Архитектура и живопись 18 века – развитие светской культуры (особенности живописи, архитектуры, литературы), противостояние «почвы» и «цивилизации»

Архитектура и живопись XVIII века

Архитектура рококо была связана не столько с придворным искусством, сколько с постройкой частных домов французской аристократии: загородных дворцов и городских особ­няков, а также городских ансамблей. Интерьеры построек рококо оформляются множеством скульптурных и резных украшений, зер­калами и живописью. Помещения часто имели криволинейные очертания и располагались асимметрично, скульпторы отказались от классической анфилады.

Неоклассицизм также нашел свое отражение во французской архитектуре, причем казалось бы в абсолютно разноплановых по­стройках. Малый Трианон построил для Людовика XV французский архитектор Жак Анж Габриэль (1698—1782). Здание, производя впечатление своей сдержанностью и благородной простотой, было одновременно парадным и строгим.

Жак Анж Габриэль был также проектировщиком площади Лю­довика XV в Париже (теперь площадь Согласия), площади, ставшей одним из красивейших городских ансамблей в Европе. В проектах Жака Анжа Габриэля ощущалось наступление новой эпохи в исто­рии архитектуры. Архитекторы неоклассицизма обращаются к ан­тичности, в их постройках появляются строгие колоннады и арки.

Другим важнейшим памятником неоклассицизма является зда­ние церкви Святой Женевьевы (архитектор Жак Жермен Суфло (1713—1780). В годы Французской революции церковь назвали французским Пантеоном (портик здания походил на портик древ-неримского Пантеона — храма всех богов). Здание Пантеона стало самой известной постройкой французского неоклассицизма, ныне там покоится прах величайших людей Франции.

Характерным признаком французской архитектуры неокласси­цизма стало стремление к простым, геометрически правильным формам. Эти архитектурные идеи нашли свое выражение в «Эссе об архитектуре» Марка Антуана Ложье (1711—1769), призывавшего строить простые здания, используя лишь необходимые элементы. Архитектурные новаторства Ложье были близки взглядам Ж.Ж. Рус­со, его стремлению к простоте.

Влияние просветительской философии на архитектуру прояви­лось и в возникновении так называемой «говорящей архитектуры», откровенно доносящей до зрителя замысел художника. Многие из проектов «говорящей архитектуры» остались лишь на бумаге, раз­делив судьбу многих утопий. Один из них — проект идеального города Шо,— принадлежал французскому архитектору Никола Леду (1737—1806). В проекте не было больницы и тюрьмы (так как болезни и преступления в будущем должны были исчезнуть). Архи­тектор стал философом, средствами своего искусства выражающим идеи просветителей и их мечту о переустройстве общества.

Влияние неоклассицизма можно проследить и в английской архитектуре. Собор Святого Павла в Лондоне был построен по проекту наиболее выдающегося английского зодчего Кристофера Рена (1632—1723). В Англии стремление к подражанию античным образцам породило местный стиль, получивший название «палла-дианство» в честь итальянского архитектора Андреа Палладио. Помещичьи усадьбы украшались классическим портиком с фрон­тоном, наподобие античных храмов. Идеальным окружением пал-ладианской виллы стал пейзажный парк — чисто английское изображение XVIII в. Регулярный (французский) парк был геомет­рически выверенным. Архитекторы Англии (передовой в политиче­ском развитии страны) увидели в строгой правильной схеме регулярного парка олицетворение государственной тирании веду­щей монархии Европы. Английским представлениям о свободе и независимости личности соответствовал парк, похожий на лес. Пейзажный парк создавал иллюзию нетронутой природы и стал называться английским парком, он мыслился как продолжение естественного ландшафта.

В английской архитектуре неоклассицизм был весьма распрост­ранен, найдя свое воплощение преимущественно в постройках частных усадеб и городских домов.

Интерес к античности в XVIII в. был настолько велик, что даже распространилась мода на искусственные, ложные руины (во мно­гом под влиянием раскопок Помпеи, начавшихся именно в середине XVIII в.). Ложные руины сооружались в английских парках и олицетворяли собой память о прошлом, ощущение тщетности человеческих усилий.

Построенная в Потсдаме королевская резиденция Сан-Суси, что в переводе с французского означает «без забот», стала памятником немецкого рококо. Построил его архитектор Георг Венцеслаус Кно-бельсдорф (1699—1753) для короля Пруссии Фридриха II.

Именно в Пруссии сложилась архитектура немецкого класси­цизма, примером которой являются знаменитые Бранденбургские ворота в Берлине архитектора Карла Готхарда Дангханса (1732— 1808).

Рококо был миром аристократического искусства, что проявилось в выборе тем и живописных средств.

Основоположником рококо в живописи считают французского художника Антуана Ватто (1684—1721).

В противоположность монументальному размаху барокко, для рококо характерны интимность сюжетов, изящество декоративных форм и светлые легкие краски.

Ватто занимался декорированием интерьеров для балов и мас­карадов аристократии, но в своих картинах «он стал писать видения иных празднеств, в которых не было ни грубости, ни пошлости жизни — пикники в вечнозеленых и вечно солнечных парках, га­лантные общества, где дамы и кавалеры, неизменно прекрасные и учтивые, предаются музицированию или тихой беседе; в этом мире мечты блеск шелковых нарядов никогда не отдает крикливостью, а быт пастушков и пастушек кажется продолжением церемонного менуэта» (1, 454).

Во Франции не было живописца равного по значению Ватто со времен Пуссена. Его любимой темой была жизнь светского обще­ства, и он стал поэтом светской галантности. На его картинах изображены галантные кавалеры и дамы из уходящего великого века версальской культуры. Однако светское общество, внушавшее ху­дожникам ранее лишь восхищение, Ватто воспринимает как пустое и суетное. Отсюда некоторая тоска и неудовлетворенность, мелан­холичность его произведений. Галантные сцены Ватто похожи на театральные постановки.

Ватто тонко чувствовал цвет, он строил свои картины на тон­чайших оттенках, писал нежными красками. Отказавшись от жес­ткой системы правил классицизма, Ватто погружается в мир человеческих чувств, неподвластных контролю разума. Герои его произведений ищут в жизни прежде всего счастья и наслаждений, уходя от утомительной действительности. Галантные празднества становятся основной темой произведений Ватто, причем сюжеты для этих произведений предоставляет отнюдь не только фантазия художника, но и его наблюдения за поведением образованных аристократов, пытавшихся превратить жизнь в изысканный теат­ральный спектакль. Центром такого спектакля становился диалог женщины и мужчины: изощренная система любовного ухаживания. Основную прелесть произведений Ватто составляет атмосфера сложной психологической игры, передача изящных чувств. Внима­ние художника к тонким психологическим нюансам отражает раз­витие личности в XVIII в., проявившееся уже в любовных переживаниях героев Руссо.

Учеником Ватто считал себя художник Франсуа Буше (1703— 1770), творчество которого также связано со стилем рококо. Буше, пользовавшийся особым покровительством всесильной фаворитки Людовика XV мадам де Помпадур, создал вариант придворного стиля рококо, манерного, легковесного. Он писал пасторальные и любовные сцены, сельские пейзажи.

Подобно Ватто и Буше часто обращался к галантным сценам Жан Оноре Фрагонар (1732—1806), его творчество также можно отнести к стилю рококо.

От работ мастеров рококо и по стилю, и по содержанию отличались творения художников, которых можно отнести скорее к стилю неоклассицизма. Художники этого направления обращались к жизни простых людей своего времени, отражая ее в жанровых сценах. Крупнейшим мастером жанровой живописи стал Ж.Б. Шар-ден.

Жан Батист Шарден (1699—1799) в качестве сюжетов для своих картин выбирал сцены повседневной жизни людей, принадлежав­ших не к аристократии, а к третьему сословию. Здесь нет роскоши и праздности,, а есть скромность и труд. Персонажи Шардена трудолюбивы и добродетельны. Его картины еще нельзя назвать нравоучительными, но уже один из его последователей

Жан Батист Грез (1725—,1805) видит в своем искусстве средство нравственного воспитания человека. Не случайно работами Греза восхищался Дени Дидро, видевший в искусстве средство, которое «заставило бы нас любить добродетель и ненавидеть порок».

Идеи философов Просвещения, утверждавших, что с помощью искусства можно воспитать в человеке нравственное начало и искоренить пороки, оказали влияние и на творчество английских художников. Уильям Хогарт (1697—1764) создает целые циклы картин, объединенных сюжетом обличительного характера. Так неравный брак стал темой для цикла из шести его картин под названием «Модный брак». Заурядная житейская история брака по расчету между богатой девушкой из буржуазной семьи и обедневшим аристократом заканчивается трагично: муж погибает на дуэли, жена отравлена. Художник предстает не только как обличитель нравов, но и как психологически тонкий наблюдатель.

В отличие от назидательного Хогарта такие английские худож­ники какДжошуа Рейнолдс (1723—1792) и Томас Гейнсборо (1727— 1788) свободно соединяли в своем творчестве разные стили. Оба художника были замечательными портретистами. Рейнолдс стал первым президентом основанной в Англии Королевской академии художеств, а в своих лекциях более всего превозносил историческую живопись, надеясь на ее возрождение, ведь в его времена единст­венным жанром, пользовавшимся спросом, был портрет. Хогарт, например, добился известности и благосостояния лишь благодаря гравюрам со своих картин. Соперником Рейнолдса был Гейнсборо, отличавшийся особой свободой в выборе живописных средств, но не жанра, поскольку он также существовал лишь благодаря заказ­ным портретам, хотя и считал себя прежде всего пейзажистом.

В XVIII в. не только английское общественное устройство, но и английские вкусы и моды становились притягательными для европейцев, вдохновленных идеями Просвещения.

Английские пейзажисты XVIII в., во многом подготовившие расцвет английского романтического пейзажа в начале XIX в., запечатлели неоклассицистские особняки, пейзажные парки и ру­ины, украшавшие усадебные ансамбли.

Ведущим стилем итальянской живописи XVIII в. оставалось по-прежнему барокко, что возможно во многом было связано с той ролью, которую в жизни страны играла католическая церковь. Хранителем традиций итальянского барокко был Джованни Батти-ста Тьеполо (1696—1770). Художник создавал фрески в дворцовых постройках не только Италии, но также Германии и Испании. Его монументальные росписи хранили традиции итальянского Возрож­дения и причудливую фантазию барокко: античные сюжеты, алле­гории, массу персонажей и при этом изысканный небесный колорит.

В итальянской живописи распространен был и жанр городского архитектурного пейзажа, представлявший панорамные виды Вене­ции. Передавая праздничность города, точно воспроизводя архи­тектурные детали, художники навсегда сохранили облик красивейшего города Италии.

magref.ru

9.1 Искусство России XYIII века. Архитектура, живопись. | Искуству.ру

Архитектура

РАННЕЕ (ПЕТРОВКОЕ) БАРОККО
строгая геометрия и «регулярность» планов, скромность декора и убранства, сочетание отдельных ордерных элементов с барочными деталями.
Доменико Трезини. Ок. 1670 — 1734. Инженер-строитель и архитектор.
Доменико был итальянцем, родом из Швейцарии.
С 1699 года он работал в Дании, откуда в 1703 году русский посол А. П. Измайлов пригласил его на русскую службу как фортификатора. Это определило судьбу архитектора: до конца своих дней он будет жить и работать в Санкт-Петербурге.
Будучи ближайшим помощником Петра I, Трезини фактически возглавлял все строительство в Санкт-Петербурге. По его проектам заложены Кронштадт и Александро-Невская лавра, в 1706 году начата перестройка Петропавловской крепости в камне.

Петропавловская крепость в Санкт-Петербурге. 1703—1740 Петропавловская крепость — старейший из архитектурных памятников Санкт-Петербурга. Дата закладки крепости на Заячьем острове — 16 (27) мая 1703 года — считается датой основания города.

Крепость «бастионного начертания» имеет 6 бастионов, фланги которых соединены куртинами (крепостными оградами).
С 1706 года началось возведение новых укреплений в кирпиче и камне. 3 мая 1706 года Петр I собственноручно заложил бастион Меншикова. Работы продолжались до 1734 года, когда был закончен Государев бастион.

Доменико Андреа Трезини
Петровские ворота
Петропавловской крепости

29 июня 1703 года в крепости был торжественно заложен в присутствии Петра I деревянный собор во имя святых Петра и Павла. В 1712—1733 годах был сооружен каменный Петропавловский собор. Он стал Императорской усыпальницей — первым в еще недостроенном здании был похоронен император Петр I.

Силуэт Петропавловской крепости играет ключевую роль в архитектурном образе невской акватории. Бастионы и куртины крепости, возвышающиеся над узкой береговой полосой, формируют панораму центра города. В их геометрически правильных очертаниях преобладают горизонтальные членения, над которыми возвышается Петропавловский собор.

В 1716 году Петр I принял решение превратить Васильевский остров в центральный район столицы и сосредоточить на нем основные государственные учреждения. Проект планировки острова, выполненный Леблоном, не получил утверждения, и разбивка жилых кварталов была осуществлена архитектором Д. Трезини по собственному проекту.
Трезини выполнена часть регулярной планировки Васильевского острова, выстроены Летний дворец Петра I в Летнем саду.

К. Ф. Койе. План Петербурга, 1721 г. Швеция, Королевский военный архив.

Здание Двенадцати коллегий. Арх. Д.А.Трезини. 1722—1742. Общий вид
Еще один памятник Петровского барокко – здание Двенадцати коллегий. Архитектор Трезини оригинально решил поставленную Петром задачу «о равноправии всех коллегий». Здание представляет собой двенадцать одинаковых построек, поставленных вплотную друг к другу в одну линию, растянувшуюся на 383 метра, объединяет их общий сквозной коридор.

Двенадцати коллегий здание в Санкт-Петербурге. Арх. Д.А. Трезини. 1722—1742 . Общий вид

Коллегии расположены торцом к набережной Невы, но это не ошибка в проектировании и не случайность: здание располагалось по красной линии одного из каналов, ныне засыпанных, а в петровское время прорезавших весь остров. Таким образом восточный фасад, обращенный ныне к скверу, выходил на главную площадь Васильевского острова, который предполагалось превратить в центральную часть города.

Коллегии задают городской масштаб и определяют вершину последовательного «нисхождения» трезиниевских типов построек в новой регулярной столице: от образцового здания высших органов империи к блокам типовых «домов для именитых», «домов для зажиточных» и, наконец, «домишек для подлых». Но все они будут поставлены вдоль красной линии — не важно, какой: канала, набережной реки или улицы.

Джованни Фонтана Меньшиковский дворец (палаты)
На Васильевском острове расположен и первый парадный дворец Петербурга – резиденция генерал-губернатора. Меньшиковские апартаменты, в которых устраивались приемы и ассамблеи, — характерный образец богатого петербургского дворца, выходящего главным фасадом на набережную. Со стороны Невы была устроена небольшая гавань, к которой причаливали шлюпки с гостями. Позади главного дома располагался обширный сад и нескончаемые ряды хозяйственных построек – типичная русская усадьба с натуральным хозяйством.

Кунсткамера
Усердие, с которым царь Петр пополнял свою коллекцию всяческих редкостей и «уродцев», привело к необходимости возведения специального здания. Проектирование будущей Кунсткамеры было поручено немецкому зодчему Маттарнови, по проекту которого на набережной Васильевского острова выросло сооружение оригинального композиционного решения. Характерный силуэт из двух симметричных корпусов с башней посередине, в которой была расположена обсерватория, венчал глобус. Сильно пострадавшая от пожара и восстановленная только в 1948 башня Кунсткамеры и сейчас является одним из основных составляющих невского пейзажа.

Живопись первой 18 века

Никитин, Иван Никитич (около 1680 — не ранее 1742) — живописец, портретист. Его справедливо называют основателем русской портретной живописи XVIII века. В судьбе художника принимал участие Петр I, гордившийся его дарованием и успехами в портретной живописи. Одним из первых русских художников Никитин был послан учиться в Италию. Творчество Никитина — пример эволюции живописного мышления начала XVIII века: от средневековой художественной традиции к освоению европейского изобразительного языка. 

О ранних годах обучения художника ничего не известно. Первоначальные художественные навыки он получил, вероятно, под руководством голландца А. Шхонебека в гравировальной мастерской при Московской Оружейной палате. В 1711 году вместе с гравировальной мастерской Никитин был переведен в Петербург. Писать портреты он, судя по всему, выучился самостоятельно, изучая и копируя имевшиеся в России работы иностранных мастеров. Благодаря родственникам, служившим в придворных церквах, Никитин быстро занял прочное положение в окружении Петра I. Он пишет портреты владетельных особ.

В ранних портретах прослеживается явная связь с парсунами конца XVII столетия. Их отличает жесткое письмо, глухие темные фоны, плоскостность изображения, отсутствие глубокого пространства и условность светотеневой моделировки.

Поездка в Италию мало что изменила в творческих принципах Никитина. Он сохранил главные свои особенности: общий реализм живописи и прямоту живописных характеристик.
Одной из лучших работ художника не без оснований считают «Портрет напольного гетмана».
В нем впечатляет психологическая яркость облика, выразительность черт лица. Свою роль играют все компоненты, формирующие восприятие зрителя: контрасты светотени, теплый, несколько мрачный колорит, сочетающий коричневые, золотые и розовые, пластичная лепка головы, деталей и складок одежды, наконец, общий характер портрета, лишенного каких-либо признаков парадности и представительности.
Черты интимности придают изображению особую психологическую убедительность, и в этом прежде всего заключено новаторство Никитина, предвосхитившего путь дальнейшего развития русского портретного жанра.

Портрет царевны Прасковьи Ивановны. 1714. ГРМ.

Портрет напольного гетмана.
1720-е годы. ГРМ.

Петр I на смертном ложе. 1725. ГРМ
Изображение Петра I на смертном ложе исполнено личной скорби и ощущения торжественности момента. Художник скорбит о потере и полон чувства глубокого уважения к почившему. Под кистью мастера живописное произведение звучит как реквием.
Портрет Никитина создан как будто в один сеанс, как этюд, почти a la prima. Он дает наглядное представление о манере письма живописца, работавшего легкими жидкими мазками, сквозь которые просвечивает красно-коричневый грунт. Именно такой грунт почти всегда использовал Никитин.

Матвеев, Андрей (между 1701 и 1704 — 1739) — живописец, портретист, иконописец, автор аллегорических, декоративно-монументальных композиций. Первый русский художник, получивший западноевропейское художественное образование.
В 1716 году по указу Петра I талантливый мальчик недворянского происхождения был послан для обучения живописи в Голландию. С сентября 1717-го по сентябрь 1723 года он учился в Амстердаме у А. Боонена. Начинающий живописец провел в Голландии и Фландрии одиннадцать лет.

Самое интересное из оставшегося наследия Андрея Матвеева — это его портреты. Их дошло до наших времен очень немного, среди них: «Аллегория живописи» (1725)

Автопортрет с женой. 1729 (?) Это единственный семейный портрет в русской живописи первой половины XVIII века.

«Парные портреты князей Голициных» (1728).
Портрет А.П. Голицыной. 1728

Скульптура

Растрелли, Бартоломео Карло (1675-1744) – итальянский скульптор и архитектор. Работал в 1715-1744 годах в России, в Санкт-Петербурге. Развивал тип парадного барочного портрета. Основоположник стиля барокко в отечественной скульптуре.
Растрелли фактически сосредоточил свое творчество в области скульптуры портретного жанра. Барочная пышность и стремление передать фактуру материала сочетаются в растреллевских произведениях с достоверной убедительностью характеристики модели.

Скульптор много и плодотворно работал над образом Петра I. Еще в 1719 году он сделал маску Петра I (ГЭ), которая послужила прообразом известной бронзовой скульптуры Петра I (1723-1729. ГРМ, ГЭ).

Петр I. Бюст. Скульптор Б.К. Растрелли. 1723-1729. ГРМ
Одно из лучших произведений Б.К. Растрелли. В облике царя зримо продемонстрированы ум, воля и энергия. Перед зрителем предстает не просто значительная личность, а государственный деятель исключительного масштаба.
Жизненность в передаче подробностей по-барочному сочетается в произведении с пышной декоративностью, с изощренным мастерством в передаче фактуры и деталей одежды, а так же изображений на щитках панциря, где запечатлены эпизоды Полтавского сражения и аллегорическая композиция, представляющая самого царя, «молотом и долотом» высекающего из каменной глыбы фигуру новой России.

Анна Иоанновна с арапчонком. Скульптор Б.К. Растрелли. 1741. ГРМ

Многие годы маэстро трудился над конным монументом Петра I, отлитым уже после смерти мастера в 1747 году под руководством Ф. Б. Растрелли, сына скульптора и впоследствии прославленного архитектора. Монумент был установлен лишь в 1800 году перед Михайловским замком.

К.Б. Растрелли представил Петра как бы обозревающим новую столицу, свое любимое детище. Глаза под большими дугами бровей «всевидящим» взглядом пронизывают город. Фигура императора поражает гипертрофированными формами — мощные плечи, широкая грудь, чрезмерно крупные ладони. На Петре тяжелый кованый панцирь рыцарских времен, на голове пышный лавровый венок. Левой рукой он держит поводья коня, а правой сжимает жезл полководца.

Князь А.Д. Меншиков. Бюст. Скульптор Б.К. Растрелли. 1716—1717. ГРМ
Б.К. Растрелли создал целый ряд портретных бюстов, которые далеко не все дошли до нашего времени. Особенно следует отметить бюст А.Д. Меншикова (ГРМ), выполненный в мраморе И.П. Витали в 1849 по несохранившемуся восковому оригиналу. В парадной скульптуре исторически точно переданы индивидуальные черты верного сподвижника Петра I.

Архитектура

Петергоф. Арх. Ф.Б. Растрелли. 1747—1755. Большой дворец и Большой каскад. Гравюра Ш. Нике по рисунку Ш. де Леспинаса. II половина XVIII в. ГНИМА

Одно из лучших произведений Франческо Бартоломео Растрелли – Смольный монастырь — замечательный образец русского барокко XVIII века. Столичный монастырский ансамбль разработан зодчим с исключительным великолепием и размахом.
Смольного монастыря собор в Санкт-Петербурге. Арх. Ф.Б. Растрелли. 1748—1764 . Проектная модель Смольного монастыря. 1750—1756
Проектная модель Смольного монастыря была выполнена по чертежам Ф.Б. Растрелли в масштабе 1:62 группой мастеров под руководством Якоба Лоренца. Модель представляет замысел великого барочного мастера во всем его совершенстве. Однако на практике проект не был осуществлен полностью, к тому же при строительстве был внесен целый ряд изменений. Кульминационной точкой всего ансамбля должна была стать колокольня над въездными воротами со стороны города. Ее расчетная высота составляла 140 метров, что на 18 метров выше шпиля Петропавловской крепости. Из-за высокой стоимости и технических сложностей от возведения колокольни в итоге отказались, хотя она и была заложена в 1761 году.

С 1752 по 1756 год при императрице Елизавете Петровне Ф. Б. Растрелли возглавлял строительство загородной резиденции русских царей в Царском селе. В этот период он заново перестроил весь Большой (Екатерининский) дворец.

Зимний дворец — один из самых знаменитых барочных памятников России, построенный Франческо Бартоломео Растрелли в царствование Елизаветы Петровны.
Он принадлежит к числу высших достижений отечественного зодчества XVIII века. Дворец задуман и осуществлен в виде замкнутого четырехугольника с обширным внутренним двором. Его фасады обращены на Неву, в сторону Адмиралтейства и на площадь, в центре которой Ф.Б. Растрелли предполагал поставить конную статую Петра I. Сложный ритм колонн, богатство и разнообразие форм наличников, обилие лепных деталей, множество декоративных ваз и статуй, расположенных над парапетом и над многочисленными фронтонами, создают исключительное по своей пышности и великолепию декоративное убранство здания. Южный фасад прорезан тремя въездными арками, которые ведут в парадный двор, где в центре северного корпуса находился центральный вход во дворец.

Зимний дворец (сейчас Государственный Эрмитаж). 18 в. Санкт-Петербург. 1754 — 1762. Арх. Ф.Б.Растрелли

Парадная Иорданская лестница расположена в северо-восточном углу здания.

Основное здание Мариинского театра (Театральная площадь, дом № 1) было построено архитектором А. К. Кавосом в 1847—1848 годах и затем восстановлено после пожара в 1860 году.
Собственно Мариинский театр, названный так по имени супруги Александра II императрицы Марии Александровны, открылся 2 октября 1860 года оперой Михаила Глинки «Жизнь за царя».

Живопись второй половины 18 века

Развитие искусства в Европе подвигло графа И. И. Шувалова на представление императрице Елизавете Петровне предложения о необходимости завести «особую трёх знатнейших художеств академию». Иван Иванович предполагал открыть её в Москве, при задуманном им университете, но в результате Академия художеств была учреждена в 1757 г. в Петербурге, хотя первые 6 лет числилась при Московском университете.
В Петербурге Академия первоначально размещалась в особняке Шувалова на Садовой. С 1758 г. здесь начались учебные занятия. Учебный курс длился 9 лет и включал изучение искусства гравюры, портрета, скульптуры, архитектуры и т.п. С 1760 г. лучшие выпускники отправлялись на стажировку за границу на средства Академии. В 1764 — 1788 г. для Академии было построено специальное здание (Университетская набережная, 17; архитекторы А. Ф. Кокоринов и Ж. Б. Валлен-Деламот). Сейчас в этом здании расположен Санкт-Петербургский государственный институт живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е. Репина, а также Научно-исследовательский музей Российской академии художеств, архив, библиотека, лаборатории и мастерские.

Инаугурация Императорской Академии художеств 7 июля 1765 года, картина В. Якоби

Антон Павлович Лосенко (1737—1773) — русский художник, представитель классицистического искусства, основоположник исторического жанра в отечественной живописи.
На дарование молодого художника обратил внимание И. И. Шувалов, президент только что открытой Академии трех знатнейших художеств, и в 1758 году Лосенко зачисляют ее воспитанником.

Жертвоприношение Авраама (Авраам приносит в жертву сына своего Исаака). 1765. ГРМ
Стала итогом обучения в Париже.
Сюжет заимствован из Ветхого завета (Быт 22:2-12).
Картина получила первую золотую медаль Парижской Академии художеств. В ней Лосенко стремился избежать излишней декоративности и продемонстрировал основные принципы своего живописного кредо: передачу «красоты натуры» и построение эмоционально насыщенной композиции.

Прощание Гектора с Андромахой. 1773. ГТ

Владимир и Рогнеда. 1770. ГРМ.
Картина стала первым в истории отечественного искусства полотном, посвященным древнерусской истории.
За произведение на сюжет из древнерусской истории «Владимир и Рогнеда» А.П. Лосенко получил в 1770 году звание академика и был назначен профессором живописи.

Расцвет портретного жанра во второй половине 18 века. Интерес к интимному миру человека.

Рокотов, Федор Степанович (1735[?]—1808) — крупнейший русский портретист. Его работы относятся к лучшим достижениям русской портретной живописи ХVIII века. Творческий путь художника был долгим: когда он впервые взял кисть в руки, был еще жив И.Я. Вишняков, в последние годы жизни Рокотова свои первые произведения уже создавал О.А. Кипренский.
был начисто забыт потомками. Память о нем едва теплилась в XIX веке. Его произведения пришлось заново открывать художникам «Мира искусства» на своих знаменитых выставках: 1902 года и «Таврической» 1905 года.

Портрет Ф. Г. Волкова. 1760 ГРМ.

Портрет великого князя Павла Петровича в детстве. 1761. ГРМ Какое славное мальчишечье лицо! Какой открытый и добрый человечек — и Ф.С. Рокотову удалось это передать. Но что делает с человеком российская среда, не обязательно даже императорский двор… Каким неврастеником с болезненным самолюбием Павел Петрович в сорок два года от роду взойдет на царский престол — озлобленный и нетерпимый к людям, к своему окружению, к тем, кто через несколько лет убьет его.

Портрет императрицы Екатерины II. 1763. ГТГ .
Ф.С. Рокотов использовал профильное построение портрета, чтобы подчернкуть ритуальную значимость изображения. Портреты в профиль редко встречаются в русском искусстве XVIII столетия. В них обязательность привносилась некоторая идеализация модели; они вызывали у современников ассоциации с античными камеями, римскими медалями и монетами, на которых чеканили профили лиц императоров.
Портрет породил многочисленные копии в гравюре и миниатюре, а также послужил поводом для создания поэтических описаний-экфрасисов.

Портрет княжны Е.Б. Юсуповой. Конец 1750-х — начало 1760-х гг. ГРМ К середине 1760-х годов Рокотов становится, как пишет Г. Реймерс, высоко ценимым портретистом. Он создает портретную галерею представителей самых родовитых семейств
На портрете она изображена совсем юной, еще почти девочкой. В этом раннем рокотовском произведении чувствуется влияние Л. Токе, одного из учителей художника. Превалируют голубоватые холодные тона, как в пастельной живописи, что свойственно Токе и стилю рококо. Тип лица также характерен для творческой манеры французского портретиста. Но глаза написаны по-иному: с легкими тенями и лессировками, что предваряет рокотовское письмо 1770-х — 1780-х годов.

Портрет княгини А.А. Куракиной. Кон. 1760-х — нач. 1770-х гг. Тверская картинная галерея.
Княгиня Аграфена (Агриппина?) Александровна Куракина (1734—1791) изображена во всем блеске своих драгоценных украшений. На ее шее черная длинная бархотка с бриллиантовым крестом, скрепленная большим алмазом. В ушах круглые бриллиантовые серьги.
Несмотря на то что дублированный холст не подписной, композиция, колорит, мазки и проработка всего портрета свидетельствуют об авторстве Ф.С. Рокотова.

С переездом в Москву заканчивается ранний период жизни и творчества Федора Рокотова.
В своем родном городе художник в основном работает по частным заказам, хотя ему и пришлось выполнять отдельные поручения Академии художеств. Рокотов стал, таким образом, одним из первых в России «вольных художников», независимых от государственной службы.
В московский период Рокотов создал целые родовые галереи.
Из московских произведений выделяется Портрет В.И. Майкова. 1775. ГТГ
Портрет В.И. Майкова отличается натурной точностью и объективностью характеристики модели.

Левицкий, Дмитрий Григорьевич (1735—1822) — выдающийся русский живописец, портретист. Писал парадные и камерные портреты, в которых запечатлел облик многих своих современников.
Жизнь и творчество живописца выпали на Екатерининскую эпоху, дух которой как нельзя ярко выразили его парадные и камерные портреты современников.

Портрет П.А. Демидова. 1773. ГТГ.

Во 2 половине 18 столетия среди современников за исключением, пожалуй, только Ф. С. Рокотова, Левицкий не имел себе равных в камерном портрете. С непревзойденной тонкостью он был способен проникнуть в индивидуальность человека. Мастер создает целую галерею портретов Портрет Дени Дидро. 1773—1774 гг. Музей искусства и истории. Женева Художественные свойства портрета французского философа определяются стремлением передать индивидуальные качества личности и вместе с тем вынести ей этическую оценку. Слияние этих двух сторон портретного образа — характерная особенность русского камерного портрета XVIII столетия.

Портрет Е.Н. Хрущевой и Е.Н. Хованской. 1773. ГРМ
Общепризнанным успехом живописца стала серия портретов смолянок — питомиц Воспитательного общества благородных девиц при Смольном монастыре (позже — Смольный институт). Левицкий приступил к работе в начале 1770-х годов, очевидно, по заказу И. И. Бецкого. В знаменитой портретной сюите смолянок художник должен был сделать очевидными плоды просвещенного воспитания, за которое так ратовала Екатерина II.

Портрет Е.Н. Молчановой. 1776. ГРМ
Ярко эмоционален портрет Е.Н. Молчановой. Художник восхищен неповторимым очарованием восемнадцатилетней девушки — прекрасной, немного грустной и едва улыбающейся. Молчанова в нарядном белом шелковом платье, установленном для воспитанниц Смольного института старшего возраста. Физический прибор, антлия-вакуумный насос, использовавшийся как пособие при обучении, и французский томик призваны указать на широкую образованность Молчановой, которая окончила курс с большой золотой медалью.

Портрет Екатерины II — законодательницы в храме богини Правосудия. 1783. ГРМ
Исследователи не располагают сведениями о том, что Д.Г. Левицкий когда-либо писал Екатерину II с натуры, но в данном случае это было не столь важно. На огромном парадном холсте образ монархини аллегоричен. Мудрая и прекрасная Законодательница, изображенная Левицким, а затем воспетая Державиным как Фелица, — добродетельная государыня, жертвующая покоем ради благоденствия своих поданных, — совсем не схожа с реальной Екатериной II. Добиваясь величия выражаемой идеи и монументальности формы, предопределенных сложной литературной программой, живописец намеренно отошел от портретного сходства.

Боровиковский, Владимир Лукич (1757—1825) — выдающийся российский портретист. Мастер религиозной живописи. Славу художнику принесли многочисленные портреты высочайших особ и петербургской знати. Многие из них выполненные в духе сентиментализма.

Сентиментальные настроения в творчестве Боровиковского коснулись и изображения монархини. Екатерина II на прогулке в Царскосельском парке (с Чесменской колонной на фоне). 1794.
Камерные портреты Боровиковского открыли новую страницу в русском искусстве. Образы трактованы как личности со своим глубоко индивидуальным душевным миром.
Портрет М.И. Лопухиной. 1797
Атрибуты и антураж призваны играть новую роль: выявлять не общественное положение изображенного лица, а его личностные качества.
Окружением портретируемой служит пейзаж, и лейтмотивом композиции становится слияние человека с природой. Для эстетики конца XVIII века подобная тема особенно характерна. Правда, в пейзаже еще много условного — сельская природа под кистью художника декоративна и напоминает театральный задник. Но Боровиковского уже привлекают особенности русской природы: белые стволы берез, васильки, колосья ржи.

Портрет Г.Р. Державина. 1795

Портрет Е.Г. Темкиной. 1798.
ГТГ.
Дочь императрицы Екатерины II и светлейшего князя Г.А. Потемкина-Таврического. На портрете ей 23 года. Современники находили, что она похожа на отца.

Боровиковский. Портрет сестер А. Г. и В. Т. Гагариных.

Бытовой жанр

М.Шибанов. Крестьянский обед

М.Шибанов. Празднество свадебного договора

Скульптура второй половины 18 века

Фальконе, Этьен Морис (1716—1791) — выдающийся мастер французской скульптуры века Просвещения.
Автор знаменитого памятника императору Петру I на Сенатской площади в Санкт-Петербурге.

Шубин, Федот Иванович (1740—1805) — крупнейший русский скульптор XVIII века, работавший в жанре портрета. Представитель просветительского классицизма в искусстве. Профессор Академии художеств.
В его скульптуре – острота социальных характеристик.

Портрет князя А.М. Голицына. 1773. ГТГ .
Первой работой Шубина после возвращения в Россию в 1773 году стал бюст екатерининского дипломата, вице-канцлера князя А.М. Голицына. Это одно из самых блестящих произведений скульптора (гипсовая отливка — в ГРМ; мрамор — ГТГ). В облике просвещенного вельможи чувство превосходства над окружающими и барственность сочетаются со светским лоском, тонким умом и одновременно — с усталостью стареющего человека. Образ Голицына многозначен: сквозь надменность и величие князя просматриваются скептицизм и разочарование русского вольтерьянца.

Портрет М.В. Ломоносова. 1792. ГРМ
В 1792 году Шубин по памяти создает портрет М.В. Ломоносова. Скульптор дает выразительную, правдивую и меткую характеристику выдающемуся отечественному ученому, первому русскому академику. В отличие от других, эта шубинская работа композиционно проста. В трактовке формы нет никаких элементов парадности и официозности. Портрет насыщен глубокой интеллектуальностью и демократизмом. В нем явно видны черты реалистической стилистики.

Многогранен и в этой многогранности противоречив созданный скульптором Портрет Павла I. 1800. ГРМ
Шедевром портретного искусства Шубина является бюст Павла I. Портрет, выполненный в парадном жанре, по традиции изобилует звездами, орденами и прочими знаками отличия. Однако Шубин, что намного важнее, всегда цепко схватывал неповторимые особенности внешнего облика человека, стремясь выразить его духовные свойства. Скульптор раскрывает в Павле I сложность его характера: надменность, холодную гордость, болезненное самолюбие и вместе с тем скрытое страдание и незащищенность его «Я».
Как это ни покажется странным, императору понравился его портрет в шубинском исполнении.

Самсон, раздирающий пасть льва. Фонтан в Петергофе. Скульптор М.И. Козловский. 1800-1802 . Героический пафос.
В самом конце XVIII в. лучшие русские ваятели были привлечены к работе по обновлению скульптур Большого каскада в Петергофе. В 1800-1802 годах М.И. Козловский (1753 — 1802) создал для петергофского каскада статую Самсона. Скульптура помещена в центре Большого ковша фонтанов. Она являла собой аллегорию победы Петра I над Швецией.
Статуя бесследно пропала во время ВОВ. После войны по образцу была выполнена новая модель скульптуры.

Архитектура второй половины 18 века

К раннему классицизму в русской архитектуре относится здание Академии художеств (1765-88). После смерти А.Ф.Кокоринова строительство заканчивалось под руководством Фельтена и Е.Соколова.
Академия художеств (1764-1788). Архитекторы Александр Филиппович Кокоринов (1726 — 1772), Ж.Б.М.Валлен-Деламот. Лепные украшения интерьеров скульптор — В.И.Демут-Малиновский.

Дом Пашков возведен в 1784-1786 годах для капитан-поручика лейб-гвардии Семеновского полка П. Е. Пашкова. Предположительно его строителем считают крупнейшего русского зодчего В.И. Баженова. В 1812 году дом был уничтожен пожаром, а затем восстановлен. Архитекторы пытались восстановить дом по изображениям XVIII века таким, каким он был создан изначально.

Царицыно. Архитектурный ансамбль. Арх. В.И. Баженов. 1776—1785.
В 1775 году Баженов получил новый заказ от Екатерины — составить проект подмосковной царской усадьбы в виде ряда отдельных павильонов, похожих на ходынские «увеселительные строения».
Недалеко от Коломенского, славившегося красотой пейзажа и древними зданиями, у родственников писателя начала XVIII столетия Кантемира была куплена небольшая усадьба, носившая название «Черная грязь». Здесь и началась постройка царской подмосковной резиденции, получившей вскоре новое название «Царицыно».

iskusstvu.ru

Презентация «Живопись. Архитектура. XVIII век»

Презентация на тему: Живопись. Архитектура. XVIII век

Скачать эту презентацию

Скачать эту презентацию

№ слайда 1 Описание слайда:

Живопись. Архитектура. XVIII век

№ слайда 2 Описание слайда:

Антон Павлович Лосенко (1737 — 1773) — художник, основоположник русской исторической живописи. А.П. Лосенко родился на Украине в казацкой семье. Учился живописи в мастерской И.П. Аргунова. В 1758 г. он стал студентом Академии художеств, а немногим позже его отправляют сначала во Францию, а потом в Италию для совершенствования мастерства. После написания картины «Владимир и Рогнеда» в 1770 г. А.П. Лосенко стал академиком, профессором и директором Академии художеств.

№ слайда 3 Описание слайда:

«Прощание Гектора с Андромахой»

№ слайда 4 Описание слайда:

Григорий Иванович Угрюмов (1764 — 1823) — художник, мастер исторической живописи. Григорий Угрюмов родился в семье купца. В 1785 г., пройдя академический курс, получил золотую медаль за картину «Изгнанная Агарь с малолетним сыном Измаилом в пустыне» и отправился на стажировку в Италию. После возвращения в Россию Угрюмов стал преподавателем Академии художеств, а в 1797 г. — академиком за картину «Испытание силы Яна Усмаря».

№ слайда 5 Описание слайда:

Первым русским царём новой династии стал Михаил Федорович Романов (1613-1645). Из работы С.М. Соловьёва «История России с древнейших времён» Личность царя Михаила как нельзя более способствовала укреплению его власти: мягкость, доброта и чистота этого государя производили на народ самое выгодное для верховной власти впечатление, самым выгодным образом представляли эту власть в глазах народа; известная доброта царя исключала мысль, чтобы какое-нибудь зло могло проистекать от него, и всё, что не нравилось тому или другому, падало на ответственность лиц, посредствующих между верховною властию и народом. Избрание Михаила Федоровича на царство.

№ слайда 6 Описание слайда:

Алексей Петрович Антропов (1716 — 1795) — художник, живописец-портретист. Алексей Антропов родился в семье слесарного мастера Оружейной палаты. В 1732 г. он поступил на работу в Канцелярию от строений, где вскоре присоединился к «живописной команде» во главе с художником И.Я. Вишняковым. Кроме Вишнякова, его учителями были А. Матвеев и Луи Каравакк. В это время он жил в Москве и пользовался покровительством И.И. Шувалова, а в 1760-е гг. переехал в Петербург, где занимал должность главного надзирателя живописных и иконописных работ при Св. Синоде. Антропов — мастер светского портрета, который в эту эпоху уже почти потерял всякую связь с парсуной. Портрет статс – дамы А.М. Измайловой

№ слайда 7 Описание слайда:

Иван Петрович Аргунов  (1729 — 1802)  художник, портретист. Крепостной крестьянин графов П.Б. и Н.П. Шереметевых, Иван Петрович Аргунов вынужден был совмещать творчество и хозяйственную деятельность. Вместе с тем Аргунов получил хорошее художественное образование: он учился у придворного живописца Г.Х. Гроота в 1740-е гг. В историю живописи художник войдёт именно как мастер портрета. В 1750-е гг. он был уже признанным мастером, так что императрица назначает Аргунову несколько учеников. Портрет Б. Шереметева

№ слайда 8 Описание слайда:

Фёдор Степанович Рокотов  (1730-е — 1808)  — портретист. Как и многие деятели культуры XVIII в., Фёдор Рокотов родился в семье крепостных. Покровительство ему оказывал фаворит императрицы и меценат граф Иван Иванович Шувалов, помогавший художнику многие годы. По протекции графа в 1760 г. Рокотов поступает в Академию художеств и вскоре становится именитым художником. Расцвет творчества Фёдора Степановича приходится на начало правления Екатерины II: ему дают придворные заказы, он обзаводится мастерской и учениками, становится академиком. Вскоре, однако, Ф.С. Рокотов переезжает в Москву. В Москве он активно продолжает писать портреты представителей знати. В 1770-е — 1780-е гг. Рокотов очень популярный художник. Портрет А.П. Струйской

№ слайда 9 Описание слайда:

Дмитрий Григорьевич Левицкий (1735 — 1822) — художник, портретист, был учеником А.П. Антропова. Его работам присуща яркая индивидуальность образов. Дмитрий Левицкий родился в Киеве в семье священника и гравёра Григория Кирилловича Левицкого. Отец стал и первым учителем художника. В 1750-е гг. в Киеве работал Алексей Петрович Антропов, с которым Левицкий познакомился и немногим позже Дмитрий Григорьевич уехал в Петербург в мастерскую Антропова и стал его учеником. Он плодотворно работает в Москве и Санкт-Петербурге, а в 1770 г. его производят в академики за портрет архитектора А.Ф. Кокоринова. Годом позже Левицкий возглавил портретный класс Академии художеств, в котором проработал много лет. Среди портретов Д.Г. Левицкого этого времени много и парадных, официальных и, напротив, очень камерных, проникновенных. Многогранность художественного таланта была отличительной чертой Дмитрия Григорьевича. Портрет Екатерины II

№ слайда 10 Описание слайда:

Владимир Лукич Боровиковский (1757 — 1825) — художник, портретист. Владимир Боровиковский родился на Украине в семье казачьего старшины и иконописца, так что рано приобщился к иконописи, а потом и к живописи. Начав было военную карьеру в родном Миргороде, Боровиковский быстро вышел в отставку, целиком отдавшись творчеству. Талантливого художника заметили, и он в 1788 г. был вызван в Санкт-Петербург. Здесь Боровиковский сходится с творческим кружком, куда входили поэты Р.Г. Державин и В.В. Капнист, художник Д.Г. Левицкий, фактически ставший его учителем. Большое влияние на Боровиковского оказал и его постоянный учитель И.Б. Лампи. В 1794 г. В.Л. Боровиковский представил в Академию художеств портрет «Екатерина II на прогулке в Царскосельском саду» и был «назначен» в академики, а через год стал им за портрет великого князя Константина Павловича. Портрет М.И. Лопухиной

№ слайда 11 Описание слайда:

Михаил Шибанов (отчество и годы жизни не известны) — художник, работы М. Шибанова «Крестьянский обед», «Свадебный сговор» и др. Михаил Шибанов, пожалуй, самый таинственный из художников первого ряда XVIII в. Мы не знаем о нём ничего, кроме того, что он был, видимо, крепостным крестьянином и в 1780-е гг. получил «вольную». Но до нас дошло несколько работ Шибанова, не оставляющих сомнения в таланте художника, а также в том, что он получил какое-то художественное образование. Уникальными для культуры XVIII в. являются две картины Михаила Шибанова: «Крестьянский обед» и «Празднество свадебного договора». Это были первые картины крестьянского бытового жанра в России.

№ слайда 12 Описание слайда:

М. Шибанов «Свадебный сговор в крестьянской семье»

№ слайда 13 Описание слайда:

Федот Иванович Шубин (1740 — 1805) — скульптор. Судьба Федота Шубина напоминает нам судьбу другого его старшего современника — М.В. Ломоносова. Оба они из-под Холмогор, оба ушли из родных мест вместе с рыбным обозом искать счастье в столице, оба имели крестьянское происхождение, но добились признания и славы. Вполне естественно, что когда Шубин в 1759 г. приехал в Петербург, то Ломоносов, уже тогда маститый учёный, оказал ему самую деятельную поддержку. В 1761 г. благодаря меценату И.И. Шувалову и хлопотам Ломоносова Федот Иванович поступает в Академию художеств, где его учителем становится Н.-Ф. Жилле. Блестящие успехи ученика позволили ему стажироваться в Париже и Риме, и в 1770-е гг. он становится академиком и одним из самых модных на тот момент скульпторов. Этот было время расцвета творческого гения скульптора, хотя материальное его положение к концу жизни было плачевным. Эпоха правления Павла стала испытанием для Федота Ивановича: он жил почти в бедности, начались проблемы со зрением. При Александре I Шубин вновь получает признание со стороны властей, но здоровье его было подорвано, и в 1805 г. скульптор умирает.

№ слайда 14 Описание слайда:

Ф.И. Шубин Портрет Голицына Екатерина — законодательница Портрет М.В. Ломоносова

№ слайда 15 Описание слайда:

Одним из шедевров мировой скульптуры стал «Медный всадник» Э. Фальконе, установленный в центре Петербурга в честь Петра I. Основанием для памятника Петру I должен был стать камень «пяти сажен и одного аршина в вышину». Такой камень был найден крестьянами в 12 верстах от Петербурга. Сложность состояла в том, как его доставить в столицу. Способ переместить его по суше придумал граф Цефалони. Везли камень 400 человек на медных санях, которые были поставлены на катящиеся медные шары. Наблюдая за перемещением, в честь этого события Екатерина Великая даже приказала выбить медаль, на одной стороне которой изображена императрица, а на другой — камень, передвигаемый с помощью машин. Надпись на медали гласила: «Дерзновению подобно». Далее камень был помещён на плотину, а затем на судно и в день коронации Екатерины, 22 сентября 1767 г., доставлен в столицу и торжественно провезён вдоль Зимнего дворца.

№ слайда 16 Описание слайда:

Этьен Фальконе. Памятник ПетруI

№ слайда 17 Описание слайда:

Самой крупной фигурой в архитектуре XVIII века был  Варфоломей Варфоломеевич Растрелли(1700 — 1771). Бартоломео Франческо (Варфоломей Варфоломеевич) Растрелли (1700 — 1771) — архитектор. Бартоломео Растрелли родился в Париже в семье архитектора и скульптора Бартоломео Карло Растрелли и вместе с отцом приехал в Россию в 1716 г. Бартоломео, или Варфоломей Варфоломеевич, как его стали называть в России, продолжил дело отца. В 1720-е гг. он учился в Европе на архитектора, а потом вернулся в Россию, где сразу же стал придворным архитектором императрицы Анны Иоанновны. В период правления Анны Иоанновны Растрелли проектирует дворцы для графа Бирона в Митаве и Рундале, а также сооружает так называемый третий Зимний дворец в Санкт-Петербурге. В 1740-е гг. начинается расцвет архитектора: он строит Летний дворец для императрицы Елизаветы Петровны, реконструирует Петергоф и Царское село, а также возводит новое здание Зимнего дворца. Растрелли также автор Строгановского и Воронцовского дворцов в Санкт-Петербурге, Смольного монастыря, храма Андрея Первозванного в Киеве и др.

№ слайда 18 Описание слайда:

Смольный монастырь Зимний дворец Петергоф. Большой дворец Екатерининский дворец

№ слайда 19 Описание слайда:

Основоположником русского классицизма был  Василий Иванович Баженов  (1738 — 1799). Василий Баженов родился в семье дьячка одной из церквей Москвы и рано проявил способности к рисованию. Его заметил ведущий московский архитектор елизаветинского времени Д. Ухтомский, взяв в свою школу и сделав своим учеником. Параллельно Баженов учился в гимназии Московского университета, а потом продолжил своё образование в Петербурге — сначала при Академии наук, а потом в Академии художеств, где его учителями были А.Ф. Кокоринов и Ж.-Б. Вален-Деламот. Как и все выпускники, получившие по окончании Академии золотую медаль, Баженов прошёл стажировку во Франции и в Италии. Дом Пашкова Михайловский замок в Петербурге

№ слайда 20 Описание слайда:

Матвей Федорович Казаков  (1738 — 1812) архитектор, был помощником и учеником Баженова. Матвей Казаков родился в семье мелкого чиновника в Москве. Так же как и В.И. Баженов, он окончил архитектурную школу Д. Ухтомского, а с конца 1760-х гг. работал под началом Баженова над проектом Большого Кремлёвского дворца, что стало для него второй школой. Гений М.Ф. Казакова проявился уже в 1770-е гг., когда он начал работать над Петровским путевым дворцом. Казакову принадлежат великолепные московские здания  Здание Сената в Москве. Голицынская больница в Москве

№ слайда 21 Описание слайда:

Иван Егорович Старов (1745 — 1808) известен реконструкцией Александро-Невской лавры, строительством ряда усадеб под Петербургом. Иван Старов родился в семье священника, учился в гимназии при Московском университете, а с 1758 г. в Академии художеств в Санкт-Петербурге. Учителями начинающего архитектора были А.Ф. Кокоринов и Ж.Б. Вален-Деламот. Блестяще окончив Академию, Старов отправился на стажировку во Францию, а потом в Италию, где он учился у европейских архитекторов и знакомился с богатым архитектурным наследием Европы. Вернувшись из-за границы в 1768 г., Старов был произведён в академики. В 1770-е — 1780-е гг. Иван Егорович работает над реконструкцией Александро-Невского монастыря, строит Таврический дворец, участвует в строительстве Зимнего, Аничкова, Чесменского дворцов. По проектам архитектора созданы многие усадьбы и соборы. Это привело к тому, что город становился центром новой культуры.

№ слайда 22 Описание слайда:

Александро – Невская лавра. Петербург.

ppt4web.ru

Реферат на тему: Архитектура и изобразительное искусство России XVIII века

Содержание

• Введение
• Русская архитектура XVIII века
• Изобразительное искусство России XVIII века
• Заключение
• Библиография

Введение

XVIII век был знаменателен для России заметными переменами и значительными достижениями в области искусства. Изменились его жанровая структура, содержание, характер, средства художественного выражения. И в архитектуре, и в скульптуре, и в живописи, и в графике русское искусство выходило на общеевропейские пути развития. Еще в недрах XVII века, в петровские времена происходил процесс “обмирщания” русской культуры. В становлении и развитии светской культуры общеевропейского типа невозможно было полагаться на старые художественные кадры, для которых новые задачи оказались не по плечу. Приглашаемые на русскую службу иностранные мастера не только помогали создавать новое искусство, но и были учителями русских людей. Другим не менее важным путем получения профессиональной подготовки была посылка русских мастеров на учебу в Западную Европу. Так многие русские мастера получили высокую подготовку во Франции, Голландии, Италии, Англии, Германии. Именно на этом этапе русское искусство вступило в более тесное соприкосновение со стилевыми тенденциями, выработанными в западноевропейском искусстве нового времени, через которые предстояло пройти свой путь и ему. Однако поначалу процесс перестройки художественного сознания русских мастеров протекал с большими трудностями, в методе их работы еще сказывались традиционные представления, законы средневекового творчества в форме монументально-декоративных росписей и иконописи.

Идея основания в России своей школы разных художеств появилась еще при Петре I, который дал указание о разработке проекта такой Академии, хотя прошло еще не мало времени, прежде чем удалось реализовать эту идею. Поначалу подготовка мастеров велась в различных местах и городах. Это была и Петербургская типография, и Оружейная палата в Москве, однако необходимость дальнейшего развития художественной школы стала особенно очевидной в середине XVIII века. И в 1757 г., в Петербурге состоялось открытие Академии трех знатных художеств. Уже в 1758 г. стараниями М. В.  Ломоносова и И. И.  Шувалова (президент Академии 1757-1763 гг.) сюда прибыла группа московских и петербургских юношей, склонных к художествам. Преподавание в Академии вели и иностранные учителя: скульптор Н.  Жилле, живописцы С.  Торелли, Ф.  Фонтебассо и др., которым многим обязана русская культура. В 1764 г. Академия трех знатных художеств была преобразована в Российскую императорскую Академию художеств. В это время Академия становится и законодателем художественных идей, и учебным заведением. В ее среде выросло новое поколение художников, прославивших впоследствии Россию на весь мир, это были и архитекторы И.  Старов, В.  Баженов, скульпторы Ф.  Шубин, Ф.  Гордеев, художники А.  Лосенко, Д.  Левицкий и др. С основанием Академии художеств эпизодические поездки русских учеников за границу превращаются в постоянную практику учебы и работы за границей, которой удостаивались лучшие выпускники.

Русское искусство, как мы увидим, продолжающее в XVIII веке развиваться на новых европейских началах, по-прежнему оставалось выражено национальным явлением со своим специфическим лицом, и факт этот сам по себе весьма знаменателен.

Русская архитектура XVIII века

Динамика стилевого развития русской архитектуры XVIII века своеобразно нарастает. В стране, с запозданием выходившей на общеевропейский путь развития, освоение западноевропейских стилей неизбежно протекает ускоренными темпами, причем уже на начальной стадии развития, в петровскую эпоху, существуют зачатки всех стилевых линий, через которые предстояло пройти русской архитектуре на протяжении века. Сущность переходного времени выражалась состоянием многостилья, когда русское искусство образно говоря “примеряло” себя к разным европейским стилям, еще не сделав окончательного выбора, совмещая в себе черты барокко, классицизма и рококо. Углубление разделения труда, формирование всероссийского рынка, рост промышленности и торговли приводит к тому, что в феодальной по укладу еще стране растут и крепнут элементы новой, капиталистической формации, усиливается значение городов в жизни страны в целом.

Эпицентром передовых веяний в архитектуре и градостроительстве стала российская столица Санкт-Петербург – ровесница века, задуманная как образец новой культуры. Будущая столица возводилась на пустом месте, что во многом облегчало внедрение приемов регулярной планировки и застройки. В небывалых ранее масштабах использовался опыт иностранных специалистов, были мобилизованы материальные и людские ресурсы всей страны. В первые годы существования Санкт-Петербурга развернулось широкое мазанковое строительство. В ходе строительства мастера осваивали деревянные конструкции так называемого “прусского образца”, т.е. облегченный характер стен, плоские перекрытия в хозяйственных, общественных и жилых строениях. Технической новинкой Петербурга явились необычайно высокие шпили, венчающие важнейшие городские здания, что было широко распространено в северно-европейских странах. Выдающимся сооружением такого типа был шпиль Петропавловского собора, высота которого достигала 45 м. С размахом же каменного строительства усовершенствовались и его инженерные основы, стало возможно уменьшить толщину стен строившихся зданий без существенного снижения прочности зданий. Например, во дворце А.  Меншикова на Васильевском острове толщина стены в верхних этажах всего в полтора или даже в один кирпич. В этот период в Петербурге было налажено производство как обычного кирпича, так и особого, влагоустойчивого, по голландской рецептуре. Все это не замедлило дать результаты. Город был создан в рекордные сроки, временный деревянный Петербург быстро сменился каменным. К концу царствования Петра I он уже удивлял приезжих иностранцев величием и красотой. В созданном в 1751 г. труде о Петербурге автор имел основание записать: “сей град столько распространен, приукрашен и возвеличен, что перед многими великими и древностью превозносящимися городами в Европе имеет знатное преимущество”. В Петербурге впервые был разработан регулярный план застройки города и ставший градообразующий его основой. План П. М.  Еропкина (1737) и последующие за ним проекты закрепили эту закономерность развития города. Качественно новое лицо приобрели и петербургские площади. Они получили географические очертания с обстройкой их протяженными фасадами гостиных домов, коллегий и других общественных зданий. Так выглядела Троицкая площадь на Петроградской стороне. В середине века усилившаяся стилевая тенденция к скульптурной экспрессии форм сказалась на силуэте Петербурга, обогатившегося множеством новых, высоко поднятых колоколен и церквей. Причем в их виде вместо шпилей появились подчеркнуто национальные мотивы пятиглавия, ярусности, башнеобразности, отчего силуэт города получил новые объемно-пластические акценты и несвойственные ему ранее живописный характер. “Регулярная” российская столица Петербург становится символическим воплощением образа самой абсолютистской империи с ее идеей всеобщего порядка. Сферой, где также обретался опыт регулярного регламентированного строительства, были основанные в первой половине века “города-крепости” и “города-заводы”. Особое значение имел опыт строительства Таганрога, Воронежа, Азова, перепланировки таких городов как Оренбург, Тверь и многих других.

Неоценимую роль в этом сыграли великие русские и иностранные архитекторы. Одним из известнейших представителей западной архитектурной школы, работавший в России был Растрелли Франческо Бартоломео (1700-1771 г.), сын итальянского скульптора К. Ф.  Растрелли, служившего при дворе французского короля Людовика XIV, однако архитектурно-строительный опыт приобрел в России. Будучи одаренным художником, он сумел проявить себя как искусный зодчий и занял наивысшее в архитектурном мире России положение “обер-архитектора”. Его творчество достигло апогея в 1740-1750 г. Наиболее известные его творения — это и ансамбль Смольного монастыря в Петербурге (1748-1764 г.) , созданный в традициях русских монастырских ансамблей предыдущих столетий, и дворцы елизаветинских вельмож М. И.  Воронцова и С. Г.  Строганова в Петербурге, но в наивысшей степени его талант проявился в создании таких шедевров как Зимний дворец (1754-1762 гг.) в столице, Большой дворец в Царском Селе и Петергофе (Петродворце), во многом-многом другом. Все они ярко характеризуют стиль барокко середины XVIII в. и эволюцию творчества замечательного зодчего. Еще одним ярким иностранным представителем, работавшим в России, был Антонио Ринальди (1710-1794 гг.). В своих ранних постройках он еще находился под влиянием “стареющего и уходящего” барокко, однако, в полной мере можно сказать, что Ринадьди — представитель раннего классицизма. К его творениям относятся Китайский дворец (1762-1768 гг.), построенный для великой княгини Екатерины Алексеевны в Ораниенбауме, Мраморный дворец в Петербурге (1768-1785 гг.), относимый к уникальному явлению в архитектуре России, Дворец в Гатчине (1766-1781 гг.), ставший загородной резиденцией графа Г. Г.  Орлова. А.  Ринальди выстроил также несколько православных храмов, сочетавших в себе элементы барокко — пятиглавие куполов и высокой многоярусной колокольни. Известным русским представителем эпохи раннего классицизма в архитектуре был ученик архитектора Коробова — Кокоринов А. Ф. (1726-1722 гг.). К известным его произведениям, где с наибольшей отчетливостью проявился стиль классицизма, принято относить здание Академии художеств в Петербурге, выстроенного на Невской набережной Васильевского острова (1764-1788 гг.) . Необычайно красивый фасад и многофункциональные кабинеты и залы этого здания соответствовали все возрастающему престижу русского искусства. Известным московским архитектором, украсившим облик Москвы по праву считается Баженов В. И. (1737-1799 гг.). Начальные познания в зодчестве он получил в архитектурной школе Д. В.  Ухтомского и в гимназии Московского университета. Дипломат Французской академии художеств, присвоение звания профессора Римской национальной академии искусств, членство в Флорентийской и Болонской академиях художеств — поистине мировое признание его таланта. По возвращении в Петербург (1765 г.) В. И.  Баженова избрали академиком Петербургской Академии художеств, а в 1799г. он стал ее вице-президентом. К первым работам В. И.  Баженова относятся строительство здания петербургского Арсенала (ныне не существует) и до сих пор не разгаданный проект Смольного института (не осуществлен). С 1767 г. все внимание широко образованного зодчего поглотило ответственное поручение – проектирование и строительство колоссального сооружения – Большого Кремлевского дворца и здания коллегий на территории Московского Кремля. В связи с этим в 1768 г. была создана специальная Экспедиция кремлевского строения, главным архитектором которой был назначен В. И.  Баженов. В его архитектурную команду вошли известнейшие проектировщики того времени, одним из которых был величайший впоследствии архитектор – М. Ф.  Казаков. Новый дворец был задуман таким грандиозным (соответственно престижу великого государства), что мог скрыть за собой древние строения Соборной площади, а это бы нарушило традиционный облик Кремля, именно поэтому своей “Инструкцией к строительству…” сам Баженов провозгласил необходимость сбережения древних построек Кремля. В 1772 г. были завершены все проектные работы, а 1 июня 1773 г. произведена официальная закладка дворца. В. И.  Баженов писал: “народы европейские, узрев восставший из недр земных новый Кремль, объяты будут удивлением величавости и огромности оного и не увидят уже красот своих собственных великолепий” . Однако дальше торжественной закладки строительство дворца дело не пошло, и в 1775 г. была даже распущена архитектурная команда В. И.  Баженова. Широко разрекламированный проект и строительство дворца были средством укрепления государственного престижа Екатерины II, которая стремилась показать, что Россия под ее властью способна вести изнурительную войну и одновременно затевать грандиозное строительство. И, тем не менее, несмотря на то, что выдающийся замысел В. И.  Баженова осуществлен не был, его значение для русской культуры было весьма велико, и, прежде всего, для окончательного утверждения классицизма как основного стилистического направления в развитии отечественного зодчества. Кроме того, на проекте перестройки Кремля, прошли профессиональную подготовку многие известные мастера. Отказ от строительства В. И.  Баженов перенес стоически, неудачи не сломили зодчего. Он занялся разработкой проектов частных строений по заказам московского дворянства. К наиболее значимым строениям этого периода стоит отнести ансамбль усадьбы и господского дома Пашкова в Москве (1784-1786 гг.), неподалеку от Кремля. Это определило компактную и в высшей степени оригинальную планировочную композицию. При проектировании дома Пашкова Баженов выступил блестящим последователем идей французского классицизма. Из усадебных городских домов в Москве, созданных в последний период жизни Баженовым, следует отметить дом Юшкова на Мясницкой. Завершением творчества В. И.  Баженова предстает проект строительства Михайловского замка в Петербурге, однако закончить его Баженову не удалось, и со значительными изменениями дворец был достроен архитектором В. Ф.  Бренном.

Еще один выдающийся русский архитектор – Казаков М. Ф. Свое образование он получил в архитектурной школе Д. В.  Ухтомского в Москве, большую роль в развитии природного дарования М. Ф.  Казакова сыграла работа в Твери, а затем семилетнее пребывание в архитектурной команде В. И.  Баженова в период работы над проектом Большого Кремлевского дворца. Творческим кредо сформировавшегося Казакова был классицизм в его строгом проявлении. Ярким примером этому служит огромное здание Сената в Московском Кремле, искусно сооруженное им в 1776 – 1787 гг. Можно предположить, что характер архитектурного решения этого здания был навеян архитектурой неосуществленного Кремлевского дворца В. И.  Баженова. Следующим крупным общественным зданием, возведенным Казаковым в Москве, было четырехэтажное здание Университета на Моховой улице (1786 – 1793 г.). Это здание является прекрасным образцом классицизма, соответствующее престижу русской науки, имеющее строгий и репрезентативный вид. Важное место в архитектуре московского классицизма и в творчестве М. Ф.  Казакова занимает известное общественное здание – дом Благородного Собрания, мастерски перестроенный архитектором. Также Казаковым была выстроена церковь Филиппа Митрополита на Второй Мещанской улице (1777-1788 гг.). В строительстве мастер также использовал классическую круглую композицию применительно к православному храму.

Еще очень и очень многие выдающиеся русские и иностранные зодчие трудились на благо России, именно их стараниями по красоте городов и величию зданий, Россия в XVIII встала в один ряд с западноевропейскими странами.

В XVIII веке в России происходил небывалый размах развития ваяния, появления новой, западноевропейского типа скульптуры, какой еще не знала Россия. Заметную стилевую перемену в развитии русской пластики принесла новая эстетика классицизма эпохи Просвещения. Важную роль в освоении классической скульптуры в России сыграл приглашенный на русскую службу французский скульптор Н.  Жилле, долгое время возглавлявший скульптурный класс Академии. Школу Н.  Жилле, заложившую основы классического ваяния в России, прошли все ведущие русские скульпторы второй половины XVIII века, окончившие Петербургскую Академию художеств: Ф.  Гордеев, М.  Козловский, И.  Прокофьев, Ф.  Щедрин, Ф.  Шубин, И.  Мартос и другие.

Рассмотрим наиболее известные работы и стилевые тенденции этих и некоторых других выдающихся скульпторов того времени. Наиболее полно овладевает принципами зрелого классицизма Иван Мартос (1752-1835 гг.). Он создает вполне классические произведения, заметно отличающиеся чистотой и ясностью своей формы от работ других мастеров. После окончания Академии художеств Мартос для совершенствования мастерства едет в Рим, где непосредственно соприкасается с античной скульптурой. Мартос – мастер широкого диапазона, обращавшийся к разнообразной тематике. Особенно заметный след он оставил в разработке темы классического надгробия и городского монумента. Он был известен и как великолепный мастер декоративно-лепных работ, пробовал заниматься портретом. Его дарование как монументалиста в полной мере раскрылось в памятнике Минину и Пожарскому в Москве, ставшем эталонным произведением – он нашел новые пути соединения монументальной пластики не только с классическими зданиями, но и с пространственным городским ансамблем, превзойдя всех своих предшественников.

Последователен в своей эволюции к классицизму был и Иван Прокофьев (1758-1828 гг.). По сравнению с другими мастерами у Прокофьева сильнее чувствуется сентименталистская струя, придавшая особую мягкость и лиризм его образам. Самое лучшее в его наследии — это рельефы, созданные для петербургской Академии художеств, в которых он достигает исключительного совершенства формы в выражении величавой тишины, гармонирующих с классическим строем интерьера.

В этом же контексте развивалось и искусство скульптора Федота Шубина (1740-1805 гг.). Благодаря своему упорству и способностям он оказывается в Петербургской Академии художеств, где начинается блестящий расцвет его таланта. Ф.  Шубин становится непревзойденным мастером скульптурного портрета. Он выполнил множество заказных портретов, бюстов. Это были бюсты А. М.  Голицына, З. П.  Чернышева и других известных деятелей екатерининской эпохи. К концу XVIII века намечались и новые формы образного выражения в виде сентименталистских, а затем и романтических настроений. Характерны в этом отношении бюсты П. В.  Завадовского и А. А.  Безбородко (1798 г.), также выполненные Шубиным. Вместе с тем в поздних работах художника заметна и другая тенденция — усиливается конкретизация портретного образа, а в стиле нарастают черты строгости и простоты. Этими признаками обладают зрелые работы Шубина: бюсты Г. А.  Потемкина (1791 г.), Е. М.  Чулкова (1792 г.), М. В.  Ломоносова (1793 г.), и др. Ф.  Шубин показал своих современников в неповторимости индивидуальных особенностей их характера и склада души. Шубинский талант обусловил объективность и глубину его произведений, отразивших все многообразие и противоречивость эпохи.

Художником одного творения (созданного для России) можно назвать французского скульптора Э. М.  Фальконе (1716-1791 гг.). Созданная в России им всего одна работа “Медный всадник” принесла ему славу великого мастера. Стремление к максимальному обобщению толкало на путь отвлеченного от конкретности истолкования памятника: гранитная скала постамента в виде морской волны, вздыбленный конь и растоптанная змея становятся олицетворением тех препятствий и враждебных сил, которые приходилось преодолевать Петру I. В результате родился символ, ставший олицетворением не только великих деяний Петра, но и преобразованной им России.

Еще множество прекрасных мастеров творило в этот период, и как бы подводя итог этой эпохи, хотелось бы отметить, что XVIII век стал временем, благоприятствующим развитию русской культуры, определив две основные ее линии: профессиональную, ориентированную на общеевропейский путь, и местную, продолжающую развивать традиции народного творчества.

Изобразительное искусство России XVIII века

Во второй половине XVII столетия вместе с другими видами искусства в России, живопись переживает серьезные изменения. В определенной мере они подготавливают те коренные реформы, которые происходят в ней в начале XVIII века. Вступая на позиции искусства нового времени со значительным запозданием по сравнению с другими передовыми в художественном отношении европейскими странами, русская живопись по-своему отражает общие закономерности этой стадии развития. На первый план выдвигается светское искусство. Первоначально светская живопись утверждается в Петербурге и Москве, но уже со второй половины XVIII века получает значительное распространение в других городах и усадьбах. Традиционное ответвление живописи – иконопись по-прежнему широко бытует во всех слоях общества.

Русская живопись развивалась на протяжении всего XVIII века в тесном контакте с искусством западноевропейских школ, приобщаясь к всеобщему достоянию – произведениям искусства эпохи Ренессанса и барокко, а также широко используя опыт соседних государств. Вместе с тем, как уже давно установили исследователи, искусство в целом и живопись в частности, на протяжении всего XVIII века связаны единой направленностью и имеют ярко выраженный национальный характер. В этот период в России творили величайшие мастера своего дела – представители отечественной художественной школы и иностранные живописцы.

Наиболее интересным явлением в искусстве петровской эпохи стал портрет. У истоков портретной живописи нового времени стоит И. Н.  Никитин (ок.  1680 – 1742 гг.). И. Н.  Никитин ярко воплощает силу человеческих возможностей, открытых петровской эпохой. Крупнейший реформатор русской живописи, он разделяет с ним триумфы, а под конец – трагические невзгоды. Портреты, созданные Никитиным в ранний период, уже представляют собой вполне европейские по характеру изображения, наиболее близкие произведениям французской школы начала XVIII века. Используя общеевропейский опыт, русский художник реализует свои собственные представления о мире, красоте и индивидуальных особенностях модели. Так возникает свой вариант портрета — общепонятный и вполне неповторимый. К кисти этого великого художника принадлежат такие произведения, как портрет цесаревны Анны Петровны и царевны Прасковьи Иоанновны (предположительно 1714 г.). Пожалуй, самым сильным произведением после возвращения Никитина из Италии является портрет государственного канцлера Г. И.  Головкина (1720-е гг.) . Помимо возросшей грамотности в рисунке и технике живописи он демонстрирует духовность выражения и взаимодействие образа со зрителем. Не меньшая серьезность присуща и “Портрету напольного гетмана” (1720-е гг.). Авторская самостоятельность проявляется и в портрете С. Г.  Строганова (1726 г.) и в картине “Петр I на смертном ложе” (1725 г.) . Со смертью Петра трагично закончилась и жизнь самого художника – он был судим по ложному обвинению и сослан в Тобольск.

К петровской эпохе по духу принадлежит и творчество другого русского живописца – Андрея Матвеева (1701-1739) . По указу Петра он был послан в Голландию учиться, что обеспечило необходимый уровень знаний. Еще в период прохождения обучения им были созданы картины – “Аллегория живописи” (1725 г.) и “Венера и Амур”. Самое известное произведение Матвеева – “Автопортрет с женой” (1729 г.) . Произведение Матвеева рисует новую для России культуру отношений. Муж и жена не просто выступают как равные: художник бережно и горделиво представляет зрителю свою супругу. Заинтересованность в делах искусства и трудолюбие выгодно отличали этого художника.

Живопись последних десятилетий XVIII века отличается значительным разнообразием и полнотой. В первую очередь, это обусловлено основанием Академии художеств. Русская школа овладевает теперь теми жанрами живописи, которые прежде были представлены лишь работами старых и современных западноевропейских мастеров. Наиболее крупные достижения русской живописи последних десятилетий XVIII века связаны с искусством портрета.

Творчество Ф. С.  Рокотова (1735-1808) составляет одну из самых обаятельных и труднообъяснимых страниц нашей культуры. Уже в довольно зрелом возрасте он был принят в Академию художеств. Его ранние произведения – портреты Г. Г.  Орлова (1762-1763 гг.), Е. Б.  Юсуповой (1756-1761 гг.) свидетельствуют о его причастности к культуре рококо. Признаки этого стиля есть и в коронационном портрете Екатерины II (1763 г.), ставшей образцом для изображения весьма взыскательной императрицы. Еще много портретов вышло из-под кисти художника – поэт В. И.  Майков (1769-1770 гг.), почти все семейство Воронцова – он сам (конец 1760-х), его жена М. А.  Воронцова и дети (1770-е). В период восьмидесятых годов восемнадцатого века в портретах Ф. С.  Рокотова преобладает оттенок горделивого сознания собственной значимости, к этому периоду относят: портрет молодой генеральши В. Е.  Новосильцевой (1780 г.) , знатной дамы Е. Н.  Орловой.

Современником Рокотова был Д. Г.  Левицкий (1735-1822 гг.). Около 20 лет Левицкий возглавлял портретный класс Академии художеств и не только участвовал в воспитании целой школы русских портретистов, но задавал тон и уровень высокой репутации портретного искусства в России. Сфера его живописи шире, чем рокотовская. Ему одинаково хорошо удавались и камерные портреты, и парадное изображение в рост. Неудивительно, что круг его заказчиков весьма обширен. Это и богач Демидов, чью картину он нарисовал в 1773 г., и светская красавица Урсула Мнишек (1782 г.), и итальянская актриса Анна Давиа-Бернуци (1782 г.). Важное место в творчестве Левицкого занимает работа над портретом Екатерины II, получившим отражение в “Видении Мурзы” Г. Р.  Державина. Возвышенная, мифологизированная интерпретация не могла не нравиться императрице, которая более чем внимательно относилась к своим изображениям.

В. Л.  Боровиковский (1757-1825 гг.) как бы замыкает плеяду крупнейших русских портретистов XVIII века. Боровиковский, как и Левицкий, родом с Украины. Уже в первые петербургские годы он сблизился с кружком, возглавляемый Н. А.  Львовым, и неоднократно портретировал близких к этому обществу лиц. Довольно быстро при поддержке друзей, знакомых и пользовавшегося успехом при дворе австрийского живописца И. Б.  Лампи, Боровиковский становится популярным среди широкого круга петербургского дворянства. Художник портретирует целые семейные “кланы” — Лопухиных, Толстых, Арсеньевых, Гагариных, Безбородко, распространявших его известность по родственным каналам. К этому периоду его жизни относятся портреты Екатерины II, ее многочисленных внуков, министра финансов А. И.  Васильева и его жены. Преобладающее место в творчестве Боровиковского занимают камерные портреты. Полотна художника очень нарядны благодаря грациозной постановке моделей, изящным жестам и умелому обращению к костюму. Герои Боровиковского обычно бездеятельны, большинство моделей пребывает в упоении собственной чувствительностью. Это выражают и портрет М. И.  Лопухиной (1797 г.), и портрет Скобеевой (середина 1790-х г.), и изображение дочери Екатерины II и А. Г.  Потемкина – Е. Г.  Темкиной (1798 г.). Большое внимание художник уделяет малоформатным и прекрасно удавшимся ему миниатюрным портретам. Так же Боровиковский – автор ряда двойных и семейных групповых портретов, которые появляются уже после 1800-х гг.

Заключение

Из всего вышеперечисленного можно сделать вывод, что на протяжении всего XVIII века русское искусство живописи прошло большой путь становления по законам нового времени. Потребности эпохи получили отражение в преимущественном развитии светской живописи – портрета, пейзажа, исторического и бытового жанров.

Библиография

1. Пилявский В. И., Тиц А. А., Ушаков Ю. С. История Русской архитектуры. — М., 1984.
2. Рыбаков Б. А. Очерки русской культуры. — М., 1990.
3. Ткачев В. Н. История архитектуры. — М., 1987.
4. Петров А. Н. Русская архитектура первой половины XVIII века. — М., 1954.
5. История русской архитектуры. — М., 1956.
6. История русского искусства. В 6 т. — М., 1956.
7. Энциклопедический словарь русского художника. — М., 1983.

referati-besplatno.ru

Архитектура живопись и скульптура XVIII века в

Архитектура , живопись и скульптура XVIII века в России Работу выполнили: Ученики 10 класса Валгузов Д. И. Харичкова И. В.

Растрелли Бартоломео Франческо Русский архитектор итальянского происхождения, академик архитектуры Императорской Академии художеств. Наиболее яркий представитель так называемого Елизаветинского барокко. Он был автором крупнейших дворцовых ансамблей, построенных в Петербурге и его пригородах : Зимнего дворца, Большого дворца в Петергофе , Большого Екатерининского дворца в Царском Селе, дворца Строгоновых , Смольного монастыря , Андреевской церкви в Киеве Большой дворец в Петергофе

Василий Иванович Баженов Русский архитектор, художник, теоретик архитектуры и педагог, представитель классицизма, зачинатель русской псевдоготики, масон. Член Российской академии с 1784 года. По его проектам был построен Дом Пашкова в Москве

Александро – Невская лавра Здание двенадцати коллегий

Императорская Академия художеств Высшее учебное заведение в области изобразительных искусств, существовавшее в Российской империи с 1757 года.

Старов Иван Егорович Русский архитектор , строитель ряда усадеб под Петербургом. Однако самым крупным и известным его творением стал Таврический дворец со множеством богато убранных помещений, зимним садом. Таврический дворец — петербургская резиденция князя Григория Потёмкина. Таврического. Возведена в стиле классицизма в период с 1783 по 1789 год по проекту архитектора И. Е. Старова.

Живопись Русская живопись I четверти XVIII века приобретает ярко выраженный светский характер, формируясь под влиянием западноевропейского искусства. Основным жанром живописи становится портрет. И. Никитин. Портрет Петра I. 1721 г. И. Никитин. Портрет графа Г. И. Головкина

И. Никитин. Портрет напольного гетмана. 1720 -е гг. А. М. Матвеев. Автопортрет с женой. 1720 -е гг.

Скульптура • Скульптура — вид искусства, создающий формы в трех измерениях: в высоту, ширину и глубину с использованием различных материалов и особых технологий — высекания, лепки и литья

• Скульптура в I четверти XVIII века становится одним из «новых» видов искусства в России. Статуи со временем становятся обязательным атрибутом ландшафтно – паркового искусства. Крупнейшим мастером этого времени был архитектор и скульптор Б. Растрелли Бюст Петра I. 1723 -1730 гг.

Царскосельский дворец 1752— 1756 годы

Спасибо за внимание

present5.com

Русское искусство начала 18 века [Петре]

Содержание (план)

Литература эпохи Петра I

В литературных произведениях в начале 18 века появился новый герой: образо­ванный, смелый, жадно познающий мир. Он любит путешество­вать. В делах и начинаниях ему сопутствует удача. В литературе прочно занял место такой жанр, как публицисти­ка.

Феофан Проко­пович

Одним из ярких публицистов того времени был Феофан Проко­пович. В своих произведениях — «Слово похвальное о флоте рос­сийском» и «Правда воли монаршей» — он прославлял петровские преобразования.

Иван Тихо­нович Посошков

Одним из оригинальных сочинителей того времени считался Иван Тихо­нович Посошков. Он вышел из крестьян, был самоучкой, занимался торго­влей. В своих сочинениях он «искал правду». Его наиболее известное произ­ведение — «Книга о скудости и богатстве». Одни реформы Петра I он одоб­рял, другие критиковал (особенно введение подушной подати). Он развивал идею царя Фёдора Алексеевича, что богатство страны зависит от существо­вания зажиточных и процветающих подданных. Такими, по его мнению, дол­жны стать крестьяне и торговые люди. Крепостное право он считал большим вредом для страны. Он утверждал родившуюся в публицистике XVII в. мысль, что суд должен быть справедливым и равным для всех жителей стра­ны: «каков земледельцу, таков и купецкому человеку, убогому и богатому».

Русская архитектура начала 18 века

см. Строительство Санкт-Петербурга

Изобразительное искусство

Изобразительное искусство все более приобретало светский ха­рактер.

Русская живопись начала 18 века

Известным художником петровского времени был Иван Никитович Никитин (ок. 1690-1742). На созданном им портрете Петра I худож­ник изобразил императора уставшим, больным человеком. К моменту написания портрета Пётр I был тяжело бо­лен, и ему оставалось жить четыре года.

И. Н. Никитин учился в Италии. В 1720 г. по настоянию Петра он вернулся в Россию. Ху­дожник старался передать в создаваемом пор­трете характер изображаемого им человека. Известна его картина «Напольный гетман». На портрете изображено лицо мужественного, ум­ного человека. Художник стремился показать его внутренний мир, чего до него редко кому удавалось в русской живописи. Его кисти при­надлежит и портрет С. Г. Строганова. Материал с сайта http://wikiwhat.ru

Графика при Петре I

Широкое распространение получила гравюра.

Мастером гравюры в то время был А. Ф. Зубов. Во многом благо­даря его творениям мы, люди XXI века, можем представить, каким был Петербург 300 лет назад.

Скульптура при Петре I

Известным скульптором времён Петра I являлся приехавший из Италии Бартоломео Карло Растрелли (1675-1744) (его сын станет знаменитым архитектором Петербурга во второй половине XVIII в.). Растрелли-отец знал и живопись, и архитектуру. Но наиболее изве­стен как скульптор. Он создал скульптурный портрет Петра I.

Картинки (фото, рисунки)

• И. Н. Никитин. Портрет Петра I

• А. Ф. Зубов. Вид Санкт-Петербурга. Гравюра. 1727 г.

• Б.-К. Растрелли. Пётр I. 1723 г.

На этой странице материал по темам:

• Какие памятники зодчества были созданы в 18 веке

• Русская архитектура начала 18 века

• Книгопечатание при петре

• Изображение посошков иван тихонович портрет

• Архитектура при петре 1 таблица

Вопросы к этой статье:

• Какие идеи публицистов XVII в. нашли подтвержде­ние в петровское время, а какие не реализовались и почему?

• Стали ли архитектура и изобразительное искусство во вре­мена Петра I носить светский характер?

wikiwhat.ru

развитие светской культуры (особенности живописи, архитектуры, литературы), противостояние «почвы» и «цивилизации»

Архитектура

Своеобразно нарастает динамика стилевого развития русской архитектуры XVIII века. В стране, с запозданием выходившей на общеевропейский путь развития, освоение западноевропейских стилей неизбежно протекает ускоренными темпами.

Эпицентром передовых веяний в архитектуре и градостроительстве стала российская столица Санкт-Петербург. Технической новинкой Петербурга явились необычайно высокие шпили, венчающие важнейшие городские здания, что было широко распространено в северно-европейских странах. Выдающимся сооружением такого типа был шпиль Петропавловского собора, высота которого достигала 45м. С размахом же каменного строительства усовершенствовались и его инженерные основы, стало возможно уменьшить толщину стен строившихся зданий без существенного снижения прочности зданий. Например, во дворце А. Меньшикова на Васильевском острове толщина стены в верхних этажах всего в полтора или даже в один кирпич. В Петербурге впервые был разработан регулярный план застройки города и ставший градообразующий его основой. План П.М. Еропкина (1737) и последующие за ним проекты закрепили эту закономерность развития города. Качественно новое лицо приобрели и петербургские площади. Они получили географические очертания с обстройкой их протяженными фасадами гостиных домов, коллегий и других общественных зданий. Так выглядела Троицкая площадь на Петроградской стороне. В середине века усилившаяся стилевая тенденция к скульптурной экспрессии форм сказалась на силуэте Петербурга, обогатившегося множеством новых, высоко поднятых колоколен и церквей. Причем в их виде вместо шпилей появились подчеркнуто национальные мотивы пятиглавия, ярусности, башнеобразности, отчего силуэт города получил новые объемно-пластические акценты и несвойственные ему ранее живописный характер.

Одним из известнейших представителей западной архитектурной школы, работавший в России был Растрелли Франческо Бартоломео (1700-1771 г.), сын итальянского скульптора К. Ф. Растрелли, служившего при дворе французского короля Людовика XIV, однако архитектурно-строительный опыт приобрел в России. Будучи одаренным художником, он сумел проявить себя как искусный зодчий и занял наивысшее в архитектурном мире России положение “обер-архитектора”. Его творчество достигло апогея в 1740-1750г. Наиболее известные его творения — это и ансамбль Смольного монастыря в Петербурге (1748-1764г.), созданный в традициях русских монастырских ансамблей предыдущих столетий, и дворцы елизаветинских вельмож М.И.Воронцова и С.Г. Строганова в Петербурге, но в наивысшей степени его талант проявился в создании таких шедевров как Зимний дворец (1754-1762 гг.) в столице, Большой дворец в Царском Селе и Петергофе (Петродворце), и во многом-многом другом. Все они ярко характеризуют стиль барокко середины XVIIIв. и эволюцию творчества замечательного зодчего. Еще одним ярким иностранным представителем, работавшим в России, был Антонио Ринальди (1710-1794 гг.). В своих ранних постройках он еще находился под влиянием “стареющего и уходящего” барокко, однако, в полной мере можно сказать, что Ринальди — представитель раннего классицизма. К его творениям относятся Китайский дворец (1762-1768 гг.), построенный для великой княгини Екатерины Алексеевны в Ораниенбауме, Мраморный дворец в Петербурге (1768-1785 гг.), относимый к уникальному явлению в архитектуре России, Дворец в Гатчине (1766-1781 гг.), ставший загородной резиденцией графа Г.Г.Орлова. А.Ринальди выстроил также несколько православных храмов, сочетавших в себе элементы барокко — пятиглавие куполов и высокой многоярусной колокольни. Известным русским представителем эпохи раннего классицизма в архитектуре был ученик архитектора Коробова — Кокоринов А. Ф. (1726-1722 гг.). К известным его произведениям, где с наибольшей отчетливостью проявился стиль классицизма, принято относить здание Академии художеств в Петербурге, выстроенного на Невской набережной Васильевского острова (1764-1788 гг.). Необычайно красивый фасад и многофункциональные кабинеты и залы этого здания соответствовали все возрастающему престижу русского искусства. Известным московским архитектором, украсившим облик Москвы по праву считается Баженов В. И. (1737-1799 гг.). Начальные познания в зодчестве он получил в архитектурной школе Д.В.Ухтомского и в гимназии Московского университета. Дипломат Французской академии художеств, присвоение звания профессора Римской национальной академии искусств, членство в Флорентийской и Болонской академиях художеств — поистине мировое признание его таланта. По возвращении в Петербург (1765 г.) В. И. Баженова избрали академиком Петербургской Академии художеств, а в 1799г. он стал ее вице-президентом. К первым работам В. И. Баженова относятся строительство здания петербургского Арсенала (ныне не существует) и до сих пор не разгаданный проект Смольного института (не осуществлен). С 1767г. все внимание широко образованного зодчего поглотило ответственное поручение – проектирование и строительство колоссального сооружения – Большого Кремлевского дворца и здания коллегий на территории Московского Кремля. В связи с этим в 1768г. была создана специальная Экспедиция кремлевского строения, главным архитектором которой был назначен В. И. Баженов. В его архитектурную команду вошли известнейшие проектировщики того времени, одним из которых был величайший впоследствии архитектор – М. Ф. Казаков. Новый дворец был задуман таким грандиозным (соответственно престижу великого государства), что мог скрыть за собой древние строения Соборной площади, а это бы нарушило традиционный облик Кремля, именно поэтому своей “Инструкцией к строительству…” сам Баженов провозгласил необходимость сбережения древних построек Кремля.

В 1772г. были завершены все проектные работы, а 1 июня 1773г. произведена официальная закладка дворца. В. И. Баженов писал: “народы европейские, узрев восставший из недр земных новый Кремль, объяты будут удивлением величавости и огромности оного и не увидят уже красот своих собственных великолепий”. Однако дальше торжественной закладки строительство дворца дело не пошло, и в 1775г. была даже распущена архитектурная команда В. И. Баженова. Широко разрекламированный проект и строительство дворца были средством укрепления государственного престижа Екатерины II, которая стремилась показать, что Россия под ее властью способна вести изнурительную войну и одновременно затевать грандиозное строительство. И, тем не менее, несмотря на то, что выдающийся замысел В. И. Баженова осуществлен не был, его значение для русской культуры было весьма велико, и, прежде всего, для окончательного утверждения классицизма как основного стилистического направления в развитии отечественного зодчества. Кроме того, на проекте перестройки Кремля, прошли профессиональную подготовку многие известные мастера. Отказ от строительства В. И. Баженов перенес стоически, неудачи не сломили зодчего. Он занялся разработкой проектов частных строений по заказам московского дворянства. К наиболее значимым строениям этого периода стоит отнести ансамбль усадьбы и господского дома Пашкова в Москве (1784-1786 гг.), неподалеку от Кремля. Это определило компактную и в высшей степени оригинальную планировочную композицию. При проектировании дома Пашкова Баженов выступил блестящим последователем идей французского классицизма. Из усадебных городских домов в Москве, созданных в последний период жизни Баженовым, следует отметить дом Юшкова на Мясницкой. Завершением творчества В. И. Баженова предстает проект строительства Михайловского замка в Петербурге, однако закончить его Баженову не удалось, и со значительными изменениями дворец был достроен архитектором В.Ф. Бренном.

Еще один выдающийся русский архитектор – Казаков М. Ф. Свое образование он получил в архитектурной школе Д. В. Ухтомского в Москве, большую роль в развитии природного дарования М. Ф. Казакова сыграла работа в Твери, а затем семилетнее пребывание в архитектурной команде В. И. Баженова в период работы над проектом Большого Кремлевского дворца. Творческим кредо сформировавшегося Казакова был классицизм в его строгом проявлении. Ярким примером этому служит огромное здание Сената в Московском Кремле, искусно сооруженное им в 1776 – 1787гг. Можно предположить, что характер архитектурного решения этого здания был навеян архитектурой неосуществленного Кремлевского дворца В. И. Баженова. Следующим крупным общественным зданием, возведенным Казаковым в Москве, было четырехэтажное здание Университета на Моховой улице (1786 – 1793г.г.). Это здание является прекрасным образцом классицизма, соответствующее престижу русской науки, имеющее строгий и репрезентативный вид. Важное место в архитектуре московского классицизма и в творчестве М. Ф. Казакова занимает известное общественное здание – дом Благородного Собрания, мастерски перестроенный архитектором. Также Казаковым была выстроена церковь Филиппа Митрополита на Второй Мещанской улице (1777-1788 гг.). В строительстве мастер также использовал классическую круглую композицию применительно к православному храму.

Живопись

Русская живопись развивалась на протяжении всего XVIII века в тесном контакте с искусством западноевропейских школ, приобщаясь к всеобщему достоянию – произведениям искусства эпохи Ренессанса и барокко, а также широко используя опыт соседних государств. Вместе с тем, как уже давно установили исследователи, искусство в целом и живопись в частности, на протяжении всего XVIII века связаны единой направленностью и имеют ярко выраженный национальный характер. В этот период в России творили величайшие мастера своего дела – представители отечественной художественной школы и иностранные живописцы.

Наиболее интересным явлением в искусстве петровской эпохи стал портрет. У истоков портретной живописи нового времени стоит И. Н. Никитин (ок. 1680–1742 гг.). И.Н. Никитин ярко воплощает силу человеческих возможностей, открытых петровской эпохой. Крупнейший реформатор русской живописи, он разделяет с ним триумфы, а под конец – трагические невзгоды. Портреты, созданные Никитиным в ранний период, уже представляют собой вполне европейские по характеру изображения, наиболее близкие произведениям французской школы начала XVIII века. Используя общеевропейский опыт, русский художник реализует свои собственные представления о мире, красоте и индивидуальных особенностях модели. Так возникает свой вариант портрета — общепонятный и вполне неповторимый. К кисти этого великого художника принадлежат такие произведения, как портрет цесаревны Анны Петровны и царевны Прасковьи Иоанновны (предположительно 1714г.). Пожалуй, самым сильным произведением после возвращения Никитина из Италии является портрет государственного канцлера Г. И. Головкина (1720-е гг.). Помимо возросшей грамотности в рисунке и технике живописи он демонстрирует духовность выражения и взаимодействие образа со зрителем. Не меньшая серьезность присуща и “Портрету напольного гетмана” (1720-е гг.). Авторская самостоятельность проявляется и в портрете С. Г. Строганова (1726г.) и в картине “Петр I на смертном ложе” (1725г.). Со смертью Петра трагично закончилась и жизнь самого художника – он был судим по ложному обвинению и сослан в Тобольск.

К петровской эпохе по духу принадлежит и творчество другого русского живописца – Андрея Матвеева (1701-1739). По указу Петра он был послан в Голландию учиться, что обеспечило необходимый уровень знаний. Еще в период прохождения обучения им были созданы картины – “Аллегория живописи” (1725г.) и “Венера и Амур”. Самое известное произведение Матвеева – “Автопортрет с женой” (1729г.). Произведение Матвеева рисует новую для России культуру отношений. Муж и жена не просто выступают как равные: художник бережно и горделиво представляет зрителю свою супругу. Заинтересованность в делах искусства и трудолюбие выгодно отличали этого художника.

Живопись последних десятилетий XVIII века отличается значительным разнообразием и полнотой. В первую очередь, это обусловлено основанием Академии художеств. Русская школа овладевает теперь теми жанрами живописи, которые прежде были представлены лишь работами старых и современных западноевропейских мастеров. Наиболее крупные достижения русской живописи последних десятилетий XVIII века связаны с искусством портрета.

Творчество Ф. С. Рокотова (1735-1808) составляет одну из самых обаятельных и труднообъяснимых страниц нашей культуры. Уже в довольно зрелом возрасте он был принят в Академию художеств. Его ранние произведения – портреты Г. Г. Орлова (1762-1763гг.), Е. Б. Юсуповой (1756-1761гг.) свидетельствуют о его причастности к культуре рококо. Признаки этого стиля есть и в коронационном портрете Екатерины II (1763г.), ставшей образцом для изображения весьма взыскательной императрицы. Еще много портретов вышло из-под кисти художника – поэт В. И. Майков (1769-1770 гг.) , почти все семейство Воронцова – он сам (конец 1760-х) , его жена М. А. Воронцова и дети (1770-е).

Современником Рокотова был Д. Г. Левицкий (1735-1822гг.). Около 20 лет Левицкий возглавлял портретный класс Академии художеств и не только участвовал в воспитании целой школы русских портретистов, но задавал тон и уровень высокой репутации портретного искусства в России. Сфера его живописи шире, чем рокотовская. Ему одинаково хорошо удавались и камерные портреты, и парадное изображение в рост. Неудивительно, что круг его заказчиков весьма обширен. Это и богач Демидов, чью картину он нарисовал в 1773г., и светская красавица Урсула Мнишек (1782г.), и итальянская актриса Анна Давиа-Бернуци (1782г.). Важное место в творчестве Левицкого занимает работа над портретом Екатерины II, получившим отражение в “Видении Мурзы” Г. Р. Державина.

Из всего вышеперечисленного можно сделать вывод, что на протяжении всего XVIII века русское искусство живописи прошло большой путь становления по законам нового времени. Потребности эпохи получили отражение в преимущественном развитии светской живописи – портрета, пейзажа, исторического и бытового жанров.

Литература

Русская литература XVIII века прошла большой путь в своем развитии: от классицизма до сентиментализма, от идеала просвещенного монарха до интимных переживаний человека (естественно, дворянина).

Начало XVIII века было бурным для России. Создание собственного флота, войны за выход к морским путям, развитие промышленности, расцвет торговли, строительство новых городов — все это не могло не отразиться на росте национального сознания. Люди петровских времен чувствовали свою причастность к историческим событиям, величие которых они ощущали на своих судьбах. Ушла в прошлое боярская Россия, с Петром I пришло в государство подражание европейским обычаям, а вместе с ними, и европейским идеалам. Хлынул в страну поток привлекаемых государем иностранных специалистов. Русский классицизм появился и начал свое развитие под воздействием эпохи Просвещения.

Поскольку в стране процветал культ науки, разума, просвещения, то и в литературе главным героем является просвещенный монарх или идеальный гражданин, который разделяет идеи Петра. Идеалы классицизма — стройный порядок и гармония, воплощенные в определенной иерархии. Воля, чувство общественного долга, патриотизм возвышались поэтами-классицистами. Они славили превосходство государственного над личным, разума- над чувствами, порядка — над хаосом, цивилизации — над природой. Иерархичность проявилась и в самой литературе. Классицизм резко разделил ее жанры. Гражданская тема облекалась в форму торжественной оды, а описание частной жизни доставалось более «низким» жанрам.

Естественно, что каждый жанр имел свой «набор» стилистических средств. Такое разделение на жанры имело большое прогрессивное значение, поскольку позволяло литературе отражать разнообразные явления жизни. Оды писались книжной лексикой с использованием старославянизмов, элегии — с определенным числом церковнославянской лексики и разговорной, басни и комедии — просторечиями (согласно теории «трех штилей» М.В. Ломоносова).

Не меньшее значение для развития русского литературного языка имела и реформа отечественного стихосложения, которая позволила приблизить русский стих к русской разговорной речи.

Но шло время. Менялись правители. Все дальше и дальше уходили петровские времена и к середине XVIII века многим стало ясно, что образ идеального просвещенного правителя далек от реальной жизни.

При Екатерине II русский абсолютизм достиг невиданного могущества. Дворянство получило неслыханные привилегии, Россия стала одной из первых мировых держав. Но крестьянская война 1773-1775 годов, возглавляемая Е.И. Пугачевым, показала те непримиримые противоречия, которые существовали между правящим сословием и бесправным народом. Основной принцип просветительской идеологии об абсолютизме, как единственной разумной власти, потерпел крах.

В этот период появляется новое литературное направление — сентиментализм (М.Херасков, М.Муравьев, Н.Карамзин, И. Дмитриев и др.), характеризуемый повышенным интересом к внутреннему миру человека. Сентименталисты считали, что человек по природе добр, лишен ненависти, коварства, жестокости, что на основе врожденной добродетели складываются общественные и социальные инстинкты, объединяющие людей в общество. Отсюда вера сентименталистов в то, что именно природная чувствительность и добрые задатки людей являются залогом идеального общества. В произведениях того времени главное место стало отводиться воспитанию души, нравственному совершенствованию. Первоисточником добродетели сентименталисты считали чувствительность, поэтому стихи их были наполнены состраданием, тоской и печалью. Сменились и жанры, которым отдавались предпочтения. На первое место вышли элегии, послания, песни и романсы.

Главные герой — обычный человек, стремящийся слиться с природой, найти в ней мирную тишину и обрести счастье. Сентиментализм, как и классицизм, тоже страдал определенной ограниченностью и слабыми сторонами. В произведениях этого направления чувствительность перерастает в меланхолию, сопровождаемую вздохами и обильно смачиваемую слезами.

И снова российская действительность вторглась в мир поэзии и показала, что только в единстве общего и личного, причем при подчинении личного общему, может состояться гражданин и человек. Это доказал в своем творчестве «отец русских поэтов» Г.Р. Державин, который сумел своими произведениями показать, что все стороны жизни достойны поэзии.

Но в поэзии конца XVIII века понятие «русский человек» отождествлялась лишь с понятием «русский дворянин». Державин сделал только первый шаг в понимании национального характера, показав дворянина и на службе Отечеству, и в домашней обстановке. Цельность и полнота внутренней жизни человека еще не были раскрыты.

Противостояние почвы и цивилизации

Реформы Петра I раскололи общество и привели к образованию двух различных укладов — “почвы” и “цивилизации” — по терминологии В. Ключевского. “ Почва ” — это уклад, основные черты которого сложились в условиях Московского царства. С ним была связана основная масса населения. Здесь господствовал коллективизм, уравнительный принцип социальной справедливости, антисобственнические настроения. “ Почва ” развивала богатейшие традиции народной культуры, культивировала свои системы обрядов, обеспечивавших непрерывность и жизненность традиций. “ Цивилизация ” — это уклад западного типа. Его выражала профессиональная интеллигенция и предприниматели, связанные с промышленным производством. Начало ему положили реформы Петра I. Между “почвой” и “цивилизацией” была пропасть. Это отразилось и в лингвистическом разрыве. “ Почва ” говорила на русском языке, “ цивилизация ” — на французском. Практически в рамках одной страны сосуществовали два общества, обладавшие разными ценностями, идеями, тяготевшие к различным путям развития. Расколотость России, противостояние двух культур — важнейший фактор, определивший развитие России в XVIII—XIX веках. Другие противоречия накладывались на этот глубинный раскол.

studfiles.net