Театр и литература: Проект «Театр и литература», посвященный Году театра — Дворец детского творчества им. Ф. И. Авдеевой

Проект «Театр и литература», посвященный Году театра — Дворец детского творчества им. Ф. И. Авдеевой

В современных условиях жизни с развитием информационных технологий, люди стали забывать, что такое настоящее искусство, которое объединяет кино, литературу, театр, живопись, информация к человеку поступает самыми различными способами — от телевидения до интернета — до минимума сведена потребность в чтении вообще, а тем более в чтении вдумчивом, приносящем эстетическое наслаждение.

Связь литературы и театра не только бесспорна, но и необходима. Если первая являет миру слово, то второй вдыхает в него новую жизнь, наделяет живыми эмоциями, что еще более приближает литературное творчество к сердцам людей и обогащает их духовно. 

В театральных постановках литературное творчество обретает новую жизнь. Даже мало сюжетное по своему содержанию произведение захватывает зрителя и заставляет сопереживать героям. Читатель-зритель сможет стать непосредственным участником театрализованного знакомства с персонажами литературных произведений и театральными жанрами.

 Данный проект направлен на продвижение книги и чтения, призван расширить понятия современного искусства и театральных форм, на популяризацию театрального искусства среди подрастающего поколения и дает возможность заявить о своем таланте юным дарованиям, сделать театр частью жизни каждого человека.

Цель:

создание условий для творческого, нравственно-интеллектуального развития детей средствами театрального искусства.

Задачи:

формирование представлений о специфике литературы и театра в ряду других искусств,

развитие эмоционального восприятия художественного текста и его сценического воплощения,

развивать творческие способности детей средствами театрального искусства.

Разработчик  проекта: библиотека МБУ ДО «Дворец детского творчества».

Партнеры проекта: редакция журналов «Колокольчик», «Чуораанчык», Внестационарный отдел Центра для детей и юношества НБ РС(Я).

Участники проекта: дошкольники  и учащиеся  образовательных учреждений любого типа и вида РС (Я) и их родители, педагоги.

Продолжительность проекта: с 13 февраля по 21 ноября 2019г.

План мероприятий по проекту:

 1.Старт проекта «Удивительный мир театра» 15 февраля (100 лет основания Большого драматического театра им. Г.А. Товстоногова г. Санкт-Петербург).

2.Конкурс – вернисаж декоративно-прикладного искусства и рисунков «Литературно-театральный реквизит» 27 марта (Международный день театра).

2 Семейный конкурс самодельных книг «Книжный бум»: «Мой театр»13 апреля (12-16 апреля «Международный театральный фестиваль «Царь Сказка»).

4. НПК «Литература и ее театрализация»-22 ноября.

Промежуточные мероприятия:

Встречи с артистами театров РС(Я) и деятелями культуры.

Викторины о театрах.

Книжные выставки о театрах.

Ожидаемый результат:

Повышение интереса учащихся к литературе, театральной деятельности.

Пополнение фонда материалами по театрализации литературы, о театральной деятельности.

Библиотекарь  Неустроева Н.И.

«Литература-театр-кино. На перекрестке жанров» в рамках проекта Воркшоп «Читать или не читать»

19 ноября в 16:00 в Библиотечно-культурном комплексе им. А.В. Молчанова, на Ленинском пр., 115 состоится воркшоп «Читать или не читать» на тему: «Литература-театр-кино. На перекрестке жанров». Ведущие-модераторы: писатель, драматург, сценарист и драматург Ольга Погодина-Кузьмина и заведующая библиографическим отделом ЦБС Кировского района Наталья Клюкина. Мероприятие будет доступна для библиотек Санкт‑Петербурга, регионов и стран мира в режиме телемоста с трансляцией в системе Пеликан и на YouTube-канале Biblio FM.

Связь литературы с кинематографом и театром не только бесспорна, но и необходима для развития этих трёх видов искусства. Любой фильм начинается с написания сценария, театр – с пьесы и даже в балете или опере, где огромную роль играет музыка, не обойтись без либретто.

Конечно, ничто не сравнится с прочтением книги. Но спектакли и фильмы более интерактивны по своей природе. Они позволяют зрителю своими глазами увидеть оживших героев классических произведений, вжиться в их роль, прочувствовать эмоции, которые трудно передать на бумаге. Всё это приближает литературное творчество к сердцам людей и обогащает их духовно.

Вместе с тем эта взаимосвязь не гарантирует лёгкого превращения прозаического произведения в пьесу или сценарий. Навыками драматургического и сценарного мастерства с участниками воркшопа поделится Ольга Погодина-Кузьмина, которая в своем творчестве успешно совмещает роли писателя, сценариста и драматурга. Она также расскажет, что в дальнейшем делать со сценарием, чтобы по нему поставили пьесу или сняли фильм.
Во второй части воркошопа Наталья Клюкина представит «Шорт-лист библиографа», в который вошли литературные новинки, которые можно найти в библиотеках Кировского района.

Приглашаем сотрудников ЦБС города, жителей и гостей Санкт‑Петербурга на воркшоп «Читать или не читать».

Внимание! В связи с распространением новой коронавирусной инфекции (covid-19) количество мест ограниченно. Обязательна регистрация по телефону (812) 752-01-29 (с пн. по пт. с 10:00 до 18:00).

