую личность нового типа. Новизна не ограничивается лишь кругом чисто специальных знаний и навыков. Она обнаруживает себя и в нехарактерных для прошлого отношениях с заказчиком и моделью, в серьезных размышлениях над обязанностями художника и зодчего перед государством, страной, обществом, над местом русского искусства в системе других национальных художественных школ, новизна сказывается и в сознании важности собственной роли, в значительном освобождении из-под власти религии и приобщении к чисто светскому мировоззрению, больше основанному на знании, чем на вере.

В начале века, пожалуй, две в широком смысле слова «темы» приковывают внимание: «город» и «человек». Этот выбор, видимо, связан с общими особенностями русской действительности тех лет. Во всяком случае, градостроительное искусство и архитектура вместе с гравюрой, призванной запечатлеть их произведения, развиваются бурно и вдохновенно. Не меньшая творческая энергия концентрируется и на второй «теме», воплощаясь в великолепном портрете.

Существенна, хотя, пожалуй, более скромна, роль скульптуры (монумент, декоративная пластика, медальерное искусство), монументально-декоративной и батальной живописи, садово-паркового искусства и оформления празднеств.

Бытие искусств в ту эпоху отличают ярко выраженная комплексность, синтетичность. Общее впечатление от дворцовой резиденции создается усилиями архитектуры, живописи, скульптуры, садового искусства, фонтанного дела (включающего устройство каскадов и каналов), вокальной и инструментальной музыки, поэзии. В этот хор вливаются огни фейерверка и пушечная пальба. Облик города, определяемый планировочными решениями и архитектурой сооружений, по торжественным дням дополняется триумфальными временными постройками со своим скульптурным и живописным убранством, нарядными шествиями, парадами войск и кораблей в сочетании с музыкой, фейерверками и залпами орудий.

При естественной самостоятельности отдельных видов искусства начала XVIII века есть некоторые присущие им всем черты. Прежде всего, как уже упоминалось, творчество идет в формах, типичных для нового времени. Кроме того, впервые искусство обретает отчетливо светский характер. Ответвления, оставшиеся под диктатом религии, бесповоротно уходят на второй план. Очень существенна и тесная (более тесная, чем раньше и позже) связь с потребностями государства и общества, что нередко сообщает произведениям открытую агитационность или научно-просветительский оттенок. В целом — это искусство для общества (пусть сословного), а не для обособленной личности.

Одно из основных свойств искусства этого периода — пафос утверждения, что обусловливает подъем «предрасположенных» к этому видов творчества. Оппозиционность, если она и есть, лежит за рамками художественной культуры нового времени, отодвинута в область народного искусства (лубок) или фольклора, где главенствуют традиционные формы.

С позитивностью органично сочетаются трезвость и острота взгляда на мир, растущее стремление к объективности. Аналитичность разума в свою очередь уживается с напряженностью страсти.

В Петровскую эпоху система искусств развивается сразу по многим направлениям. Это и «чисто» новое искусство, и новое сквозь призму старых представлений, и старое с элементами нового, и, наконец, просто развитие в старом русле, бесконечное совершенствование уже найденного. Важно, что и самое новое, и выполненное в старых формах может быть воплощено в исключительных по художественному качеству произведениях. Достаточно вспомнить Петропавловский собор в Петербурге (1712—1733) и Преображенскую церковь в Кижах (1714). Нечто похожее ощутимо и в живописи, если сопоставить портрет Г. И. Головкина работы И. Н. Никитина (20-е годы) и портрет Г. Д. Строганова работы Р. Н. Никитина (до 1715?). Для полноты характеристики эпохи важны и те и другие памятники. Однако суть новизны и перспективу развития определяют произведения круга Петропавловского собора и работ И. Н. Никитина. В них сосредоточено главное в этом периоде.

Многолинейность чувствуется и в пределах основного направления — искусства, развивающегося в формах, характерных для нового времени. Отточенное мастерство и сугубый профессионализм Ж.-Б. Леблона, Н. Микетти, Н. Пино здесь соседствуют с почти фольклорным «лубочным» подходом Франсуа де Вааля. Помимо того, существуют стилевые различия. Новое искусство России начала XVIII столетия связано с тремя стилевыми направлениями: барокко, рококо и классицизмом XVII века (в последнем случае указание на XVII век очень существенно, ибо впоследствии пойдет речь о классицизме второй половины XVIII века, значительно отличающемся от своего предшественника). Не претендуя на полноту определения, скажем лишь, что барокко в отличие от классицизма апеллирует скорее к чувству, чем разуму, тяготеет к бурному конфликту, динамике, а не к гармонии; что оно гораздо меньше с вязано с каноном античности и т. п. Барокко и классицизм распространены еще в XVII веке, а рококо появляется в начале следующего столетия. Это стилевое направление вырастает на основе барокко, в какой-то мере используя уроки классицизма. Рококо приносит с собой подчеркнутую утонченность, камерность, интимность, черты игривости и гедонизма. Традиционные свойства барокко новый стиль перелагает на свой лад, лишая их напряженности, серьезности и величия.

Барочное направление в искусстве и архитектуре начала века связано с именами Д. Трезини, А. Шлютера (представители сдержанной ветви) и Г. Маттарнови, Н. Микетти, Т. Швертфегера, отчасти М. Г. Земцова — сторонников более нарядного, торжественного варианта. К последнему принадлежат в скульптуре — произведения Б.-К. Растрелли (отца) и статуи Летнего сада. Классицистическая линия связана с Ж.-Б. Леблоном, а рокайльная — с Н. Пино, Ф. Пильманом, Л. Караваком (его детские портреты), отдельными работами И. Н. Никитина (портрет С. Г. Строганова).

Многолинейность в области стиля сосуществует в эти годы с тенденцией к слиянию черт разных направлений в пределах одного памятника. Например, в Петергофе первой четверти XVIII века нижний сад по планировке восходит к «равнинному» регулярному парку, распространенному во французском классицизме XVII века. Иные корни у комплекса каскадов и фонтанов — он по типу родствен скорее итальянскому барочному «горному» саду с его «водяными затеями». Строго говоря, это не исключение. Еще во второй половине XVII столетия «трезубец проспектов» — градостроительный прием, возникший в рамках барокко (Рим, Пьяцца дель Пололо) — используют классицистический Версаль (въездная площадь) и сочетающий оба стиля Берлин (регулярная часть города — Фридрихштадт).

Подобное слияние черт не есть нечто противоестественное и основывается на родственности этих направлений. Для системы стилей в начале XVIII века средним (связующим) звеном является барокко, с которым так или иначе соприкасаются классицизм XVII века и рококо. Классицизм XVII века в живописи и архитектуре в основном опирается на идеалы античности, по-своему им истолкованные. Вместе с тем его разновидность, представленная дворцом в Версале, по стремлению к пышности, грандиозности, нарядной торжественности и патетике во многом сопоставима с барокко, особенно с ветвью, возглавляемой Бернини. В скульптуре классицизм XVII века еще заметнее апеллирует к барокко. В целом это дает возможность называть его «барокизирующим». Еще теснее, как показано выше, узы, связывающие рококо и барокко.

Начало XVIII века вмещает важнейшие события в истории русского искусства. На эти годы приходятся решительный перелом от старого к новому, трудное освоение в короткий срок опыта мировой культуры, приобщение к ее современным достижениям, упорное стремление нащупать свой путь в ее пределах. Многое из того, что делается, подготавливает будущее развитие. Однако создаются и непреходящие ценности: прекрасные портреты, гравюры, памятники архитектуры и градостроительства.

Архитектура и изобразительное искусство России XVIII века — Рефераты бесплатно

Реферат на тему: Архитектура и изобразительное искусство России XVIII века

Содержание

• Введение
• Русская архитектура XVIII века
• Изобразительное искусство России XVIII века
• Заключение
• Библиография

Введение

XVIII век был знаменателен для России заметными переменами и значительными достижениями в области искусства. Изменились его жанровая структура, содержание, характер, средства художественного выражения. И в архитектуре, и в скульптуре, и в живописи, и в графике русское искусство выходило на общеевропейские пути развития. Еще в недрах XVII века, в петровские времена происходил процесс “обмирщания” русской культуры. В становлении и развитии светской культуры общеевропейского типа невозможно было полагаться на старые художественные кадры, для которых новые задачи оказались не по плечу. Приглашаемые на русскую службу иностранные мастера не только помогали создавать новое искусство, но и были учителями русских людей. Другим не менее важным путем получения профессиональной подготовки была посылка русских мастеров на учебу в Западную Европу. Так многие русские мастера получили высокую подготовку во Франции, Голландии, Италии, Англии, Германии. Именно на этом этапе русское искусство вступило в более тесное соприкосновение со стилевыми тенденциями, выработанными в западноевропейском искусстве нового времени, через которые предстояло пройти свой путь и ему. Однако поначалу процесс перестройки художественного сознания русских мастеров протекал с большими трудностями, в методе их работы еще сказывались традиционные представления, законы средневекового творчества в форме монументально-декоративных росписей и иконописи.

Идея основания в России своей школы разных художеств появилась еще при Петре I, который дал указание о разработке проекта такой Академии, хотя прошло еще не мало времени, прежде чем удалось реализовать эту идею. Поначалу подготовка мастеров велась в различных местах и городах. Это была и Петербургская типография, и Оружейная палата в Москве, однако необходимость дальнейшего развития художественной школы стала особенно очевидной в середине XVIII века. И в 1757 г., в Петербурге состоялось открытие Академии трех знатных художеств. Уже в 1758 г. стараниями М. В.  Ломоносова и И. И.  Шувалова (президент Академии 1757-1763 гг.) сюда прибыла группа московских и петербургских юношей, склонных к художествам. Преподавание в Академии вели и иностранные учителя: скульптор Н.  Жилле, живописцы С.  Торелли, Ф.  Фонтебассо и др., которым многим обязана русская культура. В 1764 г. Академия трех знатных художеств была преобразована в Российскую императорскую Академию художеств. В это время Академия становится и законодателем художественных идей, и учебным заведением. В ее среде выросло новое поколение художников, прославивших впоследствии Россию на весь мир, это были и архитекторы И.  Старов, В.  Баженов, скульпторы Ф.  Шубин, Ф.  Гордеев, художники А.  Лосенко, Д.  Левицкий и др. С основанием Академии художеств эпизодические поездки русских учеников за границу превращаются в постоянную практику учебы и работы за границей, которой удостаивались лучшие выпускники.

Русское искусство, как мы увидим, продолжающее в XVIII веке развиваться на новых европейских началах, по-прежнему оставалось выражено национальным явлением со своим специфическим лицом, и факт этот сам по себе весьма знаменателен.

Русская архитектура XVIII века

Динамика стилевого развития русской архитектуры XVIII века своеобразно нарастает. В стране, с запозданием выходившей на общеевропейский путь развития, освоение западноевропейских стилей неизбежно протекает ускоренными темпами, причем уже на начальной стадии развития, в петровскую эпоху, существуют зачатки всех стилевых линий, через которые предстояло пройти русской архитектуре на протяжении века. Сущность переходного времени выражалась состоянием многостилья, когда русское искусство образно говоря “примеряло” себя к разным европейским стилям, еще не сделав окончательного выбора, совмещая в себе черты барокко, классицизма и рококо. Углубление разделения труда, формирование всероссийского рынка, рост промышленности и торговли приводит к тому, что в феодальной по укладу еще стране растут и крепнут элементы новой, капиталистической формации, усиливается значение городов в жизни страны в целом.

Эпицентром передовых веяний в архитектуре и градостроительстве стала российская столица Санкт-Петербург – ровесница века, задуманная как образец новой культуры. Будущая столица возводилась на пустом месте, что во многом облегчало внедрение приемов регулярной планировки и застройки. В небывалых ранее масштабах использовался опыт иностранных специалистов, были мобилизованы материальные и людские ресурсы всей страны. В первые годы существования Санкт-Петербурга развернулось широкое мазанковое строительство. В ходе строительства мастера осваивали деревянные конструкции так называемого “прусского образца”, т.е. облегченный характер стен, плоские перекрытия в хозяйственных, общественных и жилых строениях. Технической новинкой Петербурга явились необычайно высокие шпили, венчающие важнейшие городские здания, что было широко распространено в северно-европейских странах. Выдающимся сооружением такого типа был шпиль Петропавловского собора, высота которого достигала 45 м. С размахом же каменного строительства усовершенствовались и его инженерные основы, стало возможно уменьшить толщину стен строившихся зданий без существенного снижения прочности зданий. Например, во дворце А.  Меншикова на Васильевском острове толщина стены в верхних этажах всего в полтора или даже в один кирпич. В этот период в Петербурге было налажено производство как обычного кирпича, так и особого, влагоустойчивого, по голландской рецептуре. Все это не замедлило дать результаты. Город был создан в рекордные сроки, временный деревянный Петербург быстро сменился каменным. К концу царствования Петра I он уже удивлял приезжих иностранцев величием и красотой. В созданном в 1751 г. труде о Петербурге автор имел основание записать: “сей град столько распространен, приукрашен и возвеличен, что перед многими великими и древностью превозносящимися городами в Европе имеет знатное преимущество”. В Петербурге впервые был разработан регулярный план застройки города и ставший градообразующий его основой. План П. М.  Еропкина (1737) и последующие за ним проекты закрепили эту закономерность развития города. Качественно новое лицо приобрели и петербургские площади. Они получили географические очертания с обстройкой их протяженными фасадами гостиных домов, коллегий и других общественных зданий. Так выглядела Троицкая площадь на Петроградской стороне. В середине века усилившаяся стилевая тенденция к скульптурной экспрессии форм сказалась на силуэте Петербурга, обогатившегося множеством новых, высоко поднятых колоколен и церквей. Причем в их виде вместо шпилей появились подчеркнуто национальные мотивы пятиглавия, ярусности, башнеобразности, отчего силуэт города получил новые объемно-пластические акценты и несвойственные ему ранее живописный характер. “Регулярная” российская столица Петербург становится символическим воплощением образа самой абсолютистской империи с ее идеей всеобщего порядка. Сферой, где также обретался опыт регулярного регламентированного строительства, были основанные в первой половине века “города-крепости” и “города-заводы”. Особое значение имел опыт строительства Таганрога, Воронежа, Азова, перепланировки таких городов как Оренбург, Тверь и многих других.

Неоценимую роль в этом сыграли великие русские и иностранные архитекторы. Одним из известнейших представителей западной архитектурной школы, работавший в России был Растрелли Франческо Бартоломео (1700-1771 г.), сын итальянского скульптора К. Ф.  Растрелли, служившего при дворе французского короля Людовика XIV, однако архитектурно-строительный опыт приобрел в России. Будучи одаренным художником, он сумел проявить себя как искусный зодчий и занял наивысшее в архитектурном мире России положение “обер-архитектора”. Его творчество достигло апогея в 1740-1750 г. Наиболее известные его творения — это и ансамбль Смольного монастыря в Петербурге (1748-1764 г.) , созданный в традициях русских монастырских ансамблей предыдущих столетий, и дворцы елизаветинских вельмож М. И.  Воронцова и С. Г.  Строганова в Петербурге, но в наивысшей степени его талант проявился в создании таких шедевров как Зимний дворец (1754-1762 гг.) в столице, Большой дворец в Царском Селе и Петергофе (Петродворце), во многом-многом другом. Все они ярко характеризуют стиль барокко середины XVIII в. и эволюцию творчества замечательного зодчего. Еще одним ярким иностранным представителем, работавшим в России, был Антонио Ринальди (1710-1794 гг.). В своих ранних постройках он еще находился под влиянием “стареющего и уходящего” барокко, однако, в полной мере можно сказать, что Ринадьди — представитель раннего классицизма. К его творениям относятся Китайский дворец (1762-1768 гг.), построенный для великой княгини Екатерины Алексеевны в Ораниенбауме, Мраморный дворец в Петербурге (1768-1785 гг.), относимый к уникальному явлению в архитектуре России, Дворец в Гатчине (1766-1781 гг.), ставший загородной резиденцией графа Г. Г.  Орлова. А.  Ринальди выстроил также несколько православных храмов, сочетавших в себе элементы барокко — пятиглавие куполов и высокой многоярусной колокольни. Известным русским представителем эпохи раннего классицизма в архитектуре был ученик архитектора Коробова — Кокоринов А. Ф. (1726-1722 гг.). К известным его произведениям, где с наибольшей отчетливостью проявился стиль классицизма, принято относить здание Академии художеств в Петербурге, выстроенного на Невской набережной Васильевского острова (1764-1788 гг.) . Необычайно красивый фасад и многофункциональные кабинеты и залы этого здания соответствовали все возрастающему престижу русского искусства. Известным московским архитектором, украсившим облик Москвы по праву считается Баженов В. И. (1737-1799 гг.). Начальные познания в зодчестве он получил в архитектурной школе Д. В.  Ухтомского и в гимназии Московского университета. Дипломат Французской академии художеств, присвоение звания профессора Римской национальной академии искусств, членство в Флорентийской и Болонской академиях художеств — поистине мировое признание его таланта. По возвращении в Петербург (1765 г.) В. И.  Баженова избрали академиком Петербургской Академии художеств, а в 1799г. он стал ее вице-президентом. К первым работам В. И.  Баженова относятся строительство здания петербургского Арсенала (ныне не существует) и до сих пор не разгаданный проект Смольного института (не осуществлен). С 1767 г. все внимание широко образованного зодчего поглотило ответственное поручение – проектирование и строительство колоссального сооружения – Большого Кремлевского дворца и здания коллегий на территории Московского Кремля. В связи с этим в 1768 г. была создана специальная Экспедиция кремлевского строения, главным архитектором которой был назначен В. И.  Баженов. В его архитектурную команду вошли известнейшие проектировщики того времени, одним из которых был величайший впоследствии архитектор – М. Ф.  Казаков. Новый дворец был задуман таким грандиозным (соответственно престижу великого государства), что мог скрыть за собой древние строения Соборной площади, а это бы нарушило традиционный облик Кремля, именно поэтому своей “Инструкцией к строительству…” сам Баженов провозгласил необходимость сбережения древних построек Кремля. В 1772 г. были завершены все проектные работы, а 1 июня 1773 г. произведена официальная закладка дворца. В. И.  Баженов писал: “народы европейские, узрев восставший из недр земных новый Кремль, объяты будут удивлением величавости и огромности оного и не увидят уже красот своих собственных великолепий” . Однако дальше торжественной закладки строительство дворца дело не пошло, и в 1775 г. была даже распущена архитектурная команда В. И.  Баженова. Широко разрекламированный проект и строительство дворца были средством укрепления государственного престижа Екатерины II, которая стремилась показать, что Россия под ее властью способна вести изнурительную войну и одновременно затевать грандиозное строительство. И, тем не менее, несмотря на то, что выдающийся замысел В. И.  Баженова осуществлен не был, его значение для русской культуры было весьма велико, и, прежде всего, для окончательного утверждения классицизма как основного стилистического направления в развитии отечественного зодчества. Кроме того, на проекте перестройки Кремля, прошли профессиональную подготовку многие известные мастера. Отказ от строительства В. И.  Баженов перенес стоически, неудачи не сломили зодчего. Он занялся разработкой проектов частных строений по заказам московского дворянства. К наиболее значимым строениям этого периода стоит отнести ансамбль усадьбы и господского дома Пашкова в Москве (1784-1786 гг.), неподалеку от Кремля. Это определило компактную и в высшей степени оригинальную планировочную композицию. При проектировании дома Пашкова Баженов выступил блестящим последователем идей французского классицизма. Из усадебных городских домов в Москве, созданных в последний период жизни Баженовым, следует отметить дом Юшкова на Мясницкой. Завершением творчества В. И.  Баженова предстает проект строительства Михайловского замка в Петербурге, однако закончить его Баженову не удалось, и со значительными изменениями дворец был достроен архитектором В. Ф.  Бренном.

Еще один выдающийся русский архитектор – Казаков М. Ф. Свое образование он получил в архитектурной школе Д. В.  Ухтомского в Москве, большую роль в развитии природного дарования М. Ф.  Казакова сыграла работа в Твери, а затем семилетнее пребывание в архитектурной команде В. И.  Баженова в период работы над проектом Большого Кремлевского дворца. Творческим кредо сформировавшегося Казакова был классицизм в его строгом проявлении. Ярким примером этому служит огромное здание Сената в Московском Кремле, искусно сооруженное им в 1776 – 1787 гг. Можно предположить, что характер архитектурного решения этого здания был навеян архитектурой неосуществленного Кремлевского дворца В. И.  Баженова. Следующим крупным общественным зданием, возведенным Казаковым в Москве, было четырехэтажное здание Университета на Моховой улице (1786 – 1793 г.). Это здание является прекрасным образцом классицизма, соответствующее престижу русской науки, имеющее строгий и репрезентативный вид. Важное место в архитектуре московского классицизма и в творчестве М. Ф.  Казакова занимает известное общественное здание – дом Благородного Собрания, мастерски перестроенный архитектором. Также Казаковым была выстроена церковь Филиппа Митрополита на Второй Мещанской улице (1777-1788 гг.). В строительстве мастер также использовал классическую круглую композицию применительно к православному храму.

Еще очень и очень многие выдающиеся русские и иностранные зодчие трудились на благо России, именно их стараниями по красоте городов и величию зданий, Россия в XVIII встала в один ряд с западноевропейскими странами.

В XVIII веке в России происходил небывалый размах развития ваяния, появления новой, западноевропейского типа скульптуры, какой еще не знала Россия. Заметную стилевую перемену в развитии русской пластики принесла новая эстетика классицизма эпохи Просвещения. Важную роль в освоении классической скульптуры в России сыграл приглашенный на русскую службу французский скульптор Н.  Жилле, долгое время возглавлявший скульптурный класс Академии. Школу Н.  Жилле, заложившую основы классического ваяния в России, прошли все ведущие русские скульпторы второй половины XVIII века, окончившие Петербургскую Академию художеств: Ф.  Гордеев, М.  Козловский, И.  Прокофьев, Ф.  Щедрин, Ф.  Шубин, И.  Мартос и другие.

Рассмотрим наиболее известные работы и стилевые тенденции этих и некоторых других выдающихся скульпторов того времени. Наиболее полно овладевает принципами зрелого классицизма Иван Мартос (1752-1835 гг.). Он создает вполне классические произведения, заметно отличающиеся чистотой и ясностью своей формы от работ других мастеров. После окончания Академии художеств Мартос для совершенствования мастерства едет в Рим, где непосредственно соприкасается с античной скульптурой. Мартос – мастер широкого диапазона, обращавшийся к разнообразной тематике. Особенно заметный след он оставил в разработке темы классического надгробия и городского монумента. Он был известен и как великолепный мастер декоративно-лепных работ, пробовал заниматься портретом. Его дарование как монументалиста в полной мере раскрылось в памятнике Минину и Пожарскому в Москве, ставшем эталонным произведением – он нашел новые пути соединения монументальной пластики не только с классическими зданиями, но и с пространственным городским ансамблем, превзойдя всех своих предшественников.

Последователен в своей эволюции к классицизму был и Иван Прокофьев (1758-1828 гг.). По сравнению с другими мастерами у Прокофьева сильнее чувствуется сентименталистская струя, придавшая особую мягкость и лиризм его образам. Самое лучшее в его наследии — это рельефы, созданные для петербургской Академии художеств, в которых он достигает исключительного совершенства формы в выражении величавой тишины, гармонирующих с классическим строем интерьера.

В этом же контексте развивалось и искусство скульптора Федота Шубина (1740-1805 гг.). Благодаря своему упорству и способностям он оказывается в Петербургской Академии художеств, где начинается блестящий расцвет его таланта. Ф.  Шубин становится непревзойденным мастером скульптурного портрета. Он выполнил множество заказных портретов, бюстов. Это были бюсты А. М.  Голицына, З. П.  Чернышева и других известных деятелей екатерининской эпохи. К концу XVIII века намечались и новые формы образного выражения в виде сентименталистских, а затем и романтических настроений. Характерны в этом отношении бюсты П. В.  Завадовского и А. А.  Безбородко (1798 г.), также выполненные Шубиным. Вместе с тем в поздних работах художника заметна и другая тенденция — усиливается конкретизация портретного образа, а в стиле нарастают черты строгости и простоты. Этими признаками обладают зрелые работы Шубина: бюсты Г. А.  Потемкина (1791 г.), Е. М.  Чулкова (1792 г.), М. В.  Ломоносова (1793 г.), и др. Ф.  Шубин показал своих современников в неповторимости индивидуальных особенностей их характера и склада души. Шубинский талант обусловил объективность и глубину его произведений, отразивших все многообразие и противоречивость эпохи.

Художником одного творения (созданного для России) можно назвать французского скульптора Э. М.  Фальконе (1716-1791 гг.). Созданная в России им всего одна работа “Медный всадник” принесла ему славу великого мастера. Стремление к максимальному обобщению толкало на путь отвлеченного от конкретности истолкования памятника: гранитная скала постамента в виде морской волны, вздыбленный конь и растоптанная змея становятся олицетворением тех препятствий и враждебных сил, которые приходилось преодолевать Петру I. В результате родился символ, ставший олицетворением не только великих деяний Петра, но и преобразованной им России.

Еще множество прекрасных мастеров творило в этот период, и как бы подводя итог этой эпохи, хотелось бы отметить, что XVIII век стал временем, благоприятствующим развитию русской культуры, определив две основные ее линии: профессиональную, ориентированную на общеевропейский путь, и местную, продолжающую развивать традиции народного творчества.

Изобразительное искусство России XVIII века

Во второй половине XVII столетия вместе с другими видами искусства в России, живопись переживает серьезные изменения. В определенной мере они подготавливают те коренные реформы, которые происходят в ней в начале XVIII века. Вступая на позиции искусства нового времени со значительным запозданием по сравнению с другими передовыми в художественном отношении европейскими странами, русская живопись по-своему отражает общие закономерности этой стадии развития. На первый план выдвигается светское искусство. Первоначально светская живопись утверждается в Петербурге и Москве, но уже со второй половины XVIII века получает значительное распространение в других городах и усадьбах. Традиционное ответвление живописи – иконопись по-прежнему широко бытует во всех слоях общества.

Русская живопись развивалась на протяжении всего XVIII века в тесном контакте с искусством западноевропейских школ, приобщаясь к всеобщему достоянию – произведениям искусства эпохи Ренессанса и барокко, а также широко используя опыт соседних государств. Вместе с тем, как уже давно установили исследователи, искусство в целом и живопись в частности, на протяжении всего XVIII века связаны единой направленностью и имеют ярко выраженный национальный характер. В этот период в России творили величайшие мастера своего дела – представители отечественной художественной школы и иностранные живописцы.

Наиболее интересным явлением в искусстве петровской эпохи стал портрет. У истоков портретной живописи нового времени стоит И. Н.  Никитин (ок.  1680 – 1742 гг.). И. Н.  Никитин ярко воплощает силу человеческих возможностей, открытых петровской эпохой. Крупнейший реформатор русской живописи, он разделяет с ним триумфы, а под конец – трагические невзгоды. Портреты, созданные Никитиным в ранний период, уже представляют собой вполне европейские по характеру изображения, наиболее близкие произведениям французской школы начала XVIII века. Используя общеевропейский опыт, русский художник реализует свои собственные представления о мире, красоте и индивидуальных особенностях модели. Так возникает свой вариант портрета — общепонятный и вполне неповторимый. К кисти этого великого художника принадлежат такие произведения, как портрет цесаревны Анны Петровны и царевны Прасковьи Иоанновны (предположительно 1714 г.). Пожалуй, самым сильным произведением после возвращения Никитина из Италии является портрет государственного канцлера Г. И.  Головкина (1720-е гг.) . Помимо возросшей грамотности в рисунке и технике живописи он демонстрирует духовность выражения и взаимодействие образа со зрителем. Не меньшая серьезность присуща и “Портрету напольного гетмана” (1720-е гг.). Авторская самостоятельность проявляется и в портрете С. Г.  Строганова (1726 г.) и в картине “Петр I на смертном ложе” (1725 г.) . Со смертью Петра трагично закончилась и жизнь самого художника – он был судим по ложному обвинению и сослан в Тобольск.

К петровской эпохе по духу принадлежит и творчество другого русского живописца – Андрея Матвеева (1701-1739) . По указу Петра он был послан в Голландию учиться, что обеспечило необходимый уровень знаний. Еще в период прохождения обучения им были созданы картины – “Аллегория живописи” (1725 г.) и “Венера и Амур”. Самое известное произведение Матвеева – “Автопортрет с женой” (1729 г.) . Произведение Матвеева рисует новую для России культуру отношений. Муж и жена не просто выступают как равные: художник бережно и горделиво представляет зрителю свою супругу. Заинтересованность в делах искусства и трудолюбие выгодно отличали этого художника.

Живопись последних десятилетий XVIII века отличается значительным разнообразием и полнотой. В первую очередь, это обусловлено основанием Академии художеств. Русская школа овладевает теперь теми жанрами живописи, которые прежде были представлены лишь работами старых и современных западноевропейских мастеров. Наиболее крупные достижения русской живописи последних десятилетий XVIII века связаны с искусством портрета.

Творчество Ф. С.  Рокотова (1735-1808) составляет одну из самых обаятельных и труднообъяснимых страниц нашей культуры. Уже в довольно зрелом возрасте он был принят в Академию художеств. Его ранние произведения – портреты Г. Г.  Орлова (1762-1763 гг.), Е. Б.  Юсуповой (1756-1761 гг.) свидетельствуют о его причастности к культуре рококо. Признаки этого стиля есть и в коронационном портрете Екатерины II (1763 г.), ставшей образцом для изображения весьма взыскательной императрицы. Еще много портретов вышло из-под кисти художника – поэт В. И.  Майков (1769-1770 гг.), почти все семейство Воронцова – он сам (конец 1760-х), его жена М. А.  Воронцова и дети (1770-е). В период восьмидесятых годов восемнадцатого века в портретах Ф. С.  Рокотова преобладает оттенок горделивого сознания собственной значимости, к этому периоду относят: портрет молодой генеральши В. Е.  Новосильцевой (1780 г.) , знатной дамы Е. Н.  Орловой.

Современником Рокотова был Д. Г.  Левицкий (1735-1822 гг.). Около 20 лет Левицкий возглавлял портретный класс Академии художеств и не только участвовал в воспитании целой школы русских портретистов, но задавал тон и уровень высокой репутации портретного искусства в России. Сфера его живописи шире, чем рокотовская. Ему одинаково хорошо удавались и камерные портреты, и парадное изображение в рост. Неудивительно, что круг его заказчиков весьма обширен. Это и богач Демидов, чью картину он нарисовал в 1773 г., и светская красавица Урсула Мнишек (1782 г.), и итальянская актриса Анна Давиа-Бернуци (1782 г.). Важное место в творчестве Левицкого занимает работа над портретом Екатерины II, получившим отражение в “Видении Мурзы” Г. Р.  Державина. Возвышенная, мифологизированная интерпретация не могла не нравиться императрице, которая более чем внимательно относилась к своим изображениям.

В. Л.  Боровиковский (1757-1825 гг.) как бы замыкает плеяду крупнейших русских портретистов XVIII века. Боровиковский, как и Левицкий, родом с Украины. Уже в первые петербургские годы он сблизился с кружком, возглавляемый Н. А.  Львовым, и неоднократно портретировал близких к этому обществу лиц. Довольно быстро при поддержке друзей, знакомых и пользовавшегося успехом при дворе австрийского живописца И. Б.  Лампи, Боровиковский становится популярным среди широкого круга петербургского дворянства. Художник портретирует целые семейные “кланы” — Лопухиных, Толстых, Арсеньевых, Гагариных, Безбородко, распространявших его известность по родственным каналам. К этому периоду его жизни относятся портреты Екатерины II, ее многочисленных внуков, министра финансов А. И.  Васильева и его жены. Преобладающее место в творчестве Боровиковского занимают камерные портреты. Полотна художника очень нарядны благодаря грациозной постановке моделей, изящным жестам и умелому обращению к костюму. Герои Боровиковского обычно бездеятельны, большинство моделей пребывает в упоении собственной чувствительностью. Это выражают и портрет М. И.  Лопухиной (1797 г.), и портрет Скобеевой (середина 1790-х г.), и изображение дочери Екатерины II и А. Г.  Потемкина – Е. Г.  Темкиной (1798 г.). Большое внимание художник уделяет малоформатным и прекрасно удавшимся ему миниатюрным портретам. Так же Боровиковский – автор ряда двойных и семейных групповых портретов, которые появляются уже после 1800-х гг.

Заключение

Из всего вышеперечисленного можно сделать вывод, что на протяжении всего XVIII века русское искусство живописи прошло большой путь становления по законам нового времени. Потребности эпохи получили отражение в преимущественном развитии светской живописи – портрета, пейзажа, исторического и бытового жанров.

Библиография

1. Пилявский В. И., Тиц А. А., Ушаков Ю. С. История Русской архитектуры. — М., 1984.
2. Рыбаков Б. А. Очерки русской культуры. — М., 1990.
3. Ткачев В. Н. История архитектуры. — М., 1987.
4. Петров А. Н. Русская архитектура первой половины XVIII века. — М., 1954.
5. История русской архитектуры. — М., 1956.
6. История русского искусства. В 6 т. — М., 1956.
7. Энциклопедический словарь русского художника. — М., 1983.

Культура XVIII века: живопись, архитектура, скульптура

Историки большое внимание уделяют культуре, ведь она очень правдиво передает настроения эпохи. XVIII век можно назвать переломным периодом, когда русские деятели искусств окончательно покорились западным веяниям. На первый план выходят светские взгляды на жизнь, церковное направление постепенно теряет силу. Рассмотрим подробнее самых ярких представителей той эпохи.

Живопись XVIII века

Если раньше художники в основном работали над иконами, рисовали библейские сюжеты, то теперь акценты сместились на изображение портретов политических деятелей и просто богатых людей. Самые востребованные портретисты XVIII века:

• Дмитрий Левицкий. На счету художника много портретов, но наиболее известная работа – «Екатерина II Законодательница». Это парадный портрет монарха, на котором выражена вся мощь Российской империи. Правительница предстает как умная, настойчивая, смелая женщина.
• Владимир Боровиковский. Писал портреты князя Куракина, графини Марии Лопухиной, царской семьи. Художник славился тонкой натурой. Например, при создании портрета Лопухиной ему удалось передать нежность, девичью чистоту Марии с помощью размытых линий, приглушенных тонов.
• Федор Рокотов. Известный Московский портретист писал картины с изображением Струйской, Екатерины II и других известных личностей. Художник старался передать на своих полотнах душевность героинь.
• Антон Лосенко. Художник прославился исторической живописью, будучи, по сути, первооткрывателем этого жанра в России. Самая известная его работа – «Владимир и Рогнеда». Лосенко изобразил исторический сюжет: князь Владимир признается в любви Рогнеде, дочери полоцкого князя. В работе мастер придерживался стандартов классицизма.

Живопись в XVIII веке обрела огромную популярность. В Москве и Санкт-Петербурге открывались школы искусств, в которых обучали профессиональных художников. Живописцы стали востребованы. Каждая знатная особа считала нужным заказать свой портрет.

Архитектура XVIII века

Зодчество параллельно развивалось в двух стилях: классицизма и русского барокко. Каждое направление имело свои особенности. Рассмотрим главные отличия стилей.

Черты русского барокко:

• Использование растительного орнамента.
• Украшение сооружений скульптурами, декорацией.
• Переплетение 2-3 цветов при оформлении фасадов.
• Внедрение сложных рельефов, барельефов.
• Позолота, большие зеркала и люстры в интерьере.

Русскому барокко присущи вычурность, пышность. В этом направлении активно работал Франческо Растрелли. Его главные работы – Петергофский, Екатерининский, Зимний дворцы.

Черты классицизма:

• Использование светлых тонов.
• Обязательная симметричность.
• Украшение с помощью колоннад, древнеримских или древнегреческих элементов.

Главная особенность зданий в стиле классицизма – это простота и гармония. Яркие примеры – Петербургская академия художеств и академия наук, Московский дом Пашкова.

Скульптура XVIII века

Во второй половине столетия скульптура пережила настоящий расцвет. Многие работы принадлежат отечественным мастерам. Но также в России много сохранилось произведений искусства, созданных руками иностранцев.

Известные скульпторы XVIII века:

• Федот Шубин. Главный рабочий материал – мрамор. Мастер создавал бюсты великих людей. Самые известные работы – бюст Ломоносова, князя Голицына.
• Михаил Козловский. Также работал с мрамором, но в отличие от Шубина предпочитал создавать статуи. Скульптору принадлежит композиция «Самсон, раздирающий пасть льву», а также памятник Суворову.
• Этьен Фальконе. Французский мастер работал в России по просьбе Екатерины II. Ему принадлежит «Медный всадник», изображающий Петра I на коне.

Многие работы XVIII века признаны шедеврами. Они пополнили не только отечественную, но и мировую сокровищницу произведений искусства.

Читать далее >>

Русская художественная культура XVIII в. Архитектура. Живопись



Стр. 188, Ключевые вопросы перед параграфом

Как развивались на российской почве стили европейского искусства? Как закладывались основы российской архитектурной школы?

На российской почве стили европейского искусства развивались успешно в благоприятных условиях. Возросла потребность в произведениях искусства у дворян, при императорском дворе, у вельмож, купцов. Большое значение для развития искусства имело открытие Академии художеств в 1757 году. На обучение в Академию принимались способные молодые люди из разных сословий, потом они направлялись за границу, где воочию знакомились с произведениями европейских мастеров разных эпох. Так закладывались основы российской архитектурной школы.

Стр.197 Вопросы внутри параграфа

1.Вспомните и назовите известные постройки в стиле барокко в городах Европы. Что для них характерно?

В итальянской архитектуре самым видным представителем барокко искусства был Карло Мадерна (1556—1629 гг.). Его главное творение — фасад римской церкви Санта-Сусанна (1603 год). Основной фигурой в развитии барочной скульптуры был Лоренцо Бернини, чьи первые исполненные в новом стиле шедевры относятся приблизительно к 1620 году. Бернини также архитектор. Ему принадлежит оформление площади собора Св. Петра в Риме.

К французскому барокко причисляют Версальский дворец вместе с регулярным парком, Люксембургский дворец, здание Французской Академии в Париже и др. произведения. Характерной чертой стиля барокко является регулярный стиль в садово-парковом искусстве, примером которого является Версальский парк.

Для искусства Барокко характерны: обилие внешних эффектов и элементов, грандиозность, пышность и динамика, патетическая приподнятость, интенсивность чувств, пристрастие к эффектным зрелищам, совмещению иллюзорного и реального, сильным контрастам масштабов и ритмов, материалов и фактур, света и тени. Этот стиль раскрывает сущность жизни в движении и борьбе случайных изменчивых стихийных сил. Для него обычны контрасты, противопоставление земного и небесного, реальности и фантазии, и духовного и телесного, аристократического и народного. Из этих противопоставлений рождается бурная динамика, захватывающие страсти, иллюзорность, контрасты света и тени, масштабов, ритмов, материалов и фактур, асимметрия, монументальность, декоративность, парадность, помпезная пышность.

Стр. 200 Вопросы внутри параграфа

2. Вспомните по материалу всеобщей истории, какие значительные постройки в стиле классицизма появились в Европе в XVII – XVIII вв.

Банкетинг-хаус в Лондоне (1619— 1622 годы).Архитектор Иниго Джонс

Площадь Ковент-Гарден (Covent Garden), реконструкция проекта Иниго Джонса

Greenwich Hospital. Архитектор Кристофер Рен

Восточный фасад Лувра.(Louvre) Архитектор Клод Перро

Вандомская площадь (Place Vendome) Архитектор Жюль Ардуэн-Мансар

Площадь Согласия в Париже. Проект Анж-Жака Габриэля

Стр. 210 Вопросы после параграфа

1. Систематизируйте в таблице материалы о художественных стилях, распространенных в российской архитектуре XVIII в.

2. Подготовьте сообщение об архитекторе Ф. Б. Растрелли. Объясните, в чем состоит его вклад в развитие российской архитектуры.

Франческо Растрелли

Дата рождения: 1700 г.

Дата смерти: 29 апреля 1771 г.

Место рождения: Париж, Франция

Растрелли Бартоломео Франческо – именитый русский архитектор с итальянскими корнями. Также Франческо Растрелли известен как приверженец стиля барокко.

Франческо появился на свет в Париже в 1700 г, но точная дата неизвестна. Он продолжил род деятельности своего отца, бывшего довольно известным скульптором. Отец, Бартоломео, трудился при дворе Людовика Четырнадцатого, а когда тот скончался, получил приглашение в Россию. Франческо получил первые уроки своей будущей профессии на постройке дворцов для А. Меншикова. Для более корректного и качественного обучения он несколько раз стажировался в Европе.

После возвращения последовали самостоятельные работы – одной из них считается не особенно примечательный дворец для молдавского князя Д.Кантемира. Тем не менее, и это было успехом, хотя за двадцать лет жизни в России это была всего лишь первая работа.

Следующие строения – в Курляндии – были более интересными и показали, что Франческо развивается и прогрессирует. Это также были дворцы, которые открыли архитектору путь к сердцу русских императриц. Сначала это была Анна, а вскоре и Елизавета. Хотя до этого он уже возвел несколько строений для царственных особ, все же именно за курляндские дворцы получил звание обер-архитектора.

Для знакомства с классическим русским стилем Франческо несколько раз бывал в Москве. После возвращения он получил заказ на создание Петергофских дворцов. Выполнял он его около пяти лет, и еще не закончив, получил следующий – уже в Царском Селе.

Параллельно разрабатывал проект в Киеве. Нужно сказать, что для построек в отдалении от столицы привлекали других специалистов, хотя Франческо осуществлял общее руководство.

Узнав о знаменитом императорском сотруднике, все знатные персоны Петербурга уговаривали его построить и обставить жилище для них. Ингода архитектор удовлетворял эти просьбы – так появились дворцы Строгановых а также Воронцовский. Но вершиной карьеры стали, конечно, Смольный монастырь и ансамбль Зимнего. Проект Смольного значительно отличался от того, что получилось в реальности. На бумаге отсутствовала ставшая знаменитой высокая колокольня. В это время Франческо жил на Невском, и неподалеку начал возведение Гостиного двора. Оно скоро было остановлено, так как возникли проблемы со стоимостью проекта и излишествами в проектировке.

После смерти Елизаветы барокко сдал свои позиции, потерял их и архитектор. Сначала он уехал в Италию, а по возвращению поселился в Курляндии, где также занимался поручениями Бирона. О последних годах жизни зодчего неизвестно, есть данные только о том, что он провел их в Литве.

Достижения Франческо Растрелли:

• Выстроил восемь дворцов, ставших культурным достоянием

• Автор Смольного собора и Андреевской церкви в Киеве

• Соединил воедино барокко и нарышкинский стиль

Даты из биографии Франческо Растрелли:

• 1716 г. переезд в Россию с родителями

• 1725 г. стажировка в странах Европы

• 1730 г. возведение дворцов для герцога Бирона

• 1738 г. стал обер-архитектором

• 1740 г. поездки в Москву для знакомства с русским стилем

• 1747 г. начало постройки Петергофского дворца

• 1748 г. начало работы над Смольным монастырем

• 1750 г. ремонт в Стрельне

• 1754 г. Зимний дворец

• 1758 г. закладка Гостиного двора

• 1771 г. скончался

Интересные факты о Франческо Растрелли:

• При составлении списка строений, созданных им, Франческо приписал себе все творения отца. Правда, во время их постройки он все-таки был участником работ.

• Был приятным и доброжелательным в общении, но деспотичным в работе.

• Более ста лет не разрешалось строить здания выше, чем Зимний дворец.

• Местонахождение могилы зодчего неизвестно.

• При постройке использовал в качестве фундамента мощные платформы, что делало строения устойчивыми даже при перепланировке в последующем.

3. Используя иллюстрации учебника, дайте описание одного из известных сооружений XVIII в. в стиле классицизма. Чем оно привлекало людей своего времени, чем интересно для современного зрителя?

Сооружение XVIII в. в стиле классицизма – Екатерининский дворец в Царском селе Дж. Кваренги – привлекало людей своего времени правильностью и простотой форм, монументальностью и стройностью, этим же интересно и современному зрителю.

Растрелли перестроил Большой (Екатерининский) дворец (1752—1756) в Царском Селе следующим образом. Продольная ось здания стала главной пространственной координатой в его плане; огромная протяжённость двух параллельных анфилад парадных помещений, масштаб которых нарастает к центру — Большому залу и Картинной галерее, подчёркнута выносом парадной лестницы в юго-западный конец здания. Ритмическое разнообразие ордерной системы фасада, большие выступы колоннад, глубокие впадины окон, создающие богатую игру светотени, обилие лепнины и декоративной скульптуры, многоцветие фасадов (голубой и золотистый цвета) придают зданию эмоциональный, насыщенный, праздничный и очень торжественный облик.

4. Охарактеризуйте достижения скульптурного искусства в России во второй половине XVIII в. (обратите внимание на скульптурные портреты, образцы скульптурной и парковой скульптуры, памятники). Какие произведения вы назовете наиболее значительными по художественным достоинствам, производимому ими впечатлению? Аргументируйте свою точку зрения.

После реформ Петра I русская скульптура начинает догонять европейскую, заимствуя из неё жанры и иконографии. В Золотой век Екатерины II, с началом классицизма, скульптура достигает чрезвычайно высокого уровня, который продолжается в образцах стиля ампир, знаменующих победу над Наполеоном. В середине XVIII века декоративная скульптура переживала подъем. Она нашла широкое применение в архитектуре барокко. Скульптура в изобилии применялась на фасадах (круглая скульптура, горельефы, рельефные ленты). Это самый активный период использования пластики в русской архитектуре. Показательны многочисленные сооружения работы следующего из династии — архитектора Варфоломея Растрелли: в Екатерининском дворце в Царском Селе скульптура подчас заменяет архитектурную деталь, создавая акценты в самых значительных частях здания — но при этом, не уничтожая архитектонику здания, не снимая ритмичности элементов и конструктивности. Также обильно пластика применялась и в интерьерах — рельефы служили рамами для панно и вставками. Скульптура остается средством раскрытия образной выразительности здания, не теряя самостоятельности.

Рельеф стал так популярен из-за своей востребованности в убранстве архитектурных сооружений, монументальной и надгробной пластике. «Дошедшие до нас надгробия свидетельствуют о высокой профессиональной культуре их исполнителей. Превосходное владение анатомией человека, умение группировать фигуры в композициях, придавать им необходимую степень психологической выразительности отличают их. Высокая культура рельефа объясняется еще и тем, что этот жанр имел богатую традицию, восходящую к древнерусскому искусству».

Скульптурный портрет 2-й пол. XVIII века стал величайшим завоеванием русского искусства этого периода. «Стремление познать человеческий характер, богатство его психологии, столь свойственное искусству столетия в целом, в полной мере сказалось и в области скульптурного портрета, где были созданы и подлинные ценности, сохранившие своё художественное и историческое значение до наших дней». В этом жанре работали почти все крупные мастера эпохи: Фёдор Гордеев, Михаил Козловский, Иван Прокофьев, Иван Мартос, Феодосий Щедрин. Однако наибольший взлет жанра отразился в произведениях Федота Шубина.

Шубин отличался глубиной характеристики, подчеркнутым психологическим строем образа, композиционным своеобразием, высоким техническим совершенством.

Создание Этьеном Фальконе памятника Петру I (1782) — «Медного всадника» явилось крупнейшим событием истории скульптуры XVIII века. Монумент пронизан сильной динамикой, ритм его стремительных линий слит в едином порыве. «Простота и лаконизм общего композиционного строя сочетаются с простотой и значительностью деталей. Обобщенный монументальный образ объединяется здесь с ярко выраженной портретностью».

У Фальконе не было учеников в России, однако его произведение стало «школой мастерства» для русских скульпторов и воздействовала на них весьма благотворно. «Опыт Фальконе, отдавшего много лет жизни созданию этого произведения, весь сложный комплекс скульптурных и архитектурных задач, вставших перед художником, масса технических проблем наглядно убеждали в сложности и значительности монументальной пластики. В ближайшие десятилетия русские художники докажут превосходное понимание специфики этого жанра и создадут работы, которые по праву займут видное место в истории мировой скульптуры» — например, произведения Козловского и Мартоса.

Античная скульптура была известна по оригиналам и гравюрам, и поэтому стала отличным образцом для новых мастеров. Многие русские художники сделали своей главной задачей постижение античного идеала, меры классического совершенства. Но при этом сохранялось и стремление выразить актуальные вопросы современности. Произведения русской скульптуры эпохи классицизма — крайне высокого художественного уровня и большой образной выразительности. Мастера этого стиля, прежде всего — Фёдор Гордеев, Иван Мартос, Феодосий Щедрин, Михаил Козловский, Иван Прокофьев. Эти скульпторы в некоторых произведениях еще не совсем свободны от влияния барокко, однако в зрелых работах они выражали эстетический идеал классицизма вполне совершенно.

Памятник Суворову на Суворовской площади — вершина творчества Козловского-монументалиста. Полководец показан с мечом и щитом в руках, в порывистом движении, как античный герой. Здесь синтезируется идея гражданственности и триумфа. Памятник стал одним из самых популярных, и его можно воспринимать как итог развития русской пластики за прошедшее столетие.

Фонтан «Самсон» — пластический и смысловой центр Большого Каскада Петергофского парка. Этот парк и его скульптуры — одни из самых значительных по своей художественной ценности. Над его Большим каскадом работал ряд иностранных и русских зодчих — Михаил Земцов, Жан-Батист Леблон, Бартоломео Франческо Растрелли, Джакомо Кваренги, Андрей Воронихин, Иван Старов, на всем протяжении XVIII века. Здесь была разрешена проблема синтеза искусств. Переустройство фонтанов Большого каскада, пришедших к началу XIX века в запустение, и замена статуй на новые, явилось крупнейшим событием русской пластики этого периода. Все, что было создано ранее, требовало восстановительных работ, и для этого привлечены лучшие художественные силы. Кроме отливок с античных статуй, были созданы новые серии: «Персей», «Сирены» и «Нева» Щедрина, «Волхов» Прокофьева, «Пандора» Шубина, «Актеон» Мартоса.

Наиболее значительными по художественным достоинствам, производимому ими впечатлению можно назвать и памятники Петру I, А. Суворову, и парковый скульптурный ансамбль в Петергофском дворце. Находясь рядом с перечисленными скульптурами испытываешь чувство восхищения перед красотой, гармонией, гением человеческого труда и вдохновения, талантом авторов.

5. Подготовьте сообщения (презентации) о российской живописи второй половины XVIII в. по жанрам: а) портрет, б) историческая живопись, в) бытовой жанр. Какие достоинства вы отметите в работах разных жанров.

Портрет

А. Антропов. Портрет княгини Татьяны Алексеевны Трубецкой. 1761

«С середины XVII по середину XVIII века портрет был достоянием в основном придворных кругов — будь то царская мемориальная „парсуна“, парадный императорский портрет или изображения людей, так или иначе близких к верховной власти. Лишь с середины XVIII столетия портрет „опускается“ в массы рядового поместного дворянства, под влиянием просветительства возникают пока еще редчайшие образы крестьян и купцов, создаются портреты деятелей культуры.

В 1730—1740-е годы происходит укрепление дворянства, чему в дальнейшем способствовала Реформа о Вольности дворянской. Портрет стал незаменимым средством и самоутверждения, и эстетизации жизни. К 1760-м годам портретное искусство было уже широко освоено не только при императорском дворе, но и в отдалённых помещичьих усадьбах. В 1760—1780-х годах многие черты русского портрета XVIII века определяются окончательно. Период становления, перехода от старых форм культуры, ученичества у Запада был завершён. К этому периоду относится появление таких мастеров русского портрета, как Алексей Антропов, Мина Колокольников, Иван Петрович Аргунов.

Для позднего елизаветинского царствования (конец 1750-х — начало 1760-х) был характерен идеал красоты, связанный с личностью императрицы Елизаветы Петровны. Это широкое жизнерадостное приятие реальности, ощущение праздничности, триумф природного начала. Часто этот идеал проступает в округлой дородности сильно нарумяненных лиц. Тем не менее, у многих мастеров (Антропов, Мина Колокольников) эта радость бытия и физическое довольство дополняются сдержанным отношением к изображению человека, которое восходит к формам и традициям иконы и парсуны. Витальная энергия, которая видна в мощных формах и ярких красках, сдерживается «застывшей отчеканенностью отрешенных лиц и четкими очертаниями форм. От парсуны идет в таких ранних портретах определённая застылость позы, а цвет предмета порой так насыщен, что за ним проглядывает характерный для средневековой художественной системы цвет символический. «Доличности» (то, что ниже лица) трактуются плоскостно, полотно создается ремесленно добросовестно, как своего рода вещь, при трактовке образа человека остаются следы символического мышления — все это является пережитком перехода от Средних веков к Новому времени.

Сравнение портретов русских мастеров и приезжих мастеров середины XVIII века позволяет увидеть разницу в восприятии жанра представителями разных школ. Отечественные художники и иностранцы по-разному решают проблему «духовное/декоративное», которая воплощается в принципах взаимоотношения «личное/доличное». «Доличности — шелк, бархат, пенящиеся или плоские, как бы стекловидные кружева, золотое шитье и ювелирные украшения — поражают щедрой, порой кажущейся избыточной цветовой насыщенностью и орнаментальностью. Это придает им самостоятельное звучание и превращает, в своего рода, драгоценную оправу для лиц. Цвет в произведениях русских живописцев обычно обнаруживает большую яркость и звучность, нежели в полотнах иностранных мастеров, и содержит меньше детально разработанных градаций. Гамму благодаря её насыщенности чаще можно определить как барочную, нежели рокальную». Русские мастера этого периода дают вариант более полнокровного, целостного, мажорного переживания мира, по сравнению с иностранцами.

К 1750-м годам в русском портрете заметно усиливается камерность в трактовке образа. Например, Антон Лосенко культивирует станковый жанр, и поэтому в его портретах снижается декоративность, возрастает роль жеста, возникает сюжетная ассоциативность, происходят поиски камерного пространства.

Классицизм

Академическая иерархия жанров отводила портретному серединное положение — он не был приоритетным, в отличие от исторической картины, то есть не мог умножать «героический огнь и любовь к отечеству», воспитывая и просвещая его — однако он имел свои преимущества. «Например, приобщенность к идеалам носила заразительно персональный характер, а „пример предков“ приобретал конкретность участия рода в созидании „славы Российской“. Однако ко времени победы классицизма портрет был уже «обременен» барочно-рокайльными тонами, которые в различных вариантах сохранились до конца столетия, преобразившись в «неоклассические» оттенки сентиментального и предромантического характера, «к тому же портрет был способен синтезировать различные стилевые тенденции до эффекта внестилевого состояния».

Иерархия портретов во многом зависела от места, которое модель занимала в «Табели о рангах» и частично отвечала жанровым приоритетам Академии Художеств. Поэтому самым «классицистическим» был такой портрет, который был связан с исторической живописью, а самым «историзированным» — парадный, прежде всего императорский.

Владимир Боровиковский. «Портрет М. И. Лопухиной», 1797

К концу XVIII века русский портрет по своему высокому уровню качества сравнялся с современными ему мировыми образцами. Его представителями являются Фёдор Рокотов, Дмитрий Левицкий, Владимир Боровиковский, в скульптуре — Федот Шубин. Генеральная линия развития официального портрета большого стиля была представлена в конце столетия произведениями Степана Щукина (1762—1828). Левицкий и Рокотов проделывают путь от парадного и полупарадного портрета к камерному. К концу века русской портретной школе свойственна деликатность, подчеркнутая вдумчивость, сдержанная внимательность, некая добропорядочность и благовоспитанность без потери элегантности.

Историческая живопись

Еще в начале XVIII столетия в русском искусстве возникает историческая живопись как самостоятельный жанр. Однако своего наивысшего развития она достигает во второй половине века в творчестве А.Лосенко, И. Акимова, П. Соколова и Г. Угрюмова. Эта группа художников была тесно связана с молодой Академией, которая всячески опекала историческую живопись, считая ее самым значительным и самым «благородным» из всех художественных жанров.

Выдающуюся роль в искусстве середины столетия сыграл великий Ломоносов, возродивший старинную технику мозаики и создавший огромную мозаичную историческую картину «Полтавская баталия». Историческая картина, воспевая прошлое русского народа, призвана была воспитывать у современников любовь и уважение к России, возбуждать в них стремление следовать героическому примеру предков.

Первым подлинно крупным мастером исторической живописи был в XVIII веке А. Лосенко, воспитанник Академии художеств, проживший недолгую жизнь, но успевший сделать многое для развития русского искусства. Большой принципиальный интерес представляет его картина «Владимир и Рогнеда» (1770). Эпизод далекого прошлого художник старался передать не в традиционной форме отвлеченных образов, а, напротив, искал жизненной правды. В этом смысле особенно показательны фигуры воинов на упомянутом полотне. Лосенко оставил ряд очень выразительных и правдивых подготовительных рисунков, изображающих русских мужиков, на основе этих рисунков и были написаны прекрасные по своей естественности образы воинов в картине «Владимир и Рогнеда». Идеей гражданственности проникнута другая крупная работа Лосенко — «Прощание Гектора с Андромахой». Патетика античного героя, уходящего на защиту своего родного города, перекликалась с патриотическими идеями, волновавшими современников художника. Следует отметить блестящее дарование Лосенко как рисовальщика. Его рисунки, очень живые, виртуозно исполненные, не имеют себе равных в русском искусстве того времени. В последние годы своей жизни Лысенко был тесно связан с Академией художеств, где вел большую педагогическую работу, являясь руководителем класса исторической живописи. Многие крупные русские художники обязаны ему своим воспитанием и последующими крупными успехами.

Сюжетам из русской истории посвятил свое творчество крупнейший исторический живописец конца XVIII и начала XIX века Г. Угрюмов. В его произведениях запечатлены образы Александра Невского, Ивана Грозного, Кузьмы Минина и Дмитрия Пожарского. Несмотря на несколько условный характер созданных им образов, искусство Угрюмова отразило живой интерес к героям родной истории, столь характерный для передовых слоев современного ему русского общества. Одним из наиболее значительных произведений, прославившим имя Угрюмова, была картина «Испытание князем Владимиром силы русского богатыря Яна Усмаря перед поединком его с печенежским богатырем». В этой картине Угрюмов воспел силу русского юноши Яна Усмаря, который, победив в единоборстве печенежского богатыря, обратил в бегство полчища врага и спас родную страну от поработителей. Велико значение Угрюмова и как профессора Академии. У него учились крупнейшие художники начала XIX века — Андрей Иванов, Егоров, Шебуев, Кипренский.

Бытовой жанр

Во второй половине XVIII в. в русской живописи начал развиваться бытовой жанр. Однако жанровая живопись рассматривалась руководством Академии художеств и привилегированными слоями общества, как нечто низменное, недостойное кисти художника. Несмотря на это, после крестьянской войны под предводительством Е. Пугачева, как в литературе, театре и музыке, так и в живописи 1770-1780 –х г.г. начал проявляться интерес к крестьянству, его быту, образу жизни. Часто это были сентиментальные изображения идиллических пастухов и пастушек, не имеющих ничего общего с реальной крестьянской жизнью.

Однако были и исключения. Одним из первых в русской живописи крестьянскую тему развивал крепостной князя Г. А. Потемкина Михаил Шибанов. Им были написаны картины «Крестьянский обед», «Празднество свадебного сговора» и др. В картинах Шибанова нет обличения крепостнических порядков, однако в названных полотнах нет и идеализации крестьянской жизни. Художника отличает знание и понимание быта и характера русского крестьянина. Тема нашла отражение в творчестве художника И. М. Танкова (1739 – 1799), автора картины «Праздник в деревне» и И. А. Ерменева (1746 — после 1792), написавшего акварели «Крестьянский обед», «Нищие певцы» и др. Впервые в истории отечественного искусства художник передал мрачные стороны народной жизни, убожество нищеты.

Достоинства каждого жанра свое. Портретный жанр показал мастерство, особенности русской живописи, историческая живопись показывала события в истории России, благодаря мастерству художников формировались представления о важных исторических событиях, о людях, их участников, воспитывали чувство гордости за свою страну. Бытовой жанр хорош уже тем, что появился, привлекая внимание к жизни крестьян, к проблемам их жизни.

6*. Историческое путешествие. Совершите «путешествие» в Санкт-Петербург времен Екатерины II (предварительно определите, кто ваш герой, какова цель его поездки). Опишите свои впечатления от увиденного в российской столице.

Я, Джон Смит, подданный английской короны, прибыл морем в Санкт-Петербург, 1 числа июня месяца по делам коммерческим. Прогуливаясь по городу после завершения дел, я весьма был удивлен и восхищен. Улицы в Санкт- Петербурге широкие, чистые, вложенные булыжником. Повсюду великолепные дворцы, соборы, памятники. Мне очень повезло – я попал на открытие памятника Петру I. Памятник был заказан скульптору Фальконе самой императрицей Екатериной II. Он поражает своей монументальностью и, в тоже время, легкостью, памятник как будто парит над набережной Невы. Памятник — сам символ побед России над врагами, но к тому же имеет много деталей, наполненных разными смыслами. Ослепил своим великолепием и красотой и Зимний дворец. Яркий, светлый, устремленный в небо своими колоннами он поражает. На моей родине в Лондоне таких ярких дворцов нет.

Еще в Санкт-Петербурге очень много заведений для образования. Петербургская академия наук, Академия художеств, много музеев. Издается много журналов, которые читают жители города. Особенно модно это у дворянского сословия. Гулять по парку, отдыхать в беседке и читать журнал.

Познакомившись с городом поближе, уверен, что Санкт-Петербург – великолепная столица европейского уровня.

7*. Прокомментируйте историко-культурный факт. В современном музее-заповеднике «Царицыно» в Москве находится скульптурная композиция, представляющая стоящих рядом В.И. Баженова и М.Ф. Казакова. Что было общим в судьбе и творчестве великих зодчих?

В судьбе и творчестве великих зодчих общим было то, что оба они выходцы из неблагородных сословий, но своим упорством, талантом выдвинулись в ряд великих скульпторов России. Они вместе создали множество архитектурных шедевров в Москве, и каждый из них оставил и собственные творения.

8*. Проведите обсуждение на тему «Европейские влияния и национальные традиции в российском художественном искусстве второй половины XVIII в.»

Европейские влияния и национальные традиции в российском художественном искусстве второй половины XVIII в.

В российском художественном искусстве второй половины XVIII в. очень сильно влияние европейского стиля во всех жанрах искусства. Можно сказать, что искусство России было рождено европейскими мастерами и выросло из европейской культуры благодаря многим иностранным талантливым деятелям искусства. С другой стороны, именно во второй половине XVIII в. проявляется самобытность русской школы в искусстве в живописи, скульптуре, архитектуре, музыке, драматургии. Эта самобытность проявляется в яркости красок, в собственной манере выстраивать композиции.

Русская художественная культура 18 века. Архитектура. Скульптура. живопись. Культура и быт российских сословий 8 класс ИСТОРИЯ | Презентация к уроку по истории (8 класс):

Слайд 1

Раздел IV русская культура, наука, общественная мысль после петра великого. Русская художественная культура 18 века. Архитектура. Скульптура. живопись. Культура и быт российских сословий 8 класс Составитель: Сафаралеева Юлия Уразмухаметовна

Слайд 2

План урока: Повторение ранее изученного материала А) Как написать учебный проект по истории? Б) М.В. Ломоносов В) Общественная мысль второй половины 18 века Г) Русская литература, театральное и музыкальное искусство. 2. Изучение нового материала А) Развитие русского художественного творчества Б) Русская архитектура В) Русская скульптура Г) Русская живопись Д) Изменение в культуре и быту Е) Крестьяне и горожане Ё) Повседневная культура дворянства Ж) Дворянская усадьба 3. Задания для закрепления и рекомендации

Слайд 3

Дорогие ребята, мы с вами начали изучать раздел IV « русская культура, наука, общественная мысль после петра великого ». В начале работы со слайдовой презентацией напишите в тетрадях тему и цель урока: изучение культуры 18 века. Оформление в тетрадях продолжаем: свой план по презентации и запись выводов, терминологии. Выполнение д/з и работа на сайте решу впр . Повторение ранее изученного материала А) Что такое учебный проект по истории ? Дорогие ребята, мы ещё раз вспомним основные термины проектной деятельности : Проектная деятельность – форма учебной деятельности, структура которой совпадает со структурой учебного проекта. Структура проекта – последовательность этапов учебного проекта. Обязательно включает в себя постановку социально значимой проблемы, планирование деятельности по её достижению, поиск необходимой информации, изготовление с опорой на неё продукта, презентацию продукта, оценку и анализ проведённого проекта. Может включать и другие этапы.

Слайд 4

Повторение ранее изученного материала А) Что такое учебный проект по истории? (Продолжение) Ребята, часто задаваемый вопрос: Как оформить литературу? Это оформление списка использованной литературы. 1 . Китайгородская, Г.И. Теоретические основы подготовки учителя физики к системному проектированию образовательного процесса в условиях профильного обучения [Текст]: Монография / Г.И. Китайгородская. – Сыктывкар: Коми пединститут, 2011. – 156 с. 2. Любимова, О.В. Основы образовательной стандартологии и нормологии : монография / О.В.Любимова , О.Ф.Шихова . – Ижевск: Изд-во ИжГТУ , 2009. – 184 с. III.Статьи в материалах научных конференций 1. Любимова, О.В. Диагностика порогового уровня обученности в системе «школа-вуз» // Материалы XXIV научно-метод. конф . ИжГТУ . – Ижевск: Изд-во ИжГТУ , 2003. – С.50-52. 3. Китайгородская, Г.И. Системное проектирование образовательного процесса по физике в условиях профильного обучения [Текст] /Г.И. Китайгородская // Физика в системе современного образования (ФССО – 11): материалы Х1 Международной конференции. Волгоград, 19–23 сентября 2011 г. 2 т. – Волгоград: Изд –во ВГСПУ «Перемена», 2011 – С. 80 – 831. 4. Орехов С.И. Гипертекстовый способ организации виртуальной реальности // Вестник Омского государственного педагогического университета: электронный научный журнал. – 2006 [Электронный ресурс]. Систем. требования: Adobe Acrobat Reader . – URL: http://www.omsk.edu/article/vestnik-omgpu-21.pdf (дата обращения: 10.01.2007). 5. Парпалк Р. Общение в Интернете // Персональный сайт Романа Парпалака . – 2006. – 10 декабря [Электронный ресурс]. URL: http://written.ru (дата обращения: 26.07.2006). Ресурсы удаленного доступа (INTERNET) 6. Библиотека электронных ресурсов Исторического факультета МГУ им. М.В. Ломоносова [Электронный ресурс] / Ред. В. Румянцев. – М., 2001. – Режим доступа : http://hronos.km.ru/proekty/mgu 7. Непомнящий, А.Л. Рождение психоанализа : Теория соблазнения [Электрон. ресурс] / А.Л. Непомнящий. – 2000. – Режим доступа : http://www.psvchoanatvsis.pl.ru

Слайд 5

Повторение ранее изученного материала А) Что такое учебный проект по истории? (Продолжение) Ребята, повторим основные компоненты введения: Актуальность – Определяется несколькими факторами: необходимостью дополнения теоретических построений, относящихся к изучаемому явлению; потребностью в новых данных; потребностью практики. Обосновать актуальность – значит объяснить, почему данную проблему нужно в настоящее время изучать. Проблема – социально-значимое противоречие, разрешение которой является прагматической целью проекта. Проблемой может быть, например, противоречие между потребностью и возможностью её удовлетворения, недостаток информации о чём-либо или противоречивый характер этой информации, отсутствие единого мнения о событии, явлении и др. Гипотеза – обязательный элемент в структуре исследовательского проекта; предположение, при котором на основе ряда факторов делается вывод о существовании объекта, связи или причины явления, причём этот вывод нельзя считать вполне доказанным. Чаще всего гипотезы формулируются в виде определённых отношений между двумя или более событиями, явлениями. Цель проекта – модель желаемого конечного результата (продукта). Задачи проекта – это выбор путей и средств достижения цели. Постановка задач основывается на дроблении цели на подцели .

Слайд 6

Повторение ранее изученного материала Ребята, это информация необходимо, например для теоретической части проекта! Особенности культурного развития России В середине и второй половине XVIII в. Российская культура развивалась под влиянием глубоких перемен, которые произошли во время правления Петра I . На приобретала в значительной степени светской характер, то есть освободилась от доминирующего влияния религии и Церкви. Было положено начало науке и светской системе образования.

Слайд 7

Повторение ранее изученного материала сословные учебные заведения Школа и образование были подчинены теперь интересам общества и государства: стояла задача подготовить всесторонне грамотных людей, имевших специальную подготовку в какой-либо области знания или профессии. Россия в XVIII в . Была сословной страной, отсюда проистекало стремление строить систему образования по сословному принципу. Так, в 1732 г. Был основан Сухопутный шляхетский корпус, впоследствии – Сухопутный кадетский корпус. При Елизавете Петровне был открыт Пажеский корпус. В Петербурге при Смольном монастыре был открыт Институт благородных девиц.

Слайд 8

Повторение ранее изученного материала высшее образование. основание московского университета. Сословные учебные заведения давали среднее образование. При Петербургской академии наук, созданной в 1725 г., действовал университет. В разработке его устава принимал участие М.В. Ломоносов. Однако в 1760-е гг. прекратил существование. По инициативе М.В. Ломоносова был создан Московский университет. По замыслу Ломоносова Московский университет стал внесословным учебным заведением. Он основан в 1755 году. Учреждение университета в Москве стало возможным благодаря деятельности выдающегося ученого-энциклопедиста, первого русского академика Михаила Васильевича Ломоносова (1711–1765).

Слайд 9

Повторение ранее изученного материала Ребята, это информация необходимо, например для практической части проекта! № Учёные России в 18 веке Научные открытия 1 Михаил Васильевич Ломоносов Сделал немало открытий в разных областях науки, в частности, впервые сформулировал всеобщий закон сохранения материи и движения (1760 год), создал молекулярно-кинетическую теорию тепла, основал науку о стекле. Разработал проект первого в России классического университета – Московского университета (1755 год). 2 Василий Никитич Татищев Первый учёный-историк, заслуживший славу «отца русской истории». Он создал обобщающий труд «История Российская». 3 Иван Петрович Кулибин Он прославился такими уникальными изобретениями, как мощный фонарь-прожектор с зеркальным отражателем, судно-водоход, которое приводилось в действие потоком воды, арочный однопролётный мост и др. 4 Иван Иванович Ползунов Он служил в должности «механикуса» на горных заводах в Барнауле. Ему удалось в 1766 г. построить паровой двигатель

Слайд 10

Повторение ранее изученного материала домашнее воспитание. Начальное образование. Методы воспитания в дворянских семьях были ориентированы на определенный идеал, сущностью «нормативного воспитания», применяемого к детям дворянского происхождения, было формирование личностных качеств соответственно конкретному образу. В основу этого образа входили такие качества как: честность, благородство, утонченность и прочие. Помимо обучения манерам дворянские дети осваивали иностранные языки. Так, в первой половине XVIII в. века обязательным для изучения был немецкий, позже – французский язык, а во второй половине XVIII в. повсеместно внедрялось изучение немецкого и английского, реже – польского и итальянского.

Слайд 11

Повторение ранее изученного материала Организация и основные задачи науки История российской науки берет свое начало в правлении Петра I . эта деятельность носила светский характер, то есть была свободна от церкви. Ученые пытались найти истину, опираясь на разум, научные методы познания мира. Первое научное учреждение в России — Петербургская академия наук. В течении всего столетия академия оставалась основным центром научных исследований в России. Пребывание иностранных ученых в Академии способствовало развитию её международных связей, сотрудничеству с зарубежными научными центрами. Деятельностью российских ученых была нацелена на потребности страны, изучение территории России, забота о ее благосостоянии. Первые шаги сделаны в изучении истории России, географии, медицины.

Слайд 12

Повторение ранее изученного материала Географические открытия В изучении страны большое внимание уделялось её бескрайним просторам на востоке: Сибири, побережью Тихого океана и северных морей. Была подготовлена программа Камчатской экспедиции, которую возглавил датский моряк Витус Беренг . Задачей стало исследование северо-восточных берегов Азии. Двухлетнее плавание экспедиции на корабле «Святой Гавриил» с Камчатки к берегам Чукотки, так и не дало ответ на вопрос, соединяется ли Азия с Америкой. В период 1732-1743г. осуществлена вторая Камчатская экспедиция, основной целью оставалось изучение акватории Тихого океана, её программа включала также исследование многих районов Русского Севера и Сибири. Экспедиция Беринга положила начало освоению Русской Америки. Традиция исследования территории России путем организации специальных экспедиций продолжилась и во второй половине Х VIII в.

Слайд 13

Повторение ранее изученного материала Медицина и здравоохранение В Х VIII в. большое внимание уделялось развитию медицинской науке. Это было связано с частыми войнами и необходимостью помощи раненным, постоянной угрозой были эпидемии. Существовало несколько центров медицинской науки. Это военный госпиталь в Москве, созданный еще при Петре I , Академия наук, Московский университет, специальное государственное учреждение — Медицинская канцелярия. Одной из самых опасных болезней в то время, являлась чума. Эффективных лекарств против нее не было, поэтому задача состояла в том, чтобы не пропустить заразу внутрь страны. От такой заразной болезни как оспа, было найдено эффективное средство — прививки. Медицина в России долгое время была уделом иностранных специалистов, но во второй половине Х VIII в. появляются русские ученые-медики.

Слайд 14

Повторение ранее изученного материала Гуманитарные науки В области гуманитарного знания наибольшие успехи были достигнуты в российской словесности в истории. В течении всего столетия происходили изменения в русском языке, начало которым было положено при Петре I . В дальнейшем усилиями В.К Тредиаковского и М.В Ломоносова проводилась реформа литературного языка и стихосложения. В 1783г. по инициативе Екатерины II была создана Российская академия. Её задачей стало изучение российской словесности. В Х VIII в. было положено начало и научному исследованию истории России, то есть осмысление русской истории на основе исторических источников, выявлению причин и следствий событий.

Слайд 15

Повторение ранее изученного материала Детство и Юность Биография М.В. Ломоносова, сына поморского крестьянина, уникальна и в то же время типична для России 18 в. Несмотря на сословные ограничения, в стране действовал принцип, заложенный ещё Петром I : карьера человека зависит в первую очередь от него самого, а не от того, кто его родители или предки. Жизнь и достижения Ломоносова подтверждают общее во все времена правило: дерзновение, упорный труд и талант всегда пробивают путь к успеху. Участие в трудах и промыслах крестьян-поморов было первой жизненной школой юного Ломоносова. Он рано выучился грамоте, активно занимался самообразованием, самостоятельно изучил основные в то время учебники: «Грамматику» М. Смотрицкого и «Арифметику» Л.Ф. Магницкого. В возрасте 19 лет Ломоносов решил отправиться в Москву. Поступил Славяно-греко-латинскую академию и по завершению учебы был направлен на учёбу в Германию.

Слайд 16

Повторение ранее изученного материала

Слайд 17

Повторение ранее изученного материала «Он всё испытал и всё проник» По возвращении в Россию Ломоносов был принят в штат Петербургский академии наук. Он и В.К. Тредиаковский стали первыми из русских, кто удостоился в академии звания профессора. Ломоносов занимал должность профессора химии, активно проводил научные исследования. Его работы имели большое практическое значение. В руководстве «Первые основания металлургии и рудных дел» говорится об использовании воздуха в плавильных печах. Ломоносовым была разработана технология получения цветного стекла. В области естественных наук Ломоносов объяснил явление теплоты и огня движения мельчайших частиц («корпускул»), из которых состоит любое вещество. Тем самым он внёс большой вклад в развитие молекулярной теории строения веществ.

Слайд 18

Повторение ранее изученного материала Заполните пропуск . Период отечественной истории, к которому относилась деятельность человека, изображенного на марке, известен под названием эпоха ____________.

Слайд 19

Повторение ранее изученного материала Вклад Ломоносова в гуманитарные науки Он достиг выдающихся успехов и в гуманитарных областях знания. Став академиком, он создал один из первых трудов по истории Древней Руси. К этому его подвигла полемика с Г.Ф. Миллером о роли варягов в создании Древнерусского государства. Ломоносов вошёл в историю русской литературы как один из крупных поэтов 18 в. В историю русского искусства Ломоносов вошёл как создатель живописных мозаичных панно, прославлявших русскую историю. В качестве руководителя географического департамента Академии наук он составил план «Атласа Российского».

Слайд 20

Повторение ранее изученного материала М. В. Ломоносов Укажите одно любое историческое событие (процесс), в котором участвовал данный исторический деятель. Приведите два исторических факта, связанных с участием исторического деятеля в исторических событиях ( процессах).

Слайд 21

Русская литература, театральное и музыкальное искусство 18 века Повторение ранее изученного материала Русская литература первой половины 18 века Распространение светской культуры и идей Просвещения отразилось на русской ху­дожественной литературе. Она достигла зна­чительных высот в своём развитии . Какие же идеи в наибольшей степени были характерны для русской литературы XVIII в .? Одной из важ­нейших стала мысль о России, о её могуществе и процветании. Под влиянием идей Просве­щения многие авторы стремились рациональ­но и даже критически осмыслить жизнь стра­ны, старались через свои произведения воспитывать добрые нравы и бичевать пороки . Это способствовало развитию сатиры . Своими сатирами прославился Антиох Дмитриевич Кантемир , творивший в 20-30-х гг. XVIII в. Его по праву называют «отцом россий­ской сатиры». Он отмечал страдания обездо­ленных, обличал противников просвещения. Острые сатиры Кантемира распространялись в списках и были напечатаны после его смерти. Известным поэтом середины XVIII в. был Василий Кириллович Тредиаковский . Некоторые произведения Тредиаковского созданы под влиянием сочинений французских писателей, в том числе его знаменитая поэма « Телемахида », в которой проводится идеал про­свещённой монархии и подвергаются критике цари, нарушающие законы. В середине и второй половине XVIII в. в русской литературе утвердился стиль клас­сицизма . Для него характерно строгое сле­дование определённым правилам , благодаря чему произведения отличались особой строй­ностью, чёткостью и логичностью . Эти прави­ла заимствовались из литературы и искусства Древней Греции и Древнего Рима, которые в XVIII в. считались образцом. Использовались традиционные для Античности жанры: оды, трагедии, комедии, сатиры, басни. Они позво­ляли выразить самые разные идеи, значимые для тогдашней эпохи. В торжественном жанре оды ярко проявил себя М.В. Ломоносов.

Слайд 22

Задания для закрепления и рекомендации: Задание 1 https://so c8-vpr.sdamgia.ru Запишите термин, о котором идет речь «Художественный стиль и направление в искусстве XVIII в., основанное на подражании античным образцам, стремлении к выражению возвышенных героических и нравственных идеалов».

Слайд 23

Русская литература, театральное и музыкальное искусство 18 века Повторение ранее изученного материала Драматургия Одним из создателей русской драматургии классицизма был Александр Петрович Сумароков , являвшийся также знаменитым поэтом. Он происходил из дворян. Обучаясь в Сухопутном шляхетском корпусе , Сумароков увлёкся литературой и театром, обращался к темам из русской истории . Одна из лучших трагедий Сумарокова — «Димитрий Самозванец ». Главный герой — Лжедмитрий I представлен тираном, захва­тившим трон. Против него зреет заговор. И симпатии автора — на стороне заговор­щиков, противников тирана . Подобные идеи были крайне характерны для общественной мысли России и Европы XVIII в. Недаром в конце столетия большое впечатление в Рос­сии произвела трагедия Я.Б. Княжнина «Ва­дим Новгородский». Главный её герой, ле­гендарный новгородский посадник Вадим, поднимает восстание против князя Рюрика. Денис Иванович Фонвизин вошёл в ис­торию русской культуры как драматург, по­ложивший начало социальной комедии . Его комедии , «Бригадир» и особенно «Недоросль», свидетельствовали о российском дворянском сословии не только с положительной стороны. В центре сюжета «Недоросля » Митрофанушка Простаков, его мать, их родственник Скотинин. Они олицетворяют пороки чиновников и поме­щиков: карьеризм, лень, невежество, грубость. Уже проницательные сов­ременники понимали, что это «злонравие» коренится в условиях быта крепостников-помещиков.

Слайд 24

Русская литература, театральное и музыкальное искусство 18 века Повторение ранее изученного материала Литература второй половины 18 века Михаил Матвеевич Херасков , куратор Московского университета и организатор Благородного панси­он а , внёс большой вклад в развитие просвещения в древней столице. Он прославился как автор произведений на патриотическую тему. Это поэма « Россиада » и песнопение «Коль славен наш Господь в Сионе…», положен­ное па музыку Д.С. Бортнянским . В начале XIX в. оно было неофициаль­ным гимном России. Идейное содержание творчества Василия Васильевича Капниста во многом совпадало с сатирическим направлением, которого придерживал­ся Д.И. Фонвизин. Из произведений Капниста наиболее известна комедия «Ябеда», где обличались пороки тогдашней судебной системы . Крупнейшим поэтом России последних десятилетий XVIII в. по праву считается Гавриил Романович Державин . Он происходил из старинной, но небогатой дворянской семьи. Испытав в юности нужду, Державин был призван на службу в гвардейский Преображенский полк в качестве солда­та. Получив офицерский чин, он принял активное участие в подавлении Пугачёвского восстания. Одновременно занимался литературным твор­чеством. Карамзин стал одним из реформаторов жанра художественной прозы и русской литературе. Наиболее известна его повесть «Бедная Лиза». В ней рассказывается о несчастной любви простой девушки Лизы и дворяни­на Э раста . Эта трагическая история совсем лишена возвышенного стиля, характерного для многих русских литераторов XVIII в. Для автора было важно показать внутренний мир и переживания обычных людей, вызвать сочувствие к судьбе героини. Так в русской литературе было положено на­чало новому стилю, который получил название сентиментализм.

Слайд 25

Русская литература, театральное и музыкальное искусство 18 века Повторение ранее изученного материала Театр Развитие светской культуры и литературы способствовало ста­новлению театрального искусства. Большую роль сыграли выступавшие в России труппы профессиональных артистов из Италии, Франции, Герма­нии. Яркое впечатление на русскую публику произвели спектакли италь­янской оперы при императорском дворе в 30-40-х гг. XVIII в. В результате при дворе Анны Иоанновны впервые в России была организована балетная школа , а в Сухопутном кадетском корпусе в 1740-х гг. создан театр . Появились оригинальные пьесы, написанные отечественными авторами. В 1749 г. в театре при кадетском корпусе была поставлена первая русская трагедия « Хорев » А.П. Сумарокова. В Ярославле купеческий сын Фёдор Григорьевич Волков организовал те­атр из талантливых горожан. Вскоре о них стало известно в Петербурге . Императрица Елизавета Петровна распо­рядилась пригласить Ф.Г. Волкова и его наиболее способных сподвижников в сто­лицу. Здесь с их участием в 1756 г. был ор­ганизован «Русский для представления тра­гедий и комедий театр». Это был первый в России профессиональный театр из рус­ских актёров . Во главе его встали А.П. Су­мароков и Ф.Г. Волков. Наряду с Волковым ведущим актёром стал Иван Афанасьевич Дмитревский , также прибывший из Ярос­лавля. Он исполнял почти во всех спектак­лях главные роли, выступал зачастую и в качестве режиссёра-постановщика. Театр могли посещать все желающие. В Москве здание общедоступного театра построили па улице Петровке. Этот театр, получивший название Петровского, был от­крыт в 1780 г. Принято считать, что с него начинается история Большого театра России.

Слайд 26

Русская литература, театральное и музыкальное искусство 18 века Повторение ранее изученного материала Музыка Музыкальное искусство в России имело давние традиции. Ещё в допетровскую эпоху большого совершенства достигло церковное пение. При великокняжеском, а затем царском дворе существовал хор придворных певчих. Пётр I , любивший церковное пение, приказал перевести этот хор в Петербург. На его основе возникла Придворная певческая капелла , которая надолго стала центром музыкального искусства в Северной столице. Исполнялась церковная музыка, а также торжественные песнопения для различных официальных торжеств. В последние десятилетия XVIII в. можно говорить о серьёзных успехах русских композиторов, которые прежде ограничивались сочинением цер­ковных песнопений. Появляются оперы на сюжеты из русской жизни с характерными названиями: «Мельник — колдун, обманщик и сват», « Санкт-Петербургский гостиный двор». В них широко используются народные мелодии и звучание народных инструментов . Николай Александрович Львов , один из самых талантливых деятелей русской культуры XVIII в., архитектор, художник, археолог, собиратель народных песен, написал либретто оперы «Ямщики на подставе». А музыку сочинил Евстигней Ипатьевич Фомин , солдатский сын, обучавший­ся в Академии художеств, по окончании которой он продолжил учёбу в Италии . Выдающимся российским композитором XVIII в. по праву считается Дмитрий Степанович Бортнянский . Выходец с Украины, он был принят певчим в Придворную капеллу. Благода­ря выдающимся музыкальным способ­ностям Бортнянский получил приглаше­ние в Италию, где провёл десять лет. Там он всесторонне овладел композиторским мастерством, написал несколько опер. По возвращении в Россию Бортнянскии стал дирижёром придворного хора, а затем — директором Придворной певческой капел­лы.

Слайд 27

Задания для закрепления и рекомендации: Задание 2 Назовите и охарактеризуйте основные жанры литературных произведений , распространённых в XVIII в. Кто являлся их героями? Задание 3 Как вы объясните причины популярности произведений Д.И. Фонвизина ? Задание 4 Какие идеи утверждались в произведениях сентиментализма? Назовите известных представителей этого литературного направления и их сочинения . Задание 5 Первый русский профессиональный театр был создан «для представления трагедий и комедий». Почему выделялись именно эти жанры? Чем они привлекали публику?

Слайд 28

Изучение нового материала Развитие русского художественного творчества Русское художественное творчество в XVIII в. прошло большой путь. Его развитие проис­ходило в благоприятных условиях. Значительно расширился круг тех, кто испытывал потребность в произведениях искусства. Это императорский двор, вельможи и обычные дворяне, владельцы городских и сельских уса­деб, заинтересованные в украшении своего быта. В 1757 г. в Петербурге была открыта Академия художеств , которая стекла центром художественного образования в России. Под руководством высококлассных мастеров, в том числе приглашённых из-за рубежа, здесь проходили обучение способные молодые люди из разных сословий и ре­гионов России. Наиболее талантливые из них имели возможность за счёт академии продолжить обучение за границей, прежде всего во Франции пли Италии. Там они могли воочию наблюдать шедевры европейского ис­кусства разных эпох: Античности, Средневековья, Возрождения. Русская художественная культура испытывала сильное воздействие со стороны Западной Европы , которое оказалось для России плодотворным. В России XVIII в. развивались, сменяя друг друга, те же художественные СТИЛИ (направления), что и во всей Европе. Под стилем понимается набор определённых принципов, в соответствии с которыми художник выстраи­вает форму и содержание своего произведения. Господство того или иного СТИЛЯ занимает целую эпоху в истории искусства, определяя развитие всех Для русского искусства XVIII в. характерны стили барокко, рококо, классицизм . В конце столетия можно говорить о появлении сентиментализма .

Слайд 29

Изучение нового материала Русская архитектура Наиболее ярко черты того или иного художественного стиля проявляются в архитектуре . В XVII и начале XVIII в. в Европе господствовал стиль барокко . Его название происходит от итальянского слова, означающего причудливый, вычурный . Б арокко получило в РОССИИ дальнейшее развитие. Здания в стиле барокко отличаются сложностью формы , обилием украшений и деталей . Вместе с тем они имеют торжественный и величественный облик. Наиболее выразительно выглядели самые важные здания — дворцы и соборы, выстроенные в стиле барокко. Большое внимание уделялось внешнему облику новой столицы Санкт-Петербурга. В 30-х гг. XVIII в. начал свою деятельность знаменитый архитектор Варфоломей (Франческо Бартоломео ) Растрелли . Ещё Пётр I на­чал строительство императорской заго­родной резиденции в Растрелли в 50-х гг. XVIII в. При Елизавете Петровне велось строительство ещё одной роскош­ной загородной усадьбы, к югу от горо­да — в Царском Селе. И здесь Растрелли возвёл величественный Большой дворец. Впоследствии его стали называть Екате­рининским, поскольку Царское Село ста­ло излюбленной резиденцией Екатери­ны II . В правление Анны Иоанновны архитектор Пётр Михайлович Еропкин сформулировал основ­ные идеи городского плана, по которому Петербург строился в течение многих последующих десятилетий. Идеи «регулярной» застройки разрабатывались в правление Екатери­ны II для губернских и уездных городов. В соответствии с ними в центре города создавалась парадная площадь с административными зданиями, вокруг неё формировалась геометрически правильная сеть улиц. Застройка городов по регулярным планам отвечала новому художе­ственному стилю — классицизму. Это название означало образцовый. Мастера классицизма образцом своего творчества считали искусство ан­тичной эпохи — Древней Греции и Древнего Рима. (См. стр.200-204 для выполнения заданий)

Слайд 30

Изучение нового материала Русская скульптура Жанр скульптуры в допетровское время был неха­рактерен для русского художественного творчества. Лишь в храмах иногда встречались изваяния святых из дерева. Со времён Петра I развивается светская скуль­птура: античные боги и герои, а также порт­реты реальных людей. В эпоху барокко значительный вклад в развитие скульптуры в России внёс Бартоломео Карло Растрелли, отец знаменитого ар­хитектора. Будучи приближённым ко двору, он изваял бюсты Петра I и А.Д. Меншикова. Изображая Анну Иоанновну, скульптор со­здал целую композицию, где фигура импе­ратрицы в полный рост дополнена арапчон­ком, подающим ей державу, символ власти. В соответствии с принципами барокко фигу­ры изображаемых деятелей преисполнены величия, что подчёркивается их роскошной одеждой, орденами и украшениями. Первым среди них стал памятник Петру I . Его автор Этьен Морис Фальконе был пригла­шён из Франции. Он изваял преобразователя России в образе римского императора-зако­нодателя на вздыбленном коне, вознесённом на каменную глыбу. Этот памятник с брон­зовой статуей Петра I , Медный всадник, стал одним из самых ярких символов Петербурга. Он вдохновил А.С. Пушкина на создание од­ноимённой поэмы.

Слайд 31

Изучение нового материала Русская живопись В русской живописи в течение всего 18 столетия преобладал жанр портрета. Широкое распространение получил так называемый парадный портрет. Одним из крупных художников-портретистов середины 18 века был Фёдор Степанович Рокотов. Одним из первых его произведений стал коронационный портрет Екатерины II . Завершает плеяду выдающихся портретистов XVIII в. Владимир Лукич Боровиковский , творчество которого продолжилось и в последующем столетии. Наиболее удавались Боровиковскому женские образы . Здесь он сумел передать не только индивидуальные черты своих героинь, но и их чувства, настроения, переживания, будь то веселье, грусть или спокойное созерца­ние природы. Одним из первых произведений такого рода стал портрет Екатерины II на прогулке в Царскосельском парке. Одним из лучших творений В.Л. Боровиковского является портрет М.И. Лопухиной . Этот удивительно поэтичный образ молодой барышни в простом платье на фоне природы знаменует начало новой эпохи в искусстве. На рубеже столетий на смену классицизму приходит эстетика сентиментализма и романтики. К концу XVIII в. постепенно набирают силу и другие жанры живописи, в рамках которых передаются различные чувства и настроения . Некоторые художники начинают проявлять интерес к прошлому России, жизни народа . Например, Антон Павлович Лосенко получил известность благодаря картине «Владимир перед Рогнедой».

Слайд 32

Изучение нового материала Изменение в культуре и быту Изменения в культуре и быту. Перемены , происходившие в культуре России в течение XVIII в., непосредственно касались повседневной людей , их быта или образа жизни, который включает поведение распорядок дня, жилище, одежду , пищу, развлечения, обряды, праздники и многое другое. Реформы Петра I в сфере культуры подразумевали значительное расширение контактов России с другими европейскими странами В результате общие принципы и стиль европейской культуры оказывали сильное воздействие и на русскую культуру. Влияние культуры просвещённой Европы в наибольшей степени явилось в жизни и быте верхов общества. Российское дворянство усваивало общеевропейские правила поведения в благородном обществе, стиль жизни и кодекс чести, восходивший к рыцарским нормам. Большинство же населения сохраняло приверженность старинному укладу жизни, обычаям и традициям, следуя им в одежде, развлечениях, повседневной жизни . Это касалось не только крестьянства, но и городского населения и даже многих представителей провинциального дворянства.

Слайд 33

Изучение нового материала Крестьяне и горожане Крестьян­ство европейское влияние практически не затронуло . В одежде, питании, обря­дах , развлечениях мало что изменилось по сравнению с допетровской эпохой. Русский город с точки зрения по­вседневной жизни также больше был похож на деревню . Побочным и важ­ным занятием жителей было разведе­ние домашнего скота и огородов. На окраине каждого города выделялось пространство для пастбища. Практи­чески каждый дом имел двор и огород, в котором горожане выращивали для себя и на продажу огурцы, капусту, корнеплоды и т.д .

Слайд 34

Изучение нового материала Повседневная культура дворянства Русское дворянство в XVIII в. было не только наиболее привилегированным сословием, но и отлича­лось от всех остальных по внешнему облику и образу жизни. Дворяне носили теперь парики , камзолы, башмаки на каблуках, дворянки старались не отстать от европейской моды. В дворянской среде было принято общаться на иностранном языке. В дворянской среде сложился особый стиль поведения, или этикет , Он был основан на представлении дворян о себе как « благородном сословии , их долге служить Отечеству и монарху . Большое значение имели правила поведения дворянина , заимствованные из Западной Европы, основанные на рыцарском кодексе чести. Культивировалось подчёркнуто галантное отношение к женщинам. Считались недопустимыми обман, мошенничество, клевета. Дворянин должен был ценить честь дороже жизни . Любое оскорбление, обида подлежали «сатисфакции», то есть удовлетворению . Так в обиход российского дворянства вошла дуэль.

Слайд 35

Изучение нового материала Дворянская усадьба Дворяне издавна селились в городах . В Москве и Санкт-Петербурге, в бывших губернских и уездных центрах до сих пор сохраняются здания, когда-то принадлежавшие дворянам . Они выделяются представительной архитектурой , чаще всего в стиле классицизма , имеют обширные дворы. Во второй половине XVIII в. дворяне всё больше внимания уделяют своим сельским усадьбам. Это было вызвано расцветом крепостного права и освобождением дворян от обязательной службы. В результате появился уникальный феномен русской культуры — дворянская усадьба . С середины XVIII в. многие дворяне, получившие возможность оставить службу, обосновывались у себя в имениях, обустраивая их как среду обитания для себя и своей семьи. Усадьбы дворян возникали обычно там, где находился хозяйственный центр их владения, состоявшего из села и нескольких деревень. Дворянских «гнёзд» особенно много было в Подмосковье, поскольку окрестности древней столицы с незапамятных времён являлись средоточием боярского и дворянского землевладения .

Слайд 36

Задания для закрепления и рекомендации:

Слайд 37

Задания для закрепления и рекомендации:

Слайд 38

Задания для закрепления и рекомендации: Дорогие ребята! Для эффективной подготовки и понимания материала рекомендую прослушать на сайте Российская электронная школа Уроки 32, 33 а также решать задания на сайте Решу ВПР.

Слайд 39

Литература и интернет сайты для подготовки дз Учебник: Захаров В.Н., Пчелов Е.В. История России. XVII I век: учебник для 8 класса общеобразовательных организаций / В.Н . Захаров , Е.В. Пчелов ; под р ед. Ю.А. Петрова. – 2-е изд. – М.: ООО «Русское слово – учебник», 2016. С. 196-211 Параграфы 30-32 РЕШУ ВПР История 8 класс // https :// so c8-vpr.sdamgia.ru РОССИЙСКАЯ ЭЛЕКТРОННАЯ ШКОЛА // https :// resh.edu.ru Данная презентация // Социальная сеть работников образования nsportal.ru

Слайд 40

Для журнала Д/з Прослушать Уроки 32,33 РЭШ https :// resh.edu.ru ; материалы к уроку на https://nsportal.ru/safaraleeva-yuliya-urazmuhametovna ; §§ 30-32, С. 196-211 в учебнике; Д/З Работа в тетрадях

Религиозное искусство и архитектура в Европе 18 века

Наследие Реформации

Искусство и религия восемнадцатого века возникли из эволюционировавших отношений двух предыдущих столетий. В первые десятилетия XVI века реформаторы бросили вызов Римско-католической церкви, указав на целый ряд злоупотреблений и коррупции, включая католическое использование изображений. В то время как спектр мнений был широк среди различных протестантских сект, в целом протестанты считали большую часть религиозного искусства идолопоклонническим — то, что изображения на заклепах были греховными и могли сбить с пути верующих.В результате многие протестантские церкви уменьшили или удалили искусство и украшение, тенденция, которая продолжалась в 18 веке. Поскольку необходимость перемен широко признана в католической церкви, был сформирован Трентский совет для рассмотрения жалоб и проведения необходимых реформ. На заключительном заседании в 1563 году Совет выступил с краткими заявлениями об искусстве, подчеркнув поучительное использование изображений. Наиболее четкие заявления о позиции католической контрреформации в отношении искусства исходят от болонского архиепископа Габриэле Палеотти, который заявил, что цель искусства — docere , delectare , movere — учить, радовать, двигаться. ¹ Католическая церковь удвоила силу изображений, чтобы правильно наставлять стадо и волновать душу.

Определяющим стилем эпохи Контрреформации было барокко, характеризующееся театральными пространствами, драматическими сюжетами и композициями, а также мощной риторикой. Барокко соответствовало потребностям бурного 17-го века с его катастрофическими религиозными войнами. Однако на заре 18 века многие законодатели вкуса призывали к успокоению шумного барокко, что привело к более сдержанному художественному стилю, который некоторые ученые называют barocchetto (буквально «маленькое барокко»).По словам историка искусства Вернона Хайда Минора, примером является произведение Филиппо делла Валле Благовещение 1750 года, мраморный рельефный алтарь в Сант’Игнацио в Риме. Рельеф сохраняет многие аспекты стиля высокого барокко, в частности театральную подачу и иллюзию форм, вторгающихся в пространство зрителя. Выступающие лестницы, драпировка и ангельские крылья нарушают плоскость рисунка и растекаются по орнаментальной рамке. Несмотря на такие барочные индульгенции, этот алтарь 18-го века имеет немного более спокойный тон.Делла Валле следует традиции изображения Марии, отвечающей на послание архангела Гавриила с интроверсией и скромностью, ее рука нежно касается ее груди, а глаза отведены вниз. В отличие от занятых форм, которые кружатся вокруг нее, Мэри размышляет над объявлением с тихим самоуничижением. Похоже, что голос, возвещающий о мессии, является внутренним. Пространство заполнено пухлыми крылатыми путти, которые традиционно олицетворяют вездесущность Бога. Развалившись у корзины для шитья и катаясь по тонким облакам, сладкощекленные путти делла Валле кажутся слишком очаровательными, беззаботными и безразличными, чтобы быть божественными посланниками.Акцент на очарование и сентиментальность рельефа делла Валле — ключевая характеристика искусства 18 века. Вдобавок делла Валле упивается мелкими случайными деталями в этой многолюдной композиции. На переднем плане перед Мэри изображена свернутая в спираль соломенная корзина с изысканными деталями; среди смятой драпировки в корзине находится угол небольшого гроба, крышка которого закрывается на лоскутке беспризорной ткани, которая каскадом стекает по спирали соломы. Рельеф Деллы Валле вызывает визуальное наслаждение, побуждая зрителя взглянуть на роскошную поверхность и открыть для себя новые детали.Акцент на естественных деталях, сентиментальности и сдержанности соответствовал развивающимся эстетическим дискуссиям 18-го века о «вкусе» и «истинной природе». ² Скульптура Делла Валле демонстрирует то, что Вернон Хайд Минор называет «пассивным спокойствием», более расслабленным, сдержанным и стильным видом искусства в отличие от барокко 17 века. ³

С точки зрения академической теории искусства религиозные предметы вызывали большое восхищение. Основанная королем Людовиком XIV в 1648 году, Королевская академия искусства и скульптуры установила эстетические стандарты для всей Европы на следующие двести лет.Академия установила так называемую иерархию жанров (или категорий искусства), при этом выдающимся жанром была историческая живопись: крупномасштабные картины, изображающие великие исторические, христианские и мифологические сюжеты в многофигурных композициях, которые были очень разборчивыми и нравственными. поднимающий настроение. Академия отдавала предпочтение исторической живописи, потому что она рассматривалась как более возвышенный и интеллектуальный жанр, требующий от квалифицированного художника создания идеальных фигур в понятной композиции. Преобладающим фактором для религиозных изображений была их точность по отношению к исходному тексту.В лекции 1667 года о произведении Николя Пуссена «« Христос, исцеляющий слепого из Иерихона »(1650 г.) Николя Пуссена наставлял:« Но больше всего в том, что касается тайн нашей религии и чудес Иисуса Христа, он [художник] должен сохранять всю возможную верность и никогда не отклоняться от того, что принято считать и хорошо известно многим. . . . Ему не следует ни добавлять, ни умалять то, во что нас заставляет верить Священное Писание ». ⁴ Académie побудила художников придумывать убедительные композиции, оставаясь верными священным текстам во всех деталях.Престиж исторической и религиозной живописи перенесся в 18 век без особых проблем. В начале 18 века Академия ослабила свои стандарты, предоставив больше воображения, более свободную художественную интерпретацию текстов и большую плавность между жанрами. Этот период стал свидетелем значительного развития так называемых меньших жанров, особенно портрета и пейзажа.

Религиозная география Европы мало изменилась со времен Контрреформации за столетие до этого.Со своего места в Риме католическая церковь доминировала в Южной Европе, охватывая Португалию, Испанию, Францию ​​и Италию, через большую часть Восточной Европы, особенно на территории, принадлежавшей Габсбургам. Множество протестантских верований занимало северную Европу с небольшими католическими анклавами повсюду. Протестантизм был религией большинства в Англии, Нидерландах, Скандинавии и нескольких центральноевропейских княжествах. В Германии, родине протестантизма, Контрреформации удалось отвоевать большую часть территории.В общей сложности 51 немецкий князь вернулся в католическую лоно в 17 и 18 веках, включая курфюрста Саксонии, который обратился из лютеранства в 1697 году, чтобы принять корону Польши. ⁵ В 18 веке, как и в предыдущие периоды, церковь и государство поддерживали друг друга, а религиозное искусство использовалось для взаимной поддержки.

Церковь, государство и искусство

В начале 18 века большинство современников не проводили четкого различия между религией и политикой.Большинство монархий придерживались теории божественного права, политической и религиозной доктрины, которая утверждала, что короли или королевы получали свою власть от Бога. Бросить вызов избранному Богом земному представителю было равносильно святотатству. В свою очередь, монархии поддерживали государственную религию, оправдывающую их господство. Монархи заказывали религиозное искусство и архитектуру по множеству причин — во исполнение клятвы, как выражение благочестия и веры, чтобы отмечать важные династические моменты, такие как браки и рождение детей, чтобы оттолкнуть еретиков и неверующих или укрепить власть.

Рис. 1. Версальская часовня, 1699–1710 гг. Архитектура Жюля Ардуэна-Мансара и Роберта де Котта.

Источник: Фотография любезно предоставлена ​​Родольфом Бреаром.

Пожалуй, наиболее важным религиозным сооружением 18 века в этом отношении является королевская часовня короля Людовика XIV в Версальском дворце (см. Рис. 1). Возведение королевской часовни в Версале, начатое в 1699 году и завершенное в 1710 году, было крупным мероприятием, которое стоило почти три миллиона франков и задействовало таланты восьми мастеров-художников и около сотни скульпторов по камню, дереву и другим материалам.Посвященная тезке Сент-Луису часовня в Версале претендовала на божественное наложение власти Людовика XIV. Антуан Койпель, занимавший престижную должность первого художника короля, создал сцену, занимающую потолок центральной часовни, Бог-Отец в своей славе, несущий миру обещание искупления . В центре, окруженный золотым светом, изображен блистательный Бог в человеческом обличье, протягивающий руку к королевскому трибуналу, где мог бы находиться сам король.Собрание пророков, евангелистов и ангелов населяет небесный мир Койпеля, кружась вокруг искусственно раскрашенной архитектуры; Двенадцать апостолов в сводах смотрят на Бога и служат для объединения различных уровней украшения часовни. Весь ансамбль часовни переплетает подходящие христианские темы с символами королевской власти Бурбонов. Украшение отсылает к ключевым историческим моментам, включая клятву Людовика XIII в 1638 году посвятить королевство Деве Марии; «Чудесное» рождение Людовика XIV после двадцати трех лет брака его родителей и четырех мертворождений; и отмена королем Нантского эдикта 1685 года, который распространил религиозную терпимость на некатоликов.Королевская трибуна украшена сценами из детства Христа, подчеркивающими связь с ранней жизнью Людовика XIV. Приделы на первом этаже посвящены святым покровителям королевской семьи. В основании главного алтаря из инкрустированного полихромным мрамором переплетается двойная буква L, относящаяся к Сент-Людовику и Людовику XIV. Украшение часовни было тщательно продумано, чтобы продемонстрировать преданность короля, его наследственность от святых предков и его подражание деяниям Христа, которые были одновременно обязанностями и привилегиями помазанного французского короля.Дворцовая часовня олицетворяла как политическое, так и духовное послание, потому что религиозные ритуалы короля, правившего на основании божественного права, представляли как его долг перед Богом, так и основу его власти. ⁶ В часовне отмечались многие важные династические союзы, в том числе брак будущего Людовика XVI и Марии-Антуанетты в 1770 году. Версаль и его часовня были мощными образцами дворцового строительства по всей Европе в 18 веке. Неаполитанский король Карл VII построил в Казерте одну из крупнейших королевских резиденций в мире, вдохновленную Версалем, включая его небную часовню, в честь торжественного открытия Рождества 1784 года.

Как и в предыдущие века, произведения искусства обычно заказывались в знак благодарности за ответ на молитву или во исполнение обета (называемого вотивом или ex-voto). В 1713 году разрушительная вспышка чумы достигла территорий, принадлежащих Габсбургской монархии. В благодарность за остановку эпидемии император Священной Римской империи Карл VI воздвиг Марианские колонны по всему своему королевству и пообещал построить церковь Карлу Борромео, святому, избавившемуся от чумы. и тезка императора. Работа, спроектированная Иоганном Фишером фон Эрлахом, началась в 1716 году на великолепной Карлскирхе в Вене и продолжалась более двух десятилетий.Как и ожидалось, вотивные памятники имели и политическую подоплеку. Базилика Суперга за пределами Турина отражает переплетение интересов церкви и государства. В 1706 году во время войны за испанское наследство герцог Савойский поднялся на холм Суперга, чтобы увидеть Турин, осажденный франко-испанскими войсками. Герцог преклонил колени перед деревянной статуей Девы Марии и поклялся, что воздвигнет памятник в благодарность, если одержит победу. Союзным войскам удалось положить конец осаде Турина, и во исполнение клятвы в 1717 году начались работы над церковью в Суперге.Однако базилика была не просто обетованной церковью. По завершении войны в 1713 году герцог Савойский был награжден титулом короля за поддержку победившей стороны. Таким образом, базилика Суперга стала частью более широкой пропагандистской программы для недавно помазанных савойских королей. Базилика Суперга, спроектированная архитектором и священником Филиппо Хуваррой, включала купольную церковь в стиле барокко в плане греческого креста, богато украшенный склеп с членами Дома Савойи, королевские апартаменты и монастырь.Базилика восходит к знаменитому прецеденту 16-го века Эль Эскориал за пределами Мадрида, который служил дворцом, монастырем и королевским мавзолеем и обеспечивал двойную власть испанской короны и католической церкви. ⁷ Superga стала частью концептуальной городской схемы новой монархии Савойя. Он был построен на прямой оси с вершиной холма Кастелло ди Риволи, исторической резиденцией Савойского дома с 11 века. Наряду с новым дворцом Ступиниги, построенным в 1729 году и также спроектированным Джуваррой, эти три королевских и церковных памятника образуют треугольник через столицу Турин.

В 18 веке многие европейские правители, особенно в Германии, были светскими и духовными лидерами, и религиозное искусство использовалось для их династических притязаний. Клеменс Август правил как архиепископ-курфюрст Кельна, кадетская ветвь баварской династии. Он поручил Джованни Баттисте Тьеполо написать алтарь Папа Климент I, поклоняющийся Святой Троице для часовни дворца Нимфенбург, освященной в 1739 году. Выбор сюжета был осознанным. Климент I был четвертым папой, и здесь он ссылается не только на тезку патрона, но и на нынешнего понтифика Климента XII.Картина помещает архиепископа-избирателя в родословную великих духовных и мирских лидеров. Алтарь и его богословское содержание также сильно укрепляют положение католической церкви в Кельне в религиозно раздробленной Германии; Как предположил один ученый, картина, возможно, послужила для протестантов, живущих на территории архиепископа-избирателя. Образ единой короны и веры только укреплял правителей этих небольших уязвимых княжеств, особенно перед их более крупными соседями.При таких зрелищных проявлениях возвышения зрители редко делали различие между возвышением Бога и его земных представителей. Начиная с 1711 года новоизбранный аббат Оттобойрен, светский и религиозный лидер в Швабии, потратил состояние аббатства на щедрый ремонт монастырских кварталов, библиотеки, большого императорского приемного зала и даже театра, большая часть которого была спроектирована Иоганном. Майкл Фишер. Настоятель оправдал этот проект в 1724 году: «Я не намерен ничего иного, как построить такой дом Божий, который подходит для Священного Ордена и аббатства в честь Святой Троицы, которой только я посвятил его.Я воображал, что приобрету заслуги в глазах Бога и людей ». ⁸

Покровители и их желания часто направляли религиозные комиссии, и эта тенденция не изменилась по сравнению с предыдущими веками. В 1740 году король Португалии Иоанн V построил великолепную часовню в честь своего тезки-святого Иоанна Крестителя для иезуитской церкви Сан-Роке в Лиссабоне. Чертежи часовни были отправлены в Италию, где сотни художников и мастеров работали над ее строительством в Риме, начиная с 1742 года.Папа Бенедикт XIV освятил это место в 1744 году, а три года спустя вся часовня была разобрана по частям и перевезена на трех кораблях в Лиссабон, где ее снова собрали в Сан-Роке. Наряду с роскошным убранством часовни был создан целый ансамбль предметов для поклонения в помещении, включая соответствующие облачения и книги. После завершения строительства это была самая дорогая часовня в Европе, финансируемая за счет сокровищ обширной колониальной империи Португалии.

Королевские женщины 18 века играли активную роль в создании религиозного искусства.Поскольку королева Барбара, жена Фердинанда VI Испанского, не хотела уходить в традиционный монастырь, куда ушли все испанские королевы после смерти их мужей, она построила новый. Монастырь Лас-Салезас-Реалес, включая одноименную церковь Санта-Барбара, был построен между 1750 и 1758 годами как дом для молодых знатных женщин. Королева Барбара собрала престижную группу международных мастеров для украшения своего нового монастыря, в том числе художников из Франции, Венеции, Рима и Испании. Многие из алтарей посвящены жизни святых женщин, в том числе тезка св.Барбара и недавно беатифицированная св. Джейн Фрэнсис де Шанталь. Королеву очень высмеивали за этот личный и приятный проект, в том числе за одно оскорбление, в котором использовалась игра слов на bárbara , испанском женском прилагательном, означающем «варварский». В 1758 году королева Барбара умерла на один год раньше своего мужа и так и не смогла вдовствовать в своем личном монастыре. ⁹

Новые подходы к религиозному искусству

В 18 веке церковная архитектура отличалась множеством стилей.В этот период доминировали три стиля. Первый иногда называют поздним барокко или рококо. Подчеркивая волнистые поверхности, театральные пространства и базовую классическую лексику, архитектура барокко сохранялась как в католических, так и в протестантских странах вплоть до 18 века; примеры включают Карлскирхе и базилику Суперга. В течение 18 века дизайн и декор в стиле барокко становились все более игривыми, представляя новую эстетику рококо. Термин рококо происходит от французского rocaille , относящегося к методу украшения с использованием гальки и ракушек, которые украшали гроты и фонтаны с эпохи Возрождения.Стиль рококо можно определить по асимметрии, изгибам, формам, смоделированным на основе природы, пространствам, призванным удивлять и восхищать, более светлой цветовой палитре и более беззаботным предметам. Этот новый стиль появился во Франции и распространился на другие страны ко второй четверти 18 века. Великолепным примером церковной архитектуры в стиле рококо является Вискирхе, расположенная у подножия Баварских Альп (см. Рис. 2). Согласно легенде, в 1738 году овдовевшая хозяйка гостиницы недалеко от Штайнгадена утверждала, что она видела деревянную статую бичеванного Христа, плачущую настоящими слезами.Как только весть о чуде распространилась, прихожане устремились в местность, чтобы поклониться святому образу, в том числе множество больных и калек, которые молились о божественном вмешательстве. Когда нынешняя святыня оказалась слишком маленькой для растущей толпы, паломническая церковь Вискирхе была построена между 1745 и 1754 годами братьями Доминикусом и Иоганном Баптистом Циммерманами. Декор в стиле рококо в Вискирхе великолепен — интерьер изобилует лепниной путти, причудливым декором и органическим орнаментом.Эллиптическая Вискирхе имеет псевдо-аркадную амбулаторию, бегущую вокруг интерьера, сделанную из соединенных между собой колонн и пилястр. Отверстия неправильной формы в верхней аркаде не только пропускают свет в церковь, но и открывают картины, изображающие Христа, исцеляющего больных, парализованных и слепых. Эти изображения постоянно меняются в зависимости от движения зрителя в пространстве. Как отмечает историк искусства Майкл Йонан, Вискирхе представляет спасение как процесс, метафорически разворачивающийся через переживание движения по его внутреннему пространству. ¹⁰

Рисунок 2. Wieskirche, 1745–1754 гг. Архитектура Доминика и Иоганна Баптиста Циммермана.

Источник: Фотография любезно предоставлена ​​Карлом Х. Райхертом.

Два других преобладающих стиля церковной архитектуры были явно историческими: неоклассицизм и готическое возрождение. Возникнув в середине века, неоклассицизм привнес более сдержанный подход к греко-римской архитектурной лексике. В 1744 году Людовик XV поклялся, что построит церковь святому покровителю Парижа, если выздоровеет.Работа началась более десяти лет спустя над церковью Сент-Женвьев, памятником неоклассицизма. Жак-Жермен Суффло спроектировал церковь в соответствии с простой и симметричной геометрией, подчеркнув масштаб и сдержанность (см. Рис. 3). Одновременно и в отличие от строгости неоклассицизма 18 век стал свидетелем возобновления интереса к готической архитектуре с ее легкостью, высокими формами и естественным декором. Ярким примером нового строительства в готическом стиле является грандиозный бенедиктинский монастырь Кладрубы, построенный Джованни Баттиста Сантини между 1712 и 1726 годами; здесь анахроничный стиль напоминает золотой век средневековой Богемии.Многие старые готические церкви, особенно в Англии, претерпели изменения в 18 веке, включая тщательную реконструкцию западного фасада Вестминстерского аббатства архитектором в стиле барокко Николасом Хоксмуром, начиная с 1722 года. нет ни игривости рококо, ни строгости и языческих ассоциаций неоклассицизма. Новый готический стиль также обращался к общему христианскому наследию до конфессионального разделения Реформации.

Рисунок 3. Сент-Женвьев, позже Ле Пантеон, 1758–1790 гг. Архитектура Жака-Жермена Суффло.

Источник: Фотография любезно предоставлена ​​Гильемом Веллютом.

Украшение церкви было тесно связано с религиозным порядком, служившим зданию, и эта тенденция продолжалась с более ранних веков. Например, венецианская церковь Санта-Мария-дель-Росарио, широко известная как I Gesuati, отражает историю и потребности доминиканского ордена. В 1670 году доминиканцы переняли небольшую церковь у Джезуати, средневекового ордена, подавленного папством.Строительство новой церкви по проекту Джорджо Массари началось в 1725 году и продолжалось еще тридцать лет. Внутреннее убранство современных венецианских мастеров демонстрирует гордость за историю и наследие доминиканского ордена и его современное значение. Картины составляют настоящую галерею известных доминиканцев, в том числе великолепный алтарь Джованни Баттиста Пьяцетты в стиле рококо, изображающий трех канонизированных святых, известных своей миссионерской деятельностью: Гиацинта, Луи Бертрана и Винсента Феррера.Три святых могут быть из разных времен и мест, но они собраны вместе в небесном пространстве, образованном экстатическим клубящимся облаком. Эти агиографические картины служили вдохновляющими напоминаниями для доминиканских монахов, находящихся внизу. Тьеполо написал потрясающие потолочные фрески, иллюстрирующие жизнь основателя ордена, Святого Доминика, в том числе центральную сцену «Учреждение Розария », завершенное в 1739 году (см. Рис. 4). Тьеполо был мастером рисования di sotto в su , иллюзии трехмерной сцены на двухмерной поверхности, как если бы она была видна снизу.На фоне сапфирового неба Мадонна с младенцем поднимается на облаках, порожденных ангелами, и протягивает четки святому Доминику. Расположенный на вершине головокружительной лестницы из белого мрамора, Святой Доминик раздает четки всем членам общества, богатым и бедным, мирским и церковным. В темных нижних нишах ступеней проклятые души иллюзионистски выливаются из рамы картины. Новая доминиканская церковь и ее блестящее убранство поощряли приверженность розарию. ¹¹ На протяжении веков четки были центральным элементом католической практики, религиозным подспорьем, используемым при почитании Марии, и его распространение было приписано проповеди св.Доминик. В 1716 году, после победы над турками, в католический литургический календарь был добавлен праздник Пресвятой Богородицы Розария.

Рисунок 4. Джованни Баттиста Тьеполо, Учреждение Розария , 1737–1739. Фреска. Санта-Мария-дель-Росарио, Венеция.

Источник: Фотография любезно предоставлена ​​Грэмом Черчардом.

Одновременно с такими роскошными украшениями католическая церковь 18-го века увидела движение в сторону большей строгости, в первую очередь проистекающего из янсенизма.В то время как католическая доктрина утверждала, что люди могут свободно принимать или отвергать Божий дар благодати, янсенисты утверждали, что не было никакой гарантии личного спасения и что только избранная часть человечества была предназначена для спасения. В то время как полемика кипела на протяжении всего 17 века, она достигла пика в начале 18 века. В 1708 году папа осудил аббатство Порт-Рояль-де-Шам, один из символических центров янсенизма, а в последующие годы Людовик XIV разогнал монахинь и разрушил многие здания.Несмотря на преследования, янсенизм сохранился и оказал влияние на религиозное искусство по всей Европе в 18 веке. В соответствии с призывом янсенистов к простой и трезвой жизни поклонения, многие сочувствующие приходские священники лишили свои церкви того, что они считали чрезмерной мебелью. Художник и академик Жан Ресту имел много связей с янсенизмом. В 1730 году Рестау выполнил пару картин для аббатства Бургей за пределами Тура, в том числе его шедевр Смерть св.Scholastica . По сравнению с роскошной работой в стиле рококо картина Рестаута кажется шокирующе строгой. Две монахини обслуживают святую Схоластику, когда она испускает последний вздох, ее рука только что теряет хватку на распятии. Цветовая палитра сокращена до кремовых, черных и коричневых оттенков. В то время как тон мрачный и приглушенный, динамичная композиция служит для драматизации сцены. Рестаут ​​организует картину вокруг ряда смелых контрдиагоналей, зигзагообразно поднимая композицию от посоха, покоящегося на переднем плане, через рухнувшее тело святого до распятого распятия на верхней части одеяния служителя и, наконец, взмывая вверх вместе с ним. голубь следует за небесным светом из картины.В то время как ее земное тело рушится, душа Святой Схоластики возносится, добавляя невероятное напряжение картине. Несмотря на то, что пространство абстрагировано, Restout включает в себя поразительные детали, такие как решетчатые половицы, которые устремляются к зрителю, и memento mori черепа, чтобы закрепить сцену перед зрителем. ¹²

В то время как церковь и государство могли быть неразрывно связаны, в XVIII веке, несомненно, была тенденция к усилению государственной опеки над церковью — процессу, известному как эрастианизм.Это перетягивание каната между церковью и государством в Европе разыгрывалось по-разному. На протяжении веков Церковь во Франции утверждала некоторую независимость от Рима, утверждая, например, что папство должно подчиняться вселенским соборам и представителям государства, таким как король, — позиция, называемая галликанизмом. Ватикан ответил ультрамонтизмом (буквально «за горами»), утверждая, что папы являются верховными во всех церковных делах и могут вмешиваться в национальное правительство.Однако абсолютный монарх Людовик XIV продолжал расширять свою власть по религиозным вопросам, что привело к появлению Четырех галликанских статей 1682 года, которые впервые систематизировали галликанизм в систему, за которой вскоре последовало осуждение со стороны папы. Этот акт еще больше изолировал папство от политической борьбы того времени; в 1714 году, по завершении войны за испанское наследство, которая касалась баланса сил в Европе, с папством не посоветовались. ¹³ Один историк охарактеризовал Церковь 18-го века как «католицизм в сокращении». ¹⁴ Церковь достигла замечательных успехов после Контрреформации, но папство не смогло продвинуть реформу за пределы видения Трентского Собора. По мнению некоторых ученых, папство не смогло адекватно отреагировать на новый интеллектуальный климат XVIII века. Действительно, некоторые историки искусства предположили, что одной из причин смягчения стиля барокко и подъема barocchetto было снижение авторитета папства.

Рим: культурная столица 18 века

Несмотря на то, что его политическое и духовное влияние снизилось в 18 веке, в этот период Рим пользовался статусом главного культурного центра.Как и в предыдущие века, орды верных паломников направлялись в Рим, чтобы посетить некоторые из самых важных мест паломничества христианского мира. К этому добавились толпы людей на Гранд-туре. Достигнув своего апогея в 18 веке, Гранд-тур стал важным ритуалом для многих состоятельных молодых мужчин и женщин, в основном из Северной Европы. Это включало путешествие по Европе и длительное пребывание в Италии для изучения великих произведений искусства, изучения манер и обычаев и общения с другими элитами со всей Европы.Конечным пунктом назначения любого великого туриста был Рим, колыбель древней Римской империи и эпохи Возрождения, где путешественники иногда останавливались на долгие годы. В рамках своего римского маршрута «Гранд Турист» посетил городские княжеские коллекции произведений искусства и древностей, археологические памятники и великие католические церкви.

Поскольку большинство северных европейских великих туристов были протестантами, путешествие к месту католицизма было потенциально опасным приключением. Реакция туристов-протестантов на католическое искусство и обычаи сильно различалась.Многие туристы читали рассказ о путешествии полемического английского священника Коньерса Миддлтона, который утверждал, что католицизм является современным продолжением языческих обычаев и что католическое искусство происходит от языческих идолов. «Это подобие папской и языческой религии казалось таким очевидным и ясным и так сильно поразило мое воображение», — прогремел Миддлтон. ¹⁵ Напротив, будущий государственный деятель тори Уильям Бромли опубликовал широко читаемый отчет о путешествиях, восхищавшийся театральностью и экзотикой католического искусства. ¹⁶ Фактически, комфорт Бромли с католической культурой заставил политических соперников использовать его путевой счет, чтобы обвинить его в симпатиях к иностранцам. Однако реакция большинства протестантских великих туристов оказалась где-то посередине — они были озадачены и заинтригованы католическим искусством и ритуалами. Как пишет историк Брюс Редфорд: «Отчасти эта амбивалентность связана с проблемной ролью эстетического опыта в религиозном контексте». ¹⁷ Великие туристы прибыли в эпицентр западной классической традиции, чтобы оценить великое искусство, однако большинство этих работ было создано католической культурой и для нее.

Смягчение протестантского отношения к римско-католическому искусству в 18 веке во многом было связано с политикой. ¹⁸ В течение 18 века «папство» перестало быть серьезной политической угрозой. Снижение угрозы якобитизма в первой половине столетия и очевидное институциональное ослабление папства значительно уменьшили опасения католического «другого». Кроме того, Рим принимал посетителей других конфессий, что являлось частью более широкой тенденции 18 века к религиозной терпимости.Как записал один британский великий турист в 1755 году: «Все иностранцы, даже еретики, могут спокойно и спокойно жить в государствах Италии». ¹⁹ Растущие контакты между протестантской и католической культурой в космополитическом Риме во многом уменьшили интенсивную поляризацию, которая характеризовала предыдущий век, и это проявилось в вежливых социальных кругах так же, как и в церквях и музеях, наполненных искусством. С эстетической оценкой католического искусства произошел сдвиг в отношении к культуре, которая его создала.

Растущие потоки иностранных туристов и паломников в Риме 18-го века побуждали пап участвовать в художественных и архитектурных программах. Рим получил ряд значительных гражданских улучшений в 18 веке, в том числе Порто-ди-Рипетта, Испанскую лестницу и фонтан Треви, в дополнение к капитальному ремонту церкви. Устаревшие церкви по всему городу были обновлены современным искусством, например, набор апостольских статуй в Сан-Джованни-ин-Латерно, созданный командой выдающихся римских скульпторов в 1718 году.Папа Климент XI руководил масштабной реставрацией многих важных памятников раннего христианства, программа была настолько обширна, что реконструкция продолжалась при смене понтификов. Вдохновленный захватывающими археологическими открытиями, Климент XI стремился применить новый исторический подход к палеохристианству, основанный на эмпирических документах. Ряд значительных памятников получил историческую реконструкцию, например, портик ворот древней базилики Санта-Мария-Маджоре. ²⁰ Огромное количество христианских археологических раскопок, собранных папством, побудило Папу Бенедикта XIV основать в Ватикане галерею христианских древностей в 1757 году.Помимо христианских артефактов, папы 18 века активно собирали классический мрамор, работы старых мастеров, монеты и многое другое. Из этих коллекций в Риме родились первые в мире публичные музеи.

Рис. 5. Томмазо Конка, потолок Зала-делле-Муз, 1782–1787 гг. Фреска. Пио-Клементино, Рим.

Источник: Фотография любезно предоставлена ​​Кармело Печинья.

Один из этих музеев, Пио-Клементино, является примером новой культурной программы папства.Начавшаяся при Клименте XIV и завершенная при Пии VI, заброшенная вилла Бельведер 15-го века была отремонтирована, чтобы разместить в ней растущую коллекцию старинного мрамора. Зала делле Муз, расположенная между Залом Ротонда и двориком с восьмиугольными скульптурами, является концептуальным ядром музея. Восьмиугольная комната с куполом была спроектирована вокруг древней скульптурной группы Аполлона и муз, недавно раскопанной недалеко от Тиволи в 1774 году. Изначально статуи были тесно сгруппированы в почти разговорную группу, смешанную с гермами греческих писателей, философов и государственных деятелей.В номере прославляется греческая интеллектуальная культура, унаследованная как древним, так и современным Римом. Стены изначально были расписаны иллюзионистским пейзажем, создавая иллюзию украшенного павильона под открытым небом, в котором жили Аполлон, музы и бессмертные поэты. В первоначальном маршруте музея 18-го века посетители переходили от закрытой Сала Ротонды к открытому восьмиугольному двору, от внутреннего к внешнему, проходя через Сала-делле-Муз. Иллюзионистские картины создавали впечатление переходного пространства, проходящего через храм Аполлона на вершине горы Парнас (см. Рис. 5).В 1782–1787 годах Томмазо Конка расписал купол, расписанный фресками, в стиле, напоминающем знаменитые потолки, выполненные Рафаэлем для Папы Юлия II. В центре — изображение Аполлона и Марсия, басня, предостерегающая от оспаривания художественного превосходства богов. Когда зрители входили в Sala delle Muse, четкая вертикальная линия спускалась от триумфального Аполлона на фреске Конки к мраморному Аполлону в вымышленном павильоне Парнаса и внутреннему двору, за которым был выставлен уважаемый Аполлон Бельведерский.Аполлон Бельведер, впервые приобретенный великим Юлием II, стал самым почитаемым предметом старины 18 века и изюминкой коллекции Пио-Клементино. В этой сложной схеме Пий VI связан не только с Аполлоном, богом искусств, но и со своим папским предшественником Юлием II, который руководил художественным золотым веком Возрождения. Sala delle Muse представляет собой новый папский Парнас. Привозя послание домой, напыщенное стихотворение на стене изображает Перикла, признающего, что его Афины — ничто по сравнению с Римом Пия, который затмевает даже славу Возрождения.Несмотря на то, что их политическое и духовное влияние ослабло, понтификы утвердили Ватикан как новый культурный авторитет в 18 веке, не только связав себя с классической цивилизацией, но и провозгласив себя хранителями общей западной культурной традиции. ²¹

Коллекционирование религиозного искусства XVIII века

Другой веской причиной создания музеев Ватикана был оптовый вывоз римских древностей в 18 веке.Честолюбивые коллекционеры-неоклассики и великие туристы жадно покупали произведения искусства в Италии и отправляли их к северу от Альп. Граф Пембрук приобрел около 1300 предметов старины из Палаццо Джустиниани в 1720 году. В 1728 году курфюрст Саксонии приобрел сотни старинных мраморных изделий у семей Киджи и Альбани, создав в Дрездене одну из крупнейших коллекций древностей за пределами Рима. ²² Действительно, есть достаточно свидетельств того, что понтифики основали Пио-Клементино из страха потерять свое культурное наследие. ²³

Покупка произведений искусства была главным занятием участников Гранд-тура. Туристы обыскивали рынок в поисках произведений искусства, которые можно было бы вернуть домой, поскольку такие приобретения отражали хороший вкус и классическое образование, которые они приобрели во время своего Гранд-тура. Хотя древнеримский мрамор был одним из главных призов, туристы также активно покупали как работы старых мастеров, так и современное искусство. Среди них были религиозные произведения, но значительно меньше. Эстетический опыт Гранд-тура, возможно, открыл двери для путешественников-протестантов, чтобы оценить католическое искусство, но они собирали его реже. ²⁴ Благородные туристы часто полагались на своих гидов и агентов в поисках произведений искусства, которые лучше всего демонстрируют хороший вкус. Например, во время своего Гранд-тура в 1792–1794 годах барон Бервик поручил своему наставнику и гиду преподобному Эдварду Д. Кларку обставить свою резиденцию в Аттингем-парке. Как сообщил Кларк из Рима: «Он оставил меня следовать своему вкусу в живописи и скульптуре». Неудивительно, что список покупок англиканского священнослужителя включал в себя натурные слепки известных древностей, таких как Аполлон Бельведер, современные картины на классические темы и портреты Grand Tour, но не религиозные изображения. ²⁵ Некоторые элиты стремились продемонстрировать свою светскую жизнь и космополитические связи через коллекционирование прекрасного религиозного искусства. Во время своего Гранд-тура 1765–1766 годов Уильям Уэдделл приобрел множество произведений искусства, в том числе выдающуюся коллекцию древнего мрамора и несколько религиозных картин живых мастеров, включая Батони и Менгса. Однако в целом протестантские коллекционеры гораздо реже приобретали религиозные картины современных художников. ²⁶ Джозеф Смит служил британским консулом в Венеции в середине века, но также был одним из самых известных торговцев произведениями искусства того времени.Смит всегда осмотрительно относился к религиозным картинам, особенно к картинам современных художников, поскольку их было намного сложнее продать, чем другие жанры. Один из надежных способов продать религиозную картину — приписать ее знаменитому старому мастеру. Действительно, картина Себастьяно Риччи « Сусанна и старейшины » 1713 года была передана герцогу Девонширскому около 1720 года как картина мастера начала 17 века Аннибале Карраччи. ²⁷

Себастьяно Риччи был одним из тех итальянских художников, которые в XVIII веке вернулись в Британию вслед за художественными заказами — до него был Пеллегрини, а после него — Каналетто.Этих иностранных католиков, возможно, поощрили приехать в Англию из-за ослабления конфессиональной напряженности в 18 веке и, возможно, из-за того, что комиссии были просто слишком прибыльными. Примечательно кардинальное изменение. В 1620-х годах Гверчино отклонил приглашение приехать в Англию, настаивая на том, что он «не желает разговаривать с еретиками, чтобы не осквернить доброту своего ангельского вкуса». ²⁸ Находясь в Англии, Риччи выполнил несколько религиозных работ для своих протестантских работодателей.Одним из первых покровителей Риччи был герцог Портлендский (сын близкого союзника протестанта Вильгельма Оранского), для которого он написал блестящий цикл в часовне Bulstrode House (ныне разрушенной). Риччи также получил заказ на триумфальное Воскресение в апсиде часовни Королевской больницы Челси, спроектированной сэром Кристофером Реном. В 1715–1716 годах Риччи проиграл престижный конкурс на роспись купола собора Святого Павла в Лондоне коренному англичанину и протестанту Джеймсу Торнхиллу после жарких публичных дебатов о том, следует ли иностранцу и католику украшать англиканский собор.Несмотря на эту неудачу, когда Риччи покинул Англию в 1716 году, он заработал столько денег, что ему пришлось заплатить специальный налог, чтобы экспортировать их.

В то время как протестанты 18-го века, возможно, колебались в приобретении «папистских» картин, это определенно не относилось к католическим коллекционерам. ²⁹ В католических странах дворянские семьи продолжали покровительствовать религиозным картинам в первой половине 18 века. Граф Чезаре Меренда приобрел целых тридцать картин Батони, в том числе серию апостолов для новой картинной галереи, рассчитанной на 350 работ в его родовом поместье в Форли.Маффео Пинелли, директор официальной венецианской прессы, собрал впечатляющую коллекцию из 640 картин, 202 из которых были посвящены религиозной тематике. Однако в течение столетия католическая элита приобретала все меньше и меньше религиозных картин, поскольку возник вкус к неоклассицизму. Несмотря на то, что священные предметы, возможно, ускользнули из общественных парадных залов дворянских домов в 18 веке, религиозные произведения все еще можно было найти в частных помещениях, традиционном месте для религиозных изображений.В то время как коллекционер неоклассицизма Анж-Лоран де ла Лив де Жюли заполнил гостиную своего предместья Сент-Оноре модными мифологическими сюжетами, он повесил религиозные картины, в том числе Деву Деву с младенцем Лагрене , в своей спальне.

Рисунок 6. Ле Серф, в честь Аннибале Карраччи (круг), Сент-Джон в пустыне , 1786. Гравюра.

Источник: Из La Galerie du Palais-Royal , vol. 1 (Париж: Ж. Куше, 1786 г.).Исследовательский институт Гетти. Цифровое изображение любезно предоставлено программой открытого содержания Getty.

Степень интеграции религиозных произведений в более крупные коллекции произведений искусства XVIII века демонстрируется в привычках экспонирования и опубликованных каталогах. Пожалуй, величайшей из когда-либо собранных коллекций западного искусства была коллекция Филиппа, герцога Орлеанского, регента Франции и прапрадеда будущего короля Луи-Филиппа. ³⁰ Коллекция Орлеана насчитывала более пятисот шедевров, в основном приобретенных между 1700 и 1723 годами.Выставленные на всеобщее обозрение в Пале-Рояле картины не были расположены ни по школам, ни по жанрам, как это было обычно, а были сопоставлены друг с другом, чтобы добиться максимального эффекта. Это означало смешение эротических и религиозных сюжетов, что вызывало недовольство некоторых посетителей. (Возможно, зрителем, который больше всего возражал против эротических изображений, был набожный сын Регента Луи, который, как сообщается, зарезал распутную Леду Корреджо и Лебедь ножом!) Между 1786 и 1808 годами знаменитая коллекция была воспроизведена в роскошном трехтомном каталоге. La Galerie du Palais-Royal , в которую вошли почти четыреста гравированных отпечатков картин с текстовыми описаниями (см. Рис. 6).Работы были организованы национальной школой для удобства каталогизации, но сочетали религиозный жанр с другими жанрами. Такое расположение способствовало эстетической оценке священных изображений по сравнению с другими нерелигиозными предметами.

Хотя прекрасные полотна были прерогативой элиты, низшие классы также имели расширенный доступ к религиозным изображениям в 18 веке. Так называемая «потребительская революция» — развитие общества, основанного на современном массовом потреблении с увеличением доступности и разнообразия товаров — впервые возникла в Голландской республике и Англии в 17-18 веках.Многие ученые связывают протестантизм с подъемом потребительской революции, в том числе с его пропагандой грамотности, которая открыла людям возможность покупать книги и рекламу, а также с акцентом некоторых протестантских сект на непосредственном опыте и чувствах, что, в свою очередь, подпитывает гедонический культ потребление. Однако нельзя упускать из виду вклад католической культуры XVIII века в потребительскую революцию. В отличие от большинства протестантов, католики покупали распятия, четки, гравюры, книги и другие религиозные предметы для использования в качестве религиозных пособий.К 18 веку возник большой рынок для производства и распространения этих католических религиозных предметов, от воспроизведения доступных печатных портретов святых до продажи сувенирных медалей в местах паломничества. В своем исследовании потребления религиозных предметов во Франции 18-го века историк Сисси Фэйрчайлдс отмечает, что более половины домохозяйств в городских центрах, таких как Париж и Тулуза, владели предметами религиозного назначения, наиболее распространенными из которых являются картины и книги. Она утверждает, что владение религиозным предметом побуждало покупателя-католика потреблять больше — например, покупка книжного шкафа для хранения коллекции религиозных книг. ³¹

В связи с потребительской революцией 18 века религиозные образы становились все более доступными почти для всех членов общества. Художественные центры, такие как Париж, предлагали множество мест для покупки религиозных изображений; в середине 1770-х годов во французской столице было не менее тридцати пяти торговцев картинами и гравюрами. После создания Sotheby’s в 1744 году и Christie’s в 1766 году Лондон к концу века стал мировой столицей аукционных домов. Лондонские аукционные дома обработали заметное количество предметов религиозного искусства, поступающих с европейского континента, включая распродажу великой коллекции Орлеана в 1790-х годах, при этом большая часть лотов досталась британским участникам торгов.Наиболее распространенным религиозным произведением потребительской революции 18 века было печатное изображение. Широко варьируясь по качеству от роскошных оригинальных линейных гравюр до грубых пиратских гравюр на дереве с другими гравюрами, эти воспроизводимые работы затронули бы почти каждого члена общества. Принты можно было купить либо в приличных магазинах арт-дилеров, либо, чаще, на улицах у разносчиков книг. Разносчики книг обычно путешествовали, принося воспроизводимые изображения в сельские деревни, на фестивали и места паломничества.Такие все более доступные и доступные изображения помогли в религиозном поклонении и народном благочестии в 18 веке. Однако, хотя печатное изображение отчасти помогло христианству, оно также способствовало его распаду.

Революция

18 век был эпохой Просвещения, философского и интеллектуального движения, которое отдавало предпочтение использованию разума как инструмента исследования. Он считал, что все можно познать посредством эмпирических наблюдений и индуктивного мышления.Просвещение оптимистично верило в способность человечества совершенствоваться с помощью разума. Поскольку он с большим подозрением относился к институтам, традициям, чудесам и суевериям, скептический дух Просвещения нашел легкую мишень в религии. Просвещение ассимилировало религию, как и все остальное, в более широкий корпус знаний. Он рассматривал религию относительно и как человеческий институт, тем самым переместив дискуссию с вопросов теологии на вопросы социальной полезности.Он оспаривал церковные привилегии и иерархию, спрашивал, как христианство может быть единственной истинной верой среди многих, и серьезно подвергал сомнению теологические основы, как первородный грех и искупление. ³² Критическое сомнение Просвещением институтов политического, социального и религиозного порядка росло с нарастающей интенсивностью и завершилось революцией в конце века.

Рис. 7. Уильям Хогарт, пластина 1 из «Прогресс блудницы» , 1732 год.Гравировка.

Источник: Художественный музей Мартина, Бейлорский университет. 1982.05.003.

Гравюры сыграли жизненно важную роль в распространении идей Просвещения и критических нападках на религию. Благодаря своей воспроизводимости репродукции имели возможность не только широко распространять идеи среди более широкой аудитории, но и знакомить зрителя в новом контексте. В 1732 году Уильям Хогарт выпустил гравюры для «Прогресс блудницы », серию из шести частей, в которых показано мрачное падение милосердия молодой девушки, которую иногда зовут Молл Хакабаут (см. Рис. 7).В первой сцене наивная деревенская девушка Молл прибыла в Лондон и сразу же была вовлечена в проституцию со стороны хищного рябого палача по имени Мать Нидхэм. Встреча Молла и матери Нидхэм в центре композиции построена на сильных контрастах — добре и зле, свете и тьме, невинности и шрамах. Джентльмен справа, признанный современниками позорным бабником и насильником, ласкает себя при виде хорошенькой новенькой девушки. Между тем, слева священник графства уткнулся лицом в письмо с просьбой о повышении от епископа Лондона.Эгоцентричный священнослужитель совершенно не обращает внимания на окружающие его моральные опасности, настолько, что ведет свою лошадь в сложенную башню из кастрюль и сковородок. Опрокидывающиеся кастрюли и сковороды предсказывают надвигающуюся катастрофу, которая закончится деградацией и смертью Молла. Печать Хогарта явно унижает церковь за ее неспособность решить моральные и социальные проблемы современности. Ученый Рональд Полсон интерпретирует книгу Хогарта «Прогресс блудницы » как «священную пародию». ³³ Связывая это с дебатами Просвещения о религии, Полсон читает серию Хогарта как кощунственный бурлеск искупления.Он считает, что Хогарт пародирует известные религиозные образы, такие как гравюра Альбрехта Дюрера «Посещение » (1503–1504) для первой пластины «Прогресс блудницы» . В мире Хогарта встреча Девы Марии и ее кузины Елизаветы превращается в вербовку новой проститутки. Постоянными подписчиками на гравюры Хогарта были пабы. Серии Хогарта публично демонстрировались в общительной атмосфере пабов, поощряя посетителей обсуждать гравюры как группу и коллективно смеяться над глупыми и нелогичными.

Эти общие дебаты вокруг гравюр Хогарта являются частью развивающейся так называемой «публичной сферы». Публичная сфера, впервые возникшая в 18 веке, представляет собой воображаемую арену социальной жизни, где люди собираются вместе, и значения общих социальных проблем формулируются, обсуждаются и обсуждаются. Средства массовой информации, включая газеты и печатные изображения, способствуют диалогу в публичной сфере между разрозненными людьми. С повышением уровня грамотности и широким обменом печатной продукцией в 18 веке большая группа общества получила возможность участвовать в формировании общественного мнения и формировать его.Общественная сфера сыграла решающую роль в развитии идей Просвещения, в том числе связанных с религией и искусством. Эта публичная дискуссия об искусстве нигде не заметна так, как в Салоне.

Салон был официальной выставкой современного искусства членов Королевской академии искусства и скульптуры. Салон организовывался с перерывами с момента его основания в 1667 году, обычно появляясь ежегодно или раз в два года, и получил свое название от Салона Карре в Лувре, где он проводился между 1725 и 1848 годами.В 18 веке его статус важнейшей выставки современного искусства был бесспорным. Картины в Салоне чаще развешивали по размеру и форме, чем по жанру. Результатом стал калейдоскопический вид сотен различных картин, заполненных рамкой за рамкой в ​​Салоне Карре. Эта аранжировка не только смешивала эротическое и религиозное, но также полностью деконтекстуализировала изображения и рисковала ввести зрителей в заблуждение. Как жаловался один из критиков Салона: «Священное, профанное, жалкое, гротескное; в картинках представлены все исторические и мифологические сюжеты в беспорядке; зрелище само по себе беспорядок, и зрители составляют не менее пестрый коллектив, чем объекты, которые они созерцают.Типичный бездельник принимает персонажей мифа за небесных святых, Тифея за Гаргантюа, Харона за Святого Петра, сатира за демона и Ноева ковчега за тренера Осера ». ³⁴ Потеря ссылки казалась особенно проблематичной для религиозных предметов. Эти картины оценивались не по эффективности их христианского послания или функции, а скорее по визуальным характеристикам по сравнению с другими выставленными работами. Результатом стала презентация, столь же разнообразная, как и публика, пришедшая на нее посмотреть.

Среди этого разношерстного коллектива живописцев и зрителей Салона были искусствоведы. Наряду с другими историческими силами, упомянутыми в этой статье, XVIII век стал свидетелем возникновения художественной критики. По мере того, как количество газет растет, чтобы удовлетворить потребности растущего нового грамотного населения, появились профессиональные журналисты, занимающиеся искусством, чтобы поделиться своими мнениями, в первую очередь о выставках Салона. Искусствоведы продолжали придерживаться академической линии, которая отдавала предпочтение исторической живописи как главному жанру.Одним из самых выдающихся искусствоведов того времени был Дени Дидро, который также был важным мыслителем эпохи Просвещения. В своих эссе Дидро рассматривал религиозные картины наравне с историческими и мифологическими сюжетами; более того, он даже назвал христианство «нашей мифологией». Для Дидро картины исторического жанра отличались вызываемыми сильными эмоциями и извлеченными из них моральными уроками, и христианские сюжеты были особенно искусны в этом отношении. Для Салона 1763 года он писал: «Никогда ни одна религия не была столь плодородна преступлениями, как христианство, от убийства Авеля до казни Каласа, ни одна линия ее истории не была окровавлена. ³⁵ Для этого искусствоведа эпохи Просвещения христианство на протяжении всей своей истории было причиной больше страданий, чем утешения, но это привело к появлению некоторых убедительных картин.

Если религиозное искусство теоретически занимало вершину академической иерархии жанров, то на практике это не нашло отражения в выставках Салона. Религиозные картины, представленные в Салоне, в течение XVIII века значительно сократились. ³⁶ Одной из причин упадка религиозных сюжетов стала мода во второй половине века на неоклассицизм, стиль и сюжет которого заимствованы из греко-римской истории и мифологии.Другая причина перехода к классическим предметам заключалась в том, что некоторые христианские добродетели, такие как смирение и недоверие к героизму, часто плохо сочетались с пропагандистскими программами авторитарных монархий конца 18 века. Вскоре после своего назначения в 1774 году граф д’Анживиллер, важный руководитель искусства при короле Людовике XVI, объявил о новой программе искусства, спонсируемой правительством. Полагая, что искусство должно продвигать моральную и политическую добродетель, он заявил, что режим будет заказывать работы с достойными предметами для выставок Салона.Однако работы, спонсируемые д’Анживиллер, взяты не из Библии, а из классических историй и французского прошлого. Например, в Салоне 1779 года была представлена ​​картина Жана-Симона Бертелеми, изображающая одного из бюргеров Кале, приносящего себя в жертву, чтобы положить конец осаде, а также грандиозное полотно Николаса Бернара Лепичье, изображающее римского государственного деятеля Регулуса, добровольно возвращающегося в тюрьму, несмотря на мольбы населения. . Историки искусства отметили, что в последние десятилетия 18-го века французский режим был заинтересован в использовании искусства для пропаганды патриотизма, гражданской добродетели и самопожертвования на благо государства, для чего неоклассические предметы больше подходили, чем христианские. .Установление моральной альтернативы христианству в истории и философии греко-римского мира не обошлось без недоброжелателей, включая архиепископа Лиона, осудившего «преклонение перед языческими добродетелями, не имеющее ничего общего с верой, действующей через милосердие». ³⁷ Однако большинство художников сразу же последовали их примеру с новым художественным покровительством и изменениями в стиле, тематике и послании. Классические картины в Салонах быстро опередили религиозные. Из десяти картин светской истории в Салоне 1775 года их число увеличилось почти до шестидесяти в 1789 году.В последних трех Салонах Старого режима только 42 картины и рисунки из 634 выставленных произведений были религиозными, или менее 7 процентов. ³⁸

Французская революция (1789–1799) оказала глубокое влияние на христианство и религиозное искусство. Накануне революции церковь была крупнейшим землевладельцем во Франции, и это один из многих фактов, которые способствовали краху старого режима. Одним из первых действий нового революционного правительства была конфискация всей церковной собственности и продажа ее на публичных торгах.Церкви по всей стране были декосвящены, в том числе Сент-Женвьев, который был преобразован в 1790 году в мавзолей национальных героев под названием Пантеон. Члены духовенства были лишены своих привилегий, превращены в государственных служащих и обязаны принести присягу на верность или столкнуться с увольнением, депортацией или смертью. В 1792 году государство легализовало развод (вопреки католической доктрине) и отняло у церкви контроль над регистрацией рождений, смертей и браков. Во время сентябрьской резни более двухсот священников и епископов, содержащихся в парижских тюрьмах, были казнены без суда и следствия.Дехристианизация была наиболее интенсивной во время правления террора, самой жестокой фазы революции между 1793 и 1794 годами. Государство заменило грузинский календарь (впервые изданный папой Григорием XIII в 1582 году) французским республиканским календарем, который стремился искоренить все религиозные и королевские ссылки. Новый календарь начался с началом революции, были изменены традиционные названия дней и месяцев и упразднены христианские праздники. Государство спонсировало деистические и атеистические «религии», такие как Культ Разума и Культ Высшего Существа, в качестве альтернативы католицизму.

Нападения революционного правительства на Церковь и подавленный гнев населения вылились в массовые акты иконоборчества. Во время Французской революции толпы нападали на церковную собственность и уничтожали религиозные произведения искусства. В 1792 году один из худших инцидентов революционного иконоборчества произошел в готическом аббатстве Сен-Дени на северной окраине Парижа, которое рассматривается как яркий пример крайностей старого режима и коррумпированной связи между церковью и государством.Сокровищница была конфискована, реликварии переплавлены, а королевские гробницы с живыми лежащими изображениями разграблены. Фигуры косяка, изображающие ветхозаветную королевскую власть, были ошибочно приняты за французских королей и королев, удалены и испорчены. Тела захороненных французских монархов были разграблены, брошены в траншеи и покрыты известью, чтобы уничтожить их. Уничтожение религиозных произведений стало частью стратегии революционного правительства против Вандеи, региона на западе Франции, восставшего против революции в 1793 году и известного своим католическим благочестием.Стремясь уничтожить целые общины, чтобы повстанцы не могли перегруппироваться, солдаты-революционеры выделили религиозное искусство, церкви и другие священные места для разрушения. Победоносные вторжения Наполеона распространили революционное воровство и уничтожение произведений искусства по всей Европе. В 1797 году французские войска украли из Пио-Клементино шедевры, включая Аполлона Бельведерского, и заключили его хранителя Папу Пия VI в изгнание до его смерти в 1799 году.

Рисунок 8. Жан-Любен Возель, Музей французских памятников, Гробницы Жака де Сувре и мадам Лебрен , 1819.Тушь и акварель.

Источник: Национальная библиотека Франции. Цифровое изображение любезно предоставлено BnF.

Когда наступление на христианское наследие Франции было самым интенсивным, начались разговоры о его сохранении. Начиная с 1791 года деконсервированный и частично разрушенный женский монастырь Пети-Огюстен в центре Парижа стал складом для растущего числа художественных памятников, ставших бездомными в результате революционного вандализма и иконоборчества. Официально открывшийся для публики в августе 1793 года в рамках торжеств, посвященных годовщине отмены монархии, Французский музей памятников представил более тысячи лет французских религиозных и культурных ценностей (см. Рис. 8).Его основатель, Александр Ленуар, был увлечен миссией сохранения; Согласно легенде, он был ранен ножом, пытаясь помешать революционерам разрушить могилу священника в Сорбонне. Ленуар тщательно задокументировал каждый спасенный фрагмент и настаивал на организации коллекции в хронологическом порядке. Это означало, что религиозные, светские, королевские и гражданские памятники располагались бок о бок независимо от их первоначального местоположения, функции или предназначения. Как записал один посетитель: «Все, кто избежал слепой ярости людей, разрушивших свои собственные жертвенники, были собраны вместе.. . . Святые и мифологические боги, герои, девственницы, древности, кардиналы, этрусские вазы, бассейны со святой водой, медальоны, колонны, колоссальные статуи Карла Великого и Святого Луи. . . все они были собраны с осторожностью, но сброшены, выстроены в ряд и разбросаны как попало, так что все это создает в этом музее своеобразное, но поразительное ощущение путаницы веков. Это было истинное зеркало нашей революции: какие контрасты, какие причудливые сопоставления, какие повороты судьбы! Какой необыкновенный хаос! » ³⁹ Музей французских памятников выглядел как революция, которая породила его — хаотична.Тем не менее, решающее значение имело наиважнейшее хронологическое отображение Ленуара. Заброшенные артефакты были лишены ассоциаций с церковью или монархией только путем их повторного включения в основной рассказ исторического времени и тем самым сделав их достойными сохранения постреволюционной Францией. ⁴⁰ Дисплей деконтекстуализировал религиозные объекты, эффективно превращая их в артефакты данной культуры и времени и открывая путь для другого подхода к религии в новом и модернизирующемся веке, который грядет.

Обзор литературы

Ученые расходятся во мнениях относительно того, следует ли характеризовать 18 век как религиозный или светский. Светское повествование можно проследить до французского историка Поля Азара в его магистерской книге La Crise de la Sovience européenne , 1680–1715. ⁴¹ Хазард утверждает, что на рубеже 18-го века произошел переход от цивилизации, основанной на долге перед Богом, и короны к цивилизации, основанной на идеях естественных прав.Он утверждает, что это изменение произошло скорее из-за интеллектуальных сил, чем из-за материальных интересов; могущественные вопросы, связанные с эпохой Возрождения и научной революцией, подняли в обществе массу интеллектуальных опасений по поводу религии. Хазард утверждает, что в этот период, с одной стороны, произошло усиление атак на христианское мировоззрение, а с другой — одновременное развитие нового светского мировоззрения. Идея о том, что XVIII век был однозначно протомодернистским по своей конструкции и характеру, сильно повлияла на многих ученых.Историк искусства Роберт Розенблюм много сделал для развития идеи секуляризации в искусстве 18 века. Другие ученые охарактеризовали этот кризис не столько как преднамеренное нападение светских мыслителей на крепость религии, сколько как кризис внутри самой христианской культуры , когда христианство изо всех сил пыталось объяснить себя перед лицом научных открытий и растущих идей « разумная »религия.

Искусство и религия 18 века остаются малоизученной темой.Исследования в области искусства и религии этого периода в значительной степени сосредоточены на тематических исследованиях конкретных произведений, циклов декорирования, национальных школ или художников. Куратор музея Филип Конисби написал два важных очерка о французском религиозном искусстве: главу в своем авторитетном «Живопись во Франции восемнадцатого века » и другую для каталога выставки о первых живописцах французских королей. ⁴² Несмотря на то, что исследования Конисби ограничиваются элитным и «официальным» сакральным искусством во Франции, его эссе стали бесценной копей для историков.С 1980-х годов несколько историков искусства представили ряд новаторских подходов к темам искусства и религии 18-го века. Джеффри Л. Коллинз и Кристофер М. С. Джонс проделали важную работу над визуальной культурой папства 18-го века. Майкл Йонан сосредоточился на Центральной и Восточной Европе, особенно на баварской церкви рококо. Говен Александр Бейли изучает использование стиля рококо в церковном контексте и его распространение по всему миру. Важным первым шагом к всестороннему изучению этой темы является «Искусство и религия в Европе восемнадцатого века» историка Найджела Астона (2009). ⁴³ Несмотря на то, что историки искусства критиковали его за поверхностное прочтение изображений, Астон выявил многие недооцененные темы, и его книга станет полезным источником для будущих исследователей искусства и религии 18-го века. ^{44 ​​}

Страница не найдена (или) ошибка каталога

Ой! Вы забыли перекреститься, когда этим утром перед вами пробежала черная кошка, когда вы проходили под лестницей маляра — думая о ручном зеркале, которое выскользнуло из вашей руки и разбилось вдребезги о кафельный пол в ванной ?

Это могло бы объяснить, почему вы пришли сюда, на страницу, которую не ожидали, не хотели или в которой не нуждались.С другой стороны, если вы , а не суеверный тип, могут быть и другие причины:

Адрес с ошибкой

Если вы прибыли сюда после того, как вручную ввели URL-адрес (унифицированный указатель ресурса, также известный как Интернет-адрес) в текстовое поле браузера выше, то вероятность того, что вы неправильно ввели его часть, составляет 76% или выше, например в качестве пути к каталогу или имени документа. (Вы бы не увидели эту страницу, если бы неправильно указали доменное имя!)

Неважно.Если вы не хотите вводить его снова или не можете понять, какие символы могут быть неправильными, почему бы не воспользоваться нашими отличными ссылками для навигации? Два раскрывающихся меню выше приведут вас к большинству тем на этом сайте: левое позволяет вам выбрать одну из четырех общих областей — Франция, Париж, провинции или колонии, а правое меню изменится, чтобы отразить темы тематики. область, которую вы выбрали слева. Прокрутите меню вниз, пока не найдете то, что вам нравится!

Если хотите, вы можете ввести несколько ключевых слов в поле поиска выше или попробовать нашу страницу расширенного поиска для некоторых действительно эзотерических возможностей.Когда ничего не помогает (а не должно!), Вы также найдете ссылку на карту нашего сайта в узкой красной полосе вверху каждой страницы.

Документ не существует (пока?)

Как это часто бывает, веб-сайт Discover France постоянно развивается, и некоторые страницы, которые мы надеемся добавить в ближайшее время, еще не готовы. Да, это правда — мы поспешили добавить несколько заголовков документов в раскрывающиеся меню выше по темам, которые запланированы на самое ближайшее время, но еще не увидели свет.

Например, есть некоторые французские заморские департаменты и бывшие колонии, страницы которых все еще находятся в стадии разработки. Зачем добавлять их в меню навигации до того, как они будут готовы? Откровенно говоря, это наш собственный маленький стимул поднять их как можно скорее. Но иногда наше внимание отвлекают другие проекты или небольшие чрезвычайные ситуации ….

Примите наши извинения, если вы стали жертвой этой программной причуды! Хотите помочь разгадать загадку пропавшего материала? Мы всегда ищем талантливых писателей, которые могут представить статьи по актуальным темам.Если вы такой человек, загрузите наши правила подачи статей (файл размером 48 КБ; требуется Adobe Acrobat Reader), а затем свяжитесь с веб-мастером и сообщите предложенную тему. Наше сообщество франкофилов (в настоящее время около 2,75 миллиона посетителей в год) будет любить вас за это!

Документ ушел навсегда

Это случается не очень часто, но — люди — несовершенные существа, которыми они / мы являемся — вполне возможно, что старый документ «улетел в курятник» и никогда не вернется. Как правило, мы добавляем страницы, а не убираем их, так что это действительно должно быть редкостью.

Неверная ссылочная ссылка

Это тоже случается нечасто. Если вы перешли на эту страницу, щелкнув ссылку на другом веб-сайте, то веб-мастер другого сайта, возможно, неправильно написал ссылку на нашу предполагаемую страницу. Если это то, что случилось с вами, мы с радостью проинформируем другого веб-мастера — если вы можете просто посетить нашу гостевую книгу, укажите адрес сайта, с которого вы пришли, а также целевую страницу (или тему) в Discover France.

Помогите бороться с гнилью Линка!

Наша миссия — предоставить вам огромное количество полезной информации прямо здесь, но мы также предлагаем тысячи ссылок на соответствующие материалы на других веб-сайтах по всему миру, которые, как мы считаем, могут помочь вам в ваших поисках знаний.Однако предоставление этой услуги может быть сложной задачей, поскольку статистика сообщает, что около 30% Интернет-ссылок становятся «плохими» каждый год — в результате веб-мастеров, которые перемещали, переименовывали или удаляли свои страницы.

В таких случаях вы увидите страницу с ошибкой «404 — документ не найден» на другом сайте. Тем не менее, вы можете свести «ссылочную гниль» к минимуму, и мы будем тепло приветствовать ваши усилия! Если одна из ссылок здесь приведет вас в кибер-неопределенность, не могли бы вы уведомить веб-мастера, посетив нашу гостевую книгу? Спасибо, спасибо — mille fois merci!

Другие ошибки страницы

Есть еще пара причин, по которым вы могли оказаться на этой странице.Эти причины известны как «коды ошибок» на языке веб-браузера. Один из наиболее частых кодов ошибки — # 403 — Запрещенный доступ; в большинстве случаев это означает, что вы пытались просмотреть каталог или путь к файлу без добавления действительного имени документа. Код # 400 (неверный запрос) может быть сгенерирован в результате неправильной работы формы или по какой-либо другой причине. Если вы хотите сообщить о таких проблемах, мы ценим вашу помощь!

Ссылки по теме

404 Ошибка Чистилище Дженни Рипли из Плинко.net в Миннеаполисе написал эту забавную, но глубоко философскую дань уважения страницам с ошибками 404.

Напишите статью! Вы автор, педагог или путешественник, который хотел бы написать статью для удовольствия нашего франкофилского сообщества? Загрузите наши правила подачи заявок (48 КБ PDF). Спасибо!

Выберите другую тему: Академические ресурсыИскусство и архитектураБутикКолонииСвязьЭкономикаИсторияЯзыкЛитератураФильмыПарижПровинцииСпорт и отдыхТеатр и танцыТуристический центрВина

Западная архитектура | Britannica

Острова восточного Средиземноморья и Эгейского моря образуют естественную связь между сушей Ближнего Востока и Европы.Экспансия на запад цивилизаций Западной Азии и Египта началась около 3000 г. до н.э. и привела к поселениям на Крите, Кикладах и в материковой Греции. Фундаментальное отличие этих культур от более ранних, неолитических, состоит в том, что каменные орудия труда и оружие были заменены медными, а позднее — бронзовыми. Энеолитический (медно-каменный) век, продолжавшийся в районе Эгейского моря с начала 3-го тысячелетия до нашей эры до начала 2-го, обычно считается частью большого бронзового века, который был вытеснен железным веком примерно с 1200 года до нашей эры.

Отличительной чертой эгейских цивилизаций была легкость, с которой азиатские мотивы и техники были адаптированы для создания оригинальных местных стилей. В архитектуре, безусловно, наиболее важными достижениями были цивилизации минойского Крита и микенской Греции.

Минойский Крит

Великая морская цивилизация Крита кристаллизовалась вокруг дворцов, таких как дворцы в Кноссе, Фесте, Айя Триада, Маллиа и Тилиссос. Чрезвычайно важный Дворец Миноса в Кноссе, раскопанный и реконструированный в начале 20 века сэром Артуром Эвансом, представляет собой свидетельство непрерывного архитектурного и художественного развития с начала неолита, кульминацией которого стало блестящее проявление строительной деятельности во время третьей фазы среднего минойского периода. период (1700–1580 гг. до н.э.) и продолжался до вторжения ахейцев в 12 веке.Однако дворец, по сути, представляет собой сооружение двух поздних средних минойских периодов (1800–1580 гг. До н. Э.). По монументальности он, несомненно, соперничал с ближневосточными и египетскими дворцами. Следуя примеру таких структур, Дворец Миноса представляет собой четырехугольный комплекс комнат и коридоров, сгруппированных вокруг большого центрального двора, размером примерно 175 × 100 футов (50 × 30 метров). В северном конце, к морю, величественный портик из 12 пилястр открывал доступ к центральному двору. В этом конце также расположена большая театральная площадка, прямоугольный театр под открытым небом, который, возможно, использовался для ритуальных представлений.Восточное крыло дворца разделено на две части длинным коридором, идущим по оси восток-запад; Первоначально он возвышался на четыре или пять этажей над склоном долины. В юго-восточной части дворца находятся жилые апартаменты, тщательно продуманные с сантехникой и смывом, а также святилище. Широкая лестница вела на верхний этаж, которого больше нет. Северо-восточная часть дворца занята офисами и кладовыми. Западная часть снова разделена главным коридором длиной более 200 футов (60 метров), идущим на север и юг.Позади этого коридора, вдоль западной стороны, была обнаружена серия длинных узких кладовых, содержащих большое количество питофов, или емкостей для хранения нефти размером с человека. По другую сторону коридора, обращенного к центральному двору, находятся государственные залы, в том числе тронный зал с его уникальным гипсовым троном и всемирно известными фресками с грифонами. Ярко окрашенные фрески играли важную роль как во внутреннем, так и во внешнем убранстве дворца. Свет подавался сверху с помощью оригинальной системы фонарных колодцев, а несколько портиков с колоннами обеспечивали вентиляцию во время жаркого критского лета.

Кносос

Часть реконструированного минойского дворца, Кносос, Крит, Греция.

Петерак

Развитие других минойских дворцов (Фест, Маллиа, Айя Триада, Тилиссос) примерно соответствует развитию Кносса. Каждый из них примечателен, и Фест особенно интересен благодаря обширным итальянским раскопкам. Морская гегемония позволила критским морским королям строить эти дворцы в низких и незащищенных местах; следовательно, заметно отсутствие крепостных стен по сравнению с большими стенами месопотамских дворцов.Поскольку критское поклонение, по-видимому, проводилось в основном на открытом воздухе, настоящих храмов, как на Ближнем Востоке, нет. Тем не менее, расположение различных частей дворца вокруг центрального двора и максимально возможное избегание внешних окон — это характеристики, которые, кажется, указывают на ранний контакт с Ближним Востоком. Пристрастие к длинным прямым дворцовым коридорам, а также к высокоразвитой системе водоснабжения, возможно, также унаследовали от древних цивилизаций на востоке.Впервые в Европе колонна появилась в критском дворце, где ее часто использовали индивидуально для разделения входа.

Phaestus

Вход во дворец Феста, Крит, Греция.

Марсий

Развитие погребальной архитектуры на Крите продолжается от старых камерных оссуариев раннего минойского периода (2750–2000 до н. конец средне-минойского периода.

На гребне минойского процветания произошел великий крах. Вторжение с материка около 1400 г. до н.э. разрушило дворцы и привело к утрате власти микенской Греции. На Крите очень редко встречаются архитектурные остатки построек догреческого происхождения, построенных после этой катастрофы. Несколько деревенских святынь принадлежат этому периоду после разрушения, а в Приниасе уникальное храмовое здание может быть датировано 700 годом до нашей эры. Вход в этот храм украшен барельефами на его архитектурных элементах.Проем над перемычкой обрамлен сидящими фигурами, а сама перемычка с нижней стороны вырезана фигурами богини и животных. Колонна, которая, кажется, стояла посреди этого дверного проема, как и во дворце Миноса, указывает на то, что минойская традиция не исчезла полностью.

Неоклассицизм | Безграничная история искусства

Неоклассицизм

Неоклассицизм относится к направлениям в искусстве, черпающим вдохновение в «классическом» искусстве и культуре Древней Греции и Рима.

Цели обучения

Определение атрибутов неоклассицизма и некоторых его ключевых фигур

Ключевые выводы

Ключевые моменты

• Расцвет неоклассицизма совпал с эпохой Просвещения 18 века и продолжался до начала 19 века.
• С ростом популярности Гранд-тура стало модным собирать предметы старины в качестве сувениров, что распространило неоклассический стиль по Европе и Америке.
• Неоклассицизм охватил все виды искусства, включая живопись, скульптуру, декоративное искусство, театр, литературу, музыку и архитектуру.
• Вообще говоря, неоклассицизм стилистически определяется использованием прямых линий, минимальным использованием цвета, простотой формы и, конечно же, приверженностью классическим ценностям и методам.
• Рококо с его акцентом на асимметрию, яркие цвета и орнамент обычно считается прямой противоположностью неоклассическому стилю.

Ключевые термины

• Grand Tour : Традиционное турне по Европе, проводимое в основном состоятельными европейскими молодыми людьми из высшего сословия.Этот обычай процветал примерно с 1660 года до появления крупного железнодорожного транспорта в 1840-х годах.
• Просветление : концепция духовности, философии и психологии, связанная с достижением ясности восприятия, разума и знания.
• Рококо : Стиль барочной архитектуры и декоративного искусства из Франции 18-го века со сложным орнаментом.

Классическое возрождение, также известное как неоклассицизм, относится к движениям в искусстве, черпающим вдохновение в «классическом» искусстве и культуре Древней Греции и Рима.Расцвет неоклассицизма совпал с эпохой Просвещения 18 века и продолжался до начала 19 века. Доминирующими стилями в 18 веке были барокко и рококо. Последний, с его акцентом на асимметрию, яркие цвета и орнамент, обычно считается прямой противоположностью неоклассическому стилю, основанному на порядке, симметрии и простоте. С ростом популярности Гранд-тура стало модным собирать предметы старины в качестве сувениров.Эта традиция коллекционирования заложила основу для многих великих коллекций произведений искусства и распространила классическое возрождение по всей Европе и Америке.

Неоклассицизм охватил все виды искусства, включая живопись, скульптуру, декоративное искусство, театр, литературу, музыку и архитектуру. Стиль обычно можно определить по использованию прямых линий, минимальному использованию цвета, простоте формы и, конечно же, его приверженности классическим ценностям и методам.

В музыке этот период ознаменовался подъемом классической музыки, а в живописи работы Жака-Луи Давида стали синонимом возрождения классики.Однако неоклассицизм наиболее сильно ощущался в архитектуре, скульптуре и декоративном искусстве, где классические модели в той же среде были довольно многочисленными и доступными. Скульптура, в частности, имела огромное количество древних моделей, по которым можно было учиться, однако большинство из них были римскими копиями греческих оригиналов.

Rinaldo Rinaldi, Chirone Insegna Ad Achille a Suonare La Cetra : Выполненная в классическом стиле с использованием классических тем, эта скульптура является типичным образцом неоклассического стиля.

Неоклассическая архитектура была создана по образцу классического стиля и, как и в случае с другими видами искусства, во многом была реакцией на бурный стиль рококо. Архитектура итальянского архитектора Андреа Палладио стала очень популярной в середине 18 века. Кроме того, археологические руины, найденные в Помпеях и Геркулануме, явились источником многих стилистических ценностей неоклассического дизайна интерьера, основанного на заново открытых древнеримских открытиях.

Вилла Годи Вальмарана, Лонедо ди Луго, Венето, Италия : Вилла Годи была одной из первых работ Палладио.Его строгий фасад, арочные дверные проемы и минимальная симметрия отражают его приверженность классическим стилистическим ценностям.

Картины в стиле неоклассицизм

Неоклассическая живопись, созданная мужчинами и женщинами, черпала вдохновение в классическом искусстве и культуре Древней Греции и Рима.

Цели обучения

Обсудить всеобъемлющие темы, присутствующие в неоклассической живописи

Ключевые выводы

Ключевые моменты

• Неоклассическая тематика основана на истории и общей культуре Древней Греции и Древнего Рима.Его часто называют реакцией на беззаботный и «легкомысленный» сюжет рококо.
• Неоклассическая живопись характеризуется использованием прямых линий, гладкой поверхности краски, изображением света, минимальным использованием цвета и четким четким определением форм.
• Работы Жака-Луи Давида обычно называют воплощением неоклассической живописи.
• Давид привлек в свою студию более 300 студентов, в том числе Жан-Огюст-Доминик Энгр, Мари-Гийемин Бенуа и Анжелик Монжес, последняя из которых пыталась продолжить неоклассическую традицию после смерти своего учителя.

Ключевые термины

• Просвещение : философское движение в Европе 17 и 18 веков. Эта эпоха, также известная как Эпоха разума, делала упор на рационализм.

Предпосылки и характеристики

Неоклассицизм — это термин, обозначающий движения в искусстве, которые черпают вдохновение в классическом искусстве и культуре Древней Греции и Рима. Расцвет неоклассицизма совпал с эпохой Просвещения 18 века и продолжался до начала 19 века.С появлением Гранд-тура — очень увлекательного путешествия по Европе, цель которого — познакомить молодых людей с расширенной культурой и людьми их мира — стало модным собирать предметы старины в качестве сувениров. Эта традиция заложила основы многих великих коллекций и обеспечила распространение неоклассического возрождения по Европе и Америке. Французский неоклассический стиль внесет большой вклад в монументализм Французской революции с упором как на добродетели, так и на патриотизм.

Неоклассическая живопись характеризуется использованием прямых линий, гладкой поверхностью краски, скрывающей работу кисти, изображением света, минимальным использованием цвета и четким четким определением форм. Его предмет обычно относится либо к греко-римской истории, либо к другим культурным атрибутам, таким как аллегория и добродетель. Мягкость нанесения краски и беззаботный и «легкомысленный» сюжет, характеризующие живопись рококо, признаны противоположностью неоклассического стиля.Работы Жака-Луи Давида считаются воплощением неоклассической живописи. До успеха Давида многие художники сочетали аспекты романтизма с неопределенно неоклассическим стилем, но эти работы не находили отклика у публики. Обычно предмет неоклассической живописи состоял из изображения событий из истории, мифологических сцен, архитектуры и руин Древнего Рима.

Школа Давида

Неоклассическая живопись получила новый импульс с большим успехом Давида Клятва Горациев на Парижском Салоне 1785 года.Картина была заказана королевским правительством и была создана в стиле, идеально сочетающем идеализированную структуру и драматический эффект. Картина вызвала бурю негодования, и было заявлено, что Давид идеально определил неоклассический вкус в своем стиле живописи. Таким образом, он стал типичным художником этого движения. В Клятва Горациев перспектива перпендикулярна картинной плоскости. Его определяет темная аркада за несколькими классическими героическими фигурами.Есть элемент театра или постановки, который вызывает величие оперы. Вскоре Давид стал ведущим французским художником и пользовался большим покровительством правительства. За свою долгую карьеру он привлек в свою студию более 300 студентов.

Жак Луи Давид. Клятва Горациев (1784) : Холст, масло. Музей Лувра, Париж.

Жан-Огюст-Доминик Энгр, художник-историк и портретист в стиле неоклассицизма, был одним из учеников Давида.Глубоко преданный классическим техникам, Энгр, как известно, считал себя консерватором стиля древних мастеров, хотя позже он писал предметы в романтическом стиле. Примеры его неоклассических работ включают картины Вергилия, читающего Августу (1812), и Эдипа и Сфинкса (1864). И Давид, и Энгр использовали высокоорганизованные образы, прямые линии и четко определенные формы, которые были типичными для неоклассической живописи 18 века.

Вергилий за чтением Августа Жан-Огюст-Доминик Энгр (1812) : Холст, масло. Художественный музей Уолтерса.

В то время как традиции и правила, регулирующие Французскую академию, запрещали женщинам учиться с обнаженной натуры (необходимость для создания эффективной неоклассической живописи), Дэвид считал, что женщины способны создавать успешное искусство этого стиля, и приветствовал многих в качестве своих учеников. Среди наиболее успешных были Мари-Гийемин Бенуа, которая в конечном итоге получила заказы от семьи Бонапарт, и Анжелик Монжес, завоевавшая покровителей даже из России.

Автопортрет Мари-Гийемин Бенуа (1788) : Бенуа (тогда Леруль-де-ла-Виль) рисует на этом неисследованном холсте маслом отрывок из знаменитой неоклассической картины Давида, на которой ослепленный генерал Юстиниана Велизарий просит милостыню. Ее возвращение к взору зрителя и классическая одежда демонстрируют ее уверенность в себе как художника и соответствие художественным тенденциям.

Монгез наиболее известна как одна из немногих женщин, которые рисовали монументальные сюжеты, которые часто включали обнаженную мужскую натуру, за что на нее часто нападали враждебные критики.

Тесей и Пирифой, очищая землю от разбойников, спасают двух женщин от рук их похитителей Анжелика Монгес (1806) : Холст, масло. Эрмитаж, Санкт-Петербург, Россия.

Монжез и Антуан-Жан Гро, еще один ученик Давида, пытались продолжить неоклассическую традицию после смерти Давида в 1825 году, но безуспешно перед лицом растущей популярности романтизма.

Неоклассическая скульптура

Реакция на «легкомыслие» рококо. Неоклассическая скульптура изображает серьезные сюжеты, на которые оказало влияние древнегреческое и римское прошлое.

Цели обучения

Объясните, какие мотивы являются общими для неоклассической скульптуры

Ключевые выводы

Ключевые моменты

• Неоклассицизм возник во второй половине 18 века, после раскопок руин Помпеи, что вызвало новый интерес к греко-римскому миру.
• Неоклассическая скульптура отличается симметрией, от натурального до монументального, и серьезным сюжетом.
• Сюжеты неоклассической скульптуры варьировались от мифологических фигур до героев прошлого и крупных современных персонажей.
• Неоклассическая скульптура могла передать свой предмет как идеализированный, так и более реалистичный.

Ключевые термины

• веризм : Древнеримская техника, в которой субъект изображается с «бородавками и всем остальным» реализмом.

Как и живопись, неоклассицизм проник в скульптуру во второй половине 18 века. В дополнение к идеалам Просвещения, раскопки руин в Помпеях начали возрождать интерес к классической культуре.В то время как скульптура в стиле рококо состояла из небольших асимметричных объектов, сосредоточенных на темах любви и веселья, неоклассическая скульптура приобрела монументальный размер в натуральную величину и сосредоточилась на темах героизма, патриотизма и добродетели.

В его могильной скульптуре философ Просвещения Вольтер почитается в истинно неоклассической форме. В стиле, навеянном древнеримским веризмом, он выглядит пожилым человеком, чтобы почтить свою мудрость. Он носит современную блузку простого человека, чтобы передать его скромность, а его одежда издалека напоминает древнеримскую тогу.Как и у его древних предшественников, его выражение лица и язык тела наводят на мысль о серьезности ученого.

Могила Вольтера. : Пантеон, Париж.

Скульпторы-неоклассики извлекли выгоду из обилия древних моделей, хотя в большинстве случаев это были римские копии греческих бронз. Ведущие скульпторы неоклассицизма пользовались большим успехом при жизни. Одним из них был Жан-Антуан Удон, чьими работами были в основном портреты, очень часто бюсты, которые не приносили в жертву идеализму сильное впечатление о личности натурщика.Его стиль стал более классическим по мере продолжения его долгой карьеры и представляет собой довольно плавный переход от очарования рококо к классическому достоинству. В отличие от некоторых скульпторов неоклассицизма, он не настаивал на том, чтобы его натурщики носили римскую одежду или были раздеты. Он изобразил большинство великих деятелей Просвещения и отправился в Америку, чтобы изготовить статую Джорджа Вашингтона, а также бюсты Томаса Джефферсона, Бенджамина Франклина и других светил новой республики. Его портретный бюст Вашингтона изображает первого президента Соединенных Штатов как сурового, но компетентного лидера, с влиянием римского веризма, очевидным в его морщинистом лбу, залысинах и двойном подбородке.

Бюст Джорджа Вашингтона работы Жана-Антуана Удона (ок. 1786)

Национальная портретная галерея, Вашингтон, округ Колумбия.

Итальянский художник Антонио Канова и датский художник Бертель Торвальдсен жили в Риме, и наряду с портретами создали множество амбициозных фигур и групп в натуральную величину. Оба представляют собой сильно идеализирующую тенденцию в неоклассической скульптуре.

Hebe Антонио Канова (1800–05). : Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург.Петербург, Россия.

Канова отличается легкостью и грацией, а Торвальдсен — более суровым. Различие иллюстрируется в произведении Кановы Hebe (1800–05), чей контрапост почти имитирует оживленные танцевальные шаги, когда она готовится перелить нектар и амброзию из маленькой амфоры в чашу, и в памятнике Торвальдсена Копернику (1822-30). , чей объект сидит вертикально с циркулем и армиллярной сферой.

Памятник Копернику работы Бертеля Торвальдсена (1822–1830 гг.).: бронза. Варшава, Польша.

Неоклассическая архитектура

Неоклассическая архитектура обращается к классическому прошлому греко-римской эпохи, Возрождения и классицизированного барокко, чтобы передать новую эпоху, основанную на принципах Просвещения.

Цели обучения

Определите, что отличает неоклассическую архитектуру от других механизмов

Ключевые выводы

Ключевые моменты

• Неоклассическая архитектура была создана неоклассическим движением в середине 18 века.Он проявился в деталях как реакция на стиль натуралистического орнамента рококо и в его архитектурных формулах как следствие классицизирующих черт позднего барокко.
• Первая фаза неоклассицизма во Франции выражается в «стиле Людовика XVI» таких архитекторов, как Анж-Жак Габриэль (Петит Трианон, 1762–68), а вторая фаза выражена в стиле Директории конца 18 века.
• Неоклассическая архитектура подчеркивает ее плоскостность, а не скульптурные объемы.Выступы и углубления, а также их светотени более плоские, в то время как скульптурные барельефы более плоские и имеют тенденцию обрамляться фризами, таблицами или панелями.
• Такие сооружения, как Триумфальная арка, Пантеон в Париже и Chiswick House в Лондоне, имеют элементы, передающие влияние древнегреческой и римской архитектуры, а также некоторые влияния периодов Возрождения и позднего барокко.

Неоклассическая архитектура, начавшаяся в середине 18 века, обращена к классическому прошлому греко-римской эпохи, Возрождения и классицизированного барокко, чтобы передать новую эпоху, основанную на принципах Просвещения.Это движение проявилось в деталях как реакция на стиль натуралистического орнамента рококо и в его архитектурных формулах как следствие некоторых классицизирующих черт позднего барокко. В чистом виде неоклассицизм — это стиль, в основе которого лежит архитектура классической Греции и Рима. По форме неоклассическая архитектура подчеркивает стену и сохраняет индивидуальность каждой из ее частей.

Первая фаза неоклассицизма во Франции выражается в стиле Людовика XVI таких архитекторов, как Анж-Жак Габриэль (Пти-Трианон, 1762–68).Анж-Жак Габриэль был главным архитектором в Версале, и его неоклассические проекты королевского дворца доминировали во французской архитектуре середины 18 века.

Анж-Жак Габриэль. Замок Малый Трианон. : Малый Трианон в парке Версаля демонстрирует неоклассический архитектурный стиль времен Людовика XVI.

После Французской революции вторая фаза неоклассицизма получила свое выражение в стиле Директории конца 18 века. Стиль Директории отражал революционную веру в ценности республиканского Рима.Этот стиль был периодом декоративного искусства, моды и особенно дизайна мебели, совпадающим с постреволюционным Французским управлением (2 ноября 1795 г. — 10 ноября 1799 г.). Стиль использует неоклассические архитектурные формы, минимальную резьбу, плоские просторы из высокозернистого шпона и прикладную декоративную роспись. Стиль Директории в первую очередь был создан архитекторами и дизайнерами Шарлем Персье (1764–1838) и Пьером-Франсуа-Леонаром Фонтеном (1762–1853), которые работали над Триумфальной аркой в ​​Париже, которая считается символом французской неоклассической архитектуры.

Триумфальная арка : Триумфальная арка, хотя и закончена в начале 19 века, является символом французской неоклассической архитектуры, которая доминировала в период Директории.

Хотя неоклассическая архитектура использует тот же классический словарь, что и архитектура позднего барокко, она имеет тенденцию подчеркивать ее плоские качества, а не скульптурные объемы. Проекции, спады и их влияние на свет и тень более плоские. Скульптурные барельефы более плоские и, как правило, обрамлены фризами, таблицами или панелями.Его четко сформулированные индивидуальные черты изолированы, а не взаимопроникают, автономны и завершены сами по себе.

Даже сакральная архитектура была классифицирована в неоклассический период. Пантеон, расположенный в Латинском квартале Парижа, изначально был построен как церковь, посвященная святой Женевьеве и служившая помещением для реликвария, содержащего ее мощи. Однако во время Французской революции Пантеон был секуляризован и стал местом упокоения икон Просвещения, таких как Вольтер и Жан-Жак Руссо.Дизайнер Жак-Жермен Суффло намеревался объединить легкость и яркость готического собора с классическими принципами, но его роль в качестве мавзолея требовала блокирования больших готических окон. В 1780 году Суффло умер, и его заменил его ученик Жан-Батист Ронделет.

Жак-Жермен Суффло (первоначальный архитектор) и Жан-Батист Ронделет. Пантеон. : Начат в 1758 г., завершен в 1790 г.

Подобно римскому храму, в Пантеон можно попасть через портик, состоящий из трех рядов колонн (в данном случае коринфских), увенчанных классическим фронтоном.В стиле, более близком к древнегреческому, фронтон украшен рельефами по всему треугольному пространству. Под фронтоном надпись на антаблементе переводится как: «Великим людям, благодарная родина». С другой стороны, на купол больше повлияли предшественники эпохи Возрождения и барокко, такие как собор Святого Петра в Риме и собор Святого Павла в Лондоне.

В интеллектуальном плане неоклассицизм был симптомом желания вернуться к воспринимаемой «чистоте» искусства Рима.Движение также было вдохновлено более расплывчатым восприятием («идеалом») древнегреческого искусства и, в меньшей степени, классицизмом эпохи Возрождения 16 века, который также был источником академической архитектуры позднего барокко. Есть штамм анти-рококо, который можно обнаружить в некоторой европейской архитектуре начала 18 века. Этот штамм наиболее ярко представлен в палладианской архитектуре грузинской Британии и Ирландии.

Лорд Берлингтон. Chiswick House : на дизайн Chiswick House в Западном Лондоне оказала влияние внутренняя архитектура Палладио, в частности, Вилла Ротонда в Венеции.Ступенчатый купол и фасад храма явно находились под влиянием римского Пантеона.

Тенденция к классике также прослеживается в классицизирующем духе архитектуры позднего барокко в Париже. Это прочная архитектура самоограничения, академически отобранная теперь «лучшим» римским образцам. Эти модели становились все более доступными для внимательного изучения с помощью архитектурных гравюр на обмерных рисунках сохранившейся римской архитектуры.

Французский неоклассицизм продолжал оставаться главной силой в академическом искусстве на протяжении 19 века и позже — постоянной противоположностью романтизму или возрождению готики.

Просвещение | Безграничная история искусства

Просвещение

Неоклассицизм был доминирующим художественным стилем эпохи Просвещения и черпал вдохновение в классическом искусстве и культуре Древней Греции и Рима.

Цели обучения

Опишите сдвиги в мышлении и произведениях искусства, характерные для эпохи Просвещения.

Ключевые выводы

Ключевые моменты

• Возникновение европейского неоклассицизма в изобразительном искусстве ок.1760 г. в противовес декадансу стилей барокко и рококо.
• Строгость и умеренность неоклассицизма перекликались с духом Французской революции.
• Французский художник Николас Пуссен был мастером неоклассического стиля.
• Неоклассицизм был особенно силен в тех областях, где классические образцы были наиболее многочисленны, например, в архитектуре и скульптуре. В живописи, напротив, было меньше классических предшественников, на которые можно было бы ссылаться.

Ключевые термины

• Неоклассицизм : Неоклассицизм — это название, данное западным движениям в декоративном и визуальном искусстве, литературе, театре, музыке и архитектуре, которые черпают вдохновение в «классическом» искусстве и культуре Древней Греции или Древнего Рима.
• Рококо : Рококо, также называемое поздним барокко, — это художественное движение и стиль 18-го века, которые повлияли на несколько аспектов искусства, включая живопись, скульптуру, архитектуру, дизайн интерьера, декорации, литературу, музыку и театр. .
• Просвещение : философское движение в Европе 17 и 18 веков; Эпоха Просвещения или Эпоха Разума подчеркивала рационализм.

Обзор

Просвещение, также известное как Век Разума, было движением, начавшимся в 18 веке в Европе и американских колониях.Ключевые фигуры движения стремились реформировать общество, используя силу разума. Эра Просвещения, начатая выдающимися философами того времени, длилась примерно с 1650 по 1800 год, способствуя развитию науки, разума и интеллектуального обмена. Идея распространения знаний посредством разума возникла в ответ на новые технологии и возможность легко обмениваться информацией благодаря массовой печати, а также из-за негативной реакции на предыдущие системы, которые превыше всего ценили церковь и традиции.Авторитет науки и эмпирической мысли все больше вытеснял религиозный авторитет, а дисциплины алхимии и астрологии теряли доверие, оставляя более легко подтверждаемые химию и астрономию. Научная мысль становилась все более развитой. Просвещение уже давно считается основой современной западной политической и интеллектуальной культуры.

Просвещение поощряло критику коррупции Людовика XVI и аристократии во Франции, что привело к началу Французской революции в 1789 году.В 1792 году Людовик XVI и его жена Мария-Антуанетта были обезглавлены вместе с тысячами других аристократов, которые считались верными монархии.

Искусство эпохи Просвещения

До эпохи Просвещения преобладающим художественным стилем было рококо. Когда Просвещение и его новые идеалы утвердились, рококо был осужден за аморальность, непристойность и снисходительность, и потребовался новый вид поучительного искусства, который стал известен как неоклассицизм. Вопреки легкомысленной чувственности художников рококо, таких как Жан-Оноре Фрагонар и Франсуа Буше, неоклассики вдохновлялись художником Николя Пуссеном.В своих работах Пуссен предпочитает линию цвету и в основном отличается ясностью, логикой и порядком. Его работы послужили альтернативой господствующему стилю барокко 17 века. Пуссен был главным источником вдохновения для таких классически ориентированных художников, как Жак-Луи Давид, Жан-Огюст-Доминик Энгр и Поль Сезанн.

Et в Аркадии Ergo Николаса Пуссена, ок. 1630-е годы : Пуссен пришел к определению неоклассического искусства с работы, в которой линия отдавалась предпочтению цвету и при этом явно отсутствовала легкомыслие.

Неоклассический стиль

Для неоклассицизма характерны ясность форм, сдержанные цвета, мелкое пространство и четкие горизонтали. Его вертикали делают предмет вневременным, а не временным, как в динамичных произведениях барокко, и изображают классический предмет — или классифицируют современный предмет. Неоклассики считали, что сильное рисование рационально и, следовательно, выше морально, и что искусство должно быть умственным, а не чувственным.

Неоклассики хотели выразить разумность и умеренность, соответствующие их временам.Художники, подобные Давиду, поддерживали повстанцев во время Французской революции с помощью искусства, которое требовало ясного мышления, самопожертвования перед государством (как в «Клятве Горациев») и строгости, напоминающей республиканский Рим.

Клятва Горациев Жака-Луи Давида, 1784 : Давид был чрезвычайно влиятельной фигурой в неоклассическом движении. Его сильное использование линий, баланса и геометрии соответствовало идеалам порядка и строгости механизма.

Неоклассицизм был наиболее сильным в архитектуре, скульптуре и декоративном искусстве, где классические модели в той же среде были относительно многочисленными и доступными.Архитектура рококо подчеркивает изящество, орнамент и асимметрию; Неоклассическая архитектура основана на принципах простоты и симметрии, которые считались добродетелями в искусстве Рима и Древней Греции и были более непосредственно взяты из классицизма эпохи Возрождения 16-го века.

Гранд тур и его портреты

Гранд-тур был обычным путешествием в Европу для богатых европейцев и некоторых американцев.

Цели обучения

Опишите остановки во время Гранд-тура по Европе

Ключевые выводы

Ключевые моменты

• Гранд-тур рассматривался как образовательный ритуал, как правило, для молодых мужчин, но иногда и для женщин.
• Традиция Гранд-тура была распространена на средний класс, когда во второй половине 18 века стали более распространены путешествия по железной дороге и на корабле.
• Grand Tour обычно включал изучение искусства в музеях и университетах, частных коллекциях и известных архитектурных объектах.
• Сувениры и сувениры стали важным элементом, поскольку они могли продемонстрировать особенности того, какое место было посещено, и что было увидено или приобретено.
• Художник Помпео Батони сделал карьеру, написав портреты английских туристов, позирующих среди римских древностей, и стал очень популярен в Риме.
• Картины Батони попали в многочисленные частные коллекции в Великобритании, что обеспечило популярность жанра в Великобритании.

Ключевые термины

• обряд посвящения : Церемония или серия церемоний, часто очень ритуализированных, чтобы отметить переходный период в жизни человека. Крещения, бар-мицвы, свадьбы и похороны — одни из самых известных примеров.

Гранд-тур был обычным путешествием в Европу, совершаемым богатыми европейцами и некоторыми американцами, традиция которого процветала примерно с 1660 по 1840 год.Поездка рассматривалась как образовательный обряд посвящения, как правило, для молодых мужчин, но иногда и для женщин. Он был задуман как средство культурного расширения и был связан с довольно стандартным маршрутом. Традиция Гранд-тура была распространена на средний класс, когда во второй половине 18-го века путешествия по железной дороге и на корабле стали более распространенными.

Маршрут путешествия обычно начинался в Дувре, Англия, и пересекал Ла-Манш в Остенде или Кале во Франции.Отсюда турист и «медведь-вожак» или наставник и, возможно, группа слуг могли арендовать карету и отправиться в Париж. Из Парижа они отправились в Швейцарию, затем в Испанию и Северную Италию. Оказавшись в Италии, турист посетит Турин и, возможно, проведет несколько месяцев во Флоренции и Венеции, что было воплощением Гранд-тура для большинства британских туристов. Из Венеции они поедут в Рим, чтобы изучить руины и шедевры и, возможно, к археологическим памятникам в Помпеях. Затем была немецкая часть Европы, такая как Вена, Дрезден, Берлин и Потсдам, и, наконец, Голландия и Фландрия, прежде чем отправиться домой.Поездка обычно включала изучение искусства в музеях и университетах, частных коллекциях и известных архитектурных объектах.

Паломничество получило дальнейшую популяризацию с появлением гидов, таких как Томас Кук, что стало синонимом Гранд-тура. Известно, что великие туристы путешествовали со свитой, в которую входили камердинеры, кучеры, ученый гид и, возможно, повар. Сувениры и сувениры стали важным элементом, поскольку они могли продемонстрировать особенности того, какое место было посещено, и что было увидено или приобретено.Их популярность создала своего рода индустрию, и цены росли по мере роста тенденции. Некоторые великие туристы приглашали художников из дома сопровождать их во время путешествий, рисуя виды, характерные для их личных маршрутов.

Несмотря на политические потрясения, Рим 18 века оставался желанным местом назначения. Для людей с достатком стало абсолютной необходимостью проводить время в Риме в рамках их «грандиозного тура» или образовательного паломничества. Город стал связующим звеном для этих туристов, а также для купцов и предприятий, возникших в результате их покровительства.

Растущая популярность Гранд-тура и связанное с этим стремление посетителей собирать «классические» сувениры быстро распространили неоклассический стиль по всей Европе. Это стало символом богатства и свободы — отправиться в Гранд-тур и показать что-нибудь в своем доме. Популярным сувениром Гранд-тура были портреты самих туристов, часто нарисованные на фоне архитектуры, или известные произведения искусства определенного европейского региона. Художник Помпео Батони сделал карьеру, написав портреты английских туристов, позирующих среди римских древностей.Он стал очень популярен в Риме, и его портреты британцев, путешествующих по городу, пользовались очень большим спросом. Есть записи о более чем 200 портретах приезжих британских покровителей, стоящих среди руин, и великих произведений искусства Батони. Эти картины попали в многочисленные частные коллекции в Великобритании, что обеспечило популярность жанра в Соединенном Королевстве.

Портрет Помпео Батони : Популярным сувениром Гранд-тура были портреты самих туристов, подобные этому, написанные среди архитектурных или известных произведений искусства определенного европейского региона.

Влияние Просвещения на искусство и архитектуру 18 и 19 веков — Видео и стенограмма урока

Просвещение и искусство

Этот урок должен быть довольно простым. Я имею ввиду, это очевидно, правда? Хорошее освещение очень влияет на способность художника создавать произведения искусства. Ой, погоди — Просветление, а не освещение. Да, это совсем другое дело.

Просвещение была философией, которая продвигала индивидуальное мышление и рациональную логику как более ценные, чем традиции.Мыслители Просвещения отвергли традиционные предположения обо всем и посвятили себя вещам, которые они могли продемонстрировать с помощью объективных научных экспериментов. Мы многое получили от эпохи Просвещения, от теории гравитации до Французской революции и американской конституции, которые бросили вызов традиционным идеям правления в пользу идеи, что все люди созданы равными. Что ж, неудивительно, что философия, свергнувшая правительства и помогла определить наше место во вселенной, также оказала заметное влияние на искусство.

Начало эпохи Просвещения началось в 18 веке, когда искусство было сосредоточено на легкомысленной жизни богатых и знаменитых в стиле рококо. Это пример того искусства:

И вот реакция на это с точки зрения Просвещения:

Философ читает лекцию в Оррери

Это Философ, читающий лекцию в Оррери , нарисованный Джозефом Райтом из Дерби около 1765 года.Драматические темные тени создают довольно сильный контраст со светлой, вычурной картиной в стиле рококо. Эти люди разного возраста и пола собраны вокруг модели солнечной системы, ища истину и самореализацию через науку, личное образование и интеллектуальные занятия.

Эта же идея отчасти отражена в этой части, Сцена завтрака Уильяма Хогарта. В этой сцене хозяин и хозяйка дома — молодые богатые аристократы — устали от вечеринок и различных дел.Управляющий домом с позором вскидывает руки, сжимая неоплаченные счета, а молодая пара тратит свое состояние на легкомыслие. Итак, с самого начала мы можем увидеть, как Просвещение поощряло образование и цивилизованные интеллектуальные занятия.

Сцена завтрака

Однако Просвещение не означало для всех одно и то же. Во Франции философ Жан-Жак Руссо утверждал, что люди от природы хороши, но искажены обществом.Это, в сочетании с верой Просвещения в индивидуальное равенство, привело к сильному сосредоточению внимания на крестьянской жизни. Жан-Батист-Симеон Шарден рисовал простые, спокойные сцены крестьян, ведущих чистую, нравственную и бескорыстную жизнь. Жан-Батист Грез создал сентиментальные сцены истинной радости, такие как эта крестьянская свадьба, которая отмечается с небольшой экстравагантностью, но чрезвычайно трогательна:

В эпоху Просвещения во Франции появилось искусство, ориентированное на простую и нравственную жизнь.

Эта идея была на самом деле довольно хорошо принята и в Соединенных Штатах, которые, конечно, только что стали страной в 1776 году.В стране, которая праздновала шанс любого крестьянина стать лидером, портреты изображали простых людей, которые оставили свой след в обществе, а не королей. Эта работа, написанная около 1770 года Джоном Синглтоном Копли, называется Портрет Пола Ревира :

ИСКУССТВО ИСТОРИЯ СТИЛЬНЫХ ПЕРИОДОВ

АРТ ИСТОРИЧЕСКИЕ ПЕРИОДЫ СТИЛЯ

ПЕРИОД СТИЛЯ ОПИСАНИЕ

доисторический (до написания) (15000 г. до н.э.) Пещера картины животных, небрежно выполненные, с большой живостью и подвижностью.Маленькая переносная скульптура.

Древний Ближний Восток ((от 3500 до 500 До н.э.) Маленькие статуи, Зиккураты, резные рельефы. Некоторые жестокие, некоторые спокойные и скромные. Повествование.

Египетские (3500 — 500 гг. До н.э.) Великие памятники (Пирамида гробницы) расписные гробницы, огромные статуи и небольшие изящные произведения. Условные обозначения скованного тела (скрученный торс). Очень упорядоченно и строго, много символизма.

Греческая (V век до н.э.) Красавица, Гармония, Порядок.В Идеализированный взгляд на человека. Храмы богам, города, театры и т.д. начало «западной культуры». Искусство ради искусства.

Римский (II век до н.э. — IV век до н.э.) век н.э.) Подобно греческому но более реалистично показывает людей такими, как они выглядят на самом деле. Очень рассказ. Новаторы в архитектуре.

Христианские (Запад) (Начало: 3 век нашей эры) Библейские темы. Немного обнаженных. Обучение искусству. Отойдите от реализма к символической форме.

Византийский (Восток) (с 6 по 15 века) Сохраняет Греческая гармония. Темы из Библии. Мозаики. Не очень реалистично.

Исламское (начало: 7 век) Декоративное искусство, во многом основанное на каллиграфия, слово Божие. Немногочисленные цифры. Сказочная архитектура.

Средневековый (романский) (12 века) Ранние средневековье — тяжелая архитектура, жесткие и часто кривые фигуры, нервные, возбужденные стиль.

Средневековый (готический) (13-14 века) великие соборы (Нотр-Дам) во французском стиле, который распространился по всей Европе. Двигайтесь к реализму как в фигурах, так и в украшение.

Итальянский ренессанс (14-16 века) Возвращение к идеалам Греческий и римский период. (Возрождение Греко-римский стиль). Человек как благородный, идеальное существо в сочетании с библейскими сюжетами. В основном религиозное искусство.

Северное Возрождение (14-16 века) Голландский, фламандский и немецкий Ренессанс.Двигаться к большему реализм и больше эмоций.

Барокко (17 век) занимает реализм из эпохи Возрождения и добавляет больше движения, драматизма, энергии, света, страсти.

Рококо (18 век) Очень декоративный, оживленный, беззаботный, богатый.

Романтизм (19 век) Высоко эмоциональные, иногда ужасающие или возвышенные образы. Образы разума или психики — часто литературные связь.

Неоклассицизм (19 век) Сурово линейный стиль — четкая линия. Круто, спокойно, классический.

Реализм (XIX век) Новая тематика: текущие события и современный мир. Пейзажи, натюрморты, жанровые сцены.

Импрессионизм (XIX век) Эффект запечатления света на поверхностях, особенно в пейзажных мотивах. Кисти более рыхлые, живописные эффекты создание ощущения или «впечатления» от изображения.

Постимпрессионизм (XIX век) Иногда называют неоимпрессионизмом. Два крыла: одно больше интересовалось формой и структурой, другое — больше в эмоциях и символике. 1. Сезанн, Сёра. 2. Гаугейн, Ван Гог.

Модерн (19 век) Декоративный, цветочные, нежные узоры — чувственные ритмы и арабески.

Экспрессионизм (1905)

Французский фовизм форма экспрессионизма, насыщенный цвет.Сглаженное пространство, прямая перспектива практически отсутствует. Лидер: Матисс.

Немецкий экспрессионизм — бледно-желтый цвет, более терпкий по настроению, наполненные тревогой эмоции. Умереть Брюке и Дер Группы Блауэ Райтера. Киршнер, Нольде, Кандинский, Марк, Бекманн, Кольвиц

Кубизм (1907) Граненый, ломаные формы, показывающие сразу много сторон. Некоторые африканские и океанические влияния. Лидер: Пикассо.

Международный архитектурный Стиль (1920-е 1970-е) Чистый, гладкая, архитектура без декора.

Дадаизм (1916) Антихудожественный, антирационализм. Искусство, сосредоточенное на идеях и утверждениях. Лидеры: Тристан Цара и Марсель Дюшан.

Сюрреализм (1924) Фокус о подсознании и мире снов и видений. Используется элементы случайности и случайности. Под влиянием современной психологии: Фрейда и Юнга. Лидеры: Андре Бретон, Дали, Миро.

Абстрактный экспрессионизм (1940-50-е годы)

Экшн Картина Очень личные, выразительные образы и манера письма.Обычно полностью абстрактный (без узнаваемых форм). Искусство, ориентированное на процесс. Также под влиянием современной психологии — хотя больше Юнга, чем Фрейда.

Горького, де Кунинг, Поллок.

Цветовое поле Живопись Насыщенная краска наносится либо ровно, либо в технике окрашивания. Ротко, Франкенталер.

Поп-арт (1960-е) Использование элементов коммерческого искусства в качестве прекрасного Изобразительное искусство. Уорхол, Джонс, Ольденбург.

Op Art (1960-е) Абстрактное искусство с упором на оптические эффекты.

Минимализм (действительно начался с Абсолютно абстрактного … очень мало форм. Иногда ассоциируется с Гештальт-психология.

Русский авангард около 1910 г., но

г.

этот стилистический термин используется в 1960-х годах.)

Всего абстрактные … очень мало форм. Иногда ассоциируется с гештальт-психологией.

Искусство перформанса (1970-е годы по настоящее время) Искусство через действия.Бойс, Андерсон.

Земляные работы (1970-е годы по настоящее время) Крупные проекты, часто включающие большие пространственные области реального пейзажа и много людей. Кристо, Смитсон, Холт.

Концептуальное искусство (1970-е годы по настоящее время) Ориентированный на идеи Изобразительное искусство.