Информация предоставлена СПб ГБУК «ЦБС Кировского района»

3. Греческий театр и литература. История Древней Греции

3. Греческий театр и литература

Растущая популярность театральных представлений привела к тому, что они не только заняли доминирующее место в религиозных и общественных празднествах, но отделились от религиозных церемоний, стали самостоятельным видом искусства, занявшим особое место в жизни древних греков. В архаический период театральные представления давались в разных местах, в V в. до н. э. появляется специально предназначенная для сценических действий площадка. Как правило, она выбиралась у подножия пологого холма, склоны которого обрабатывались в виде каменных ступенек, на которых рассаживались зрители (места для зрителей назывались театрон от слова теаомай — смотрю). Ступени располагались полукругом, разделялись на ярусы, возвышающиеся друг за другом, и сектора, разделенные проходами, как на современных стадионах.

Скачки на колеснице. Вазопись

Олимпия

Само сценическое действие проходило на утрамбованной круглой площадке, впоследствии вымощенной мраморными плитами и называемой орхестрой. В центре орхестры находился жертвенник Дионису. На орхестре выступали актеры и хор. Позади орхестры находилась палатка, где актеры переодевались, откуда они выходили на публику. Эта палатка называлась скена. Впоследствии вместо небольшой и теряющейся на фоне обширной орхестры палатки для переодевания стали строить постоянное высокое сооружение, на выступающей к зрителям стене которого рисовались декорации, изображавшие, как правило, фасад дворца, храма, крепостные стены, городскую улицу или площадь.

Сценическое действие разыгрывалось как диалог между одним актером и хором. В V в. до н. э. на сцену были введены еще два актера, и сценическое действие усложнилось, а роль хора уменьшилась. Актеры выступали в масках, которые покрывали не только лицо, но и голову. Маски изображали людей самого различного типа, возраста, общественного положения, даже передавали душевное состояние и нравственные качества. Меняя маски, один актер мог по ходу действия играть несколько разных ролей, правда, маска лишала возможности видеть мимику актера, но данное обстоятельство компенсировалось его выразительными телодвижениями. Мифологические герои или боги изображались значительно более крупными, чем обыкновенные люди, для этого актеры надевали специальную обувь с высокими подошвами — котурнами, носили высокий головной убор и подкладывали под одежду прокладки, чтобы казаться мощнее. Этот реквизит был необходим еще и потому, что при очень больших размерах греческих театров и отдаленности зрительских мест от орхестры актеры в таких костюмах становились заметнее, легче было следить за их игрой. Они играли в длинных одеяниях, в которые, по преданию, облачались в древности цари и жрецы. Применялись и некоторые механические приспособления. Например, если нужно было показать действие внутри дома, на орхестру выкатывали специальную деревянную платформу, где и располагались актеры. Если по ходу действия нужно было показать парящего в небе бога, то использовали специальное приспособление. Особое шумовое устройство могло воспроизводить удары грома.

Греческие театры были рассчитаны практически на все население города и насчитывали несколько десятков тысяч мест. Театр Диониса в Афинах имел 17 тыс. мест, знаменитый театр в Эпидавре (он хорошо сохранился до настоящего времени, и современные греческие актеры разыгрывают здесь древние трагедии) — 20 тыс. мест. Грандиозными были театры в Мегалополе — на 40 тыс., а театр в Эфесе даже на 60 тыс. мест. Театральные представления стали органической частью повседневной жизни. В Афинах, например, был учрежден специальный государственный фонд, так называемые «театральные деньги», который предназначался для раздачи бедным гражданам, чтобы они могли купить театральные билеты. И этот фонд не трогали даже при самых больших финансовых затруднениях государства, даже в случае военных действий.

В театрах играли пьесы прославленных греческих драматургов, в которых ставились животрепещущие вопросы современной жизни, Поскольку в театрах присутствовала обычно большая часть гражданского населения, зрители бурно одобряли или порицали автора. Греческие драматурги попадали, таким образом, в центр внимания своего полиса, и это, естественно, стало мощным стимулом для их творчества. V в. до н. э. — время необычайного расцвета классической греческой драматургии, появления титанов греческой и мировой литературы, великих трагиков Эсхила, Софокла и Еврипида, автора бессмертных комедий Аристофана. Их творчество знаменовало новый этап в мировом литературном процессе.

Отцом греческой трагедии считается Эсхил из Элевсина (525–456 гг. до н. э.). Его зрелые годы прошли в героический период победоносной войны греков с Персидской державой. Эсхил был участником наиболее крупных сражений этой войны (при Марафоне, Саламине и Платеях). Он принимал деятельное участие в общественной жизни Афин, выезжал в Сицилию и там же провел свои последние годы. Эсхилу приписывали создание 90 трагедий, из которых сохранилось семь. Наиболее известные — «Персы» (472 г. до н. э.), «Прикованный Прометей» (470 г. до н. э.) и трилогия «Орестея» (458 г. до н. э.), состоящая из трагедий «Агамемнон», «Хоэфоры» и «Эвмениды». Сюжетами трагедий Эсхила становятся давно известные мифологические сказания о титане Прометее, о преступлениях аргосских царей из рода Атридов. Только в «Персах» речь шла о реальных событиях — победе греков над персами в морской битве при Саламине. Однако Эсхил переосмысливает общеизвестные и незамысловатые мифы, вносит новые сюжетные линии, наполняет рассказ идеями своего времени. Эсхил отражает в своих произведениях торжество полисного порядка и его идеологии, он прославляет мужество, волю, патриотизм греков, противопоставляя им высокомерие и чванство восточного деспота Ксеркса в трагедии «Персы», он воспевает бесстрашие героев, ради людей готовых поспорить с самими богами, торжество цивилизованной жизни в «Прикованном Прометее» и вместе с тем в самых мрачных красках рисует деспотизм и тиранию Зевса. В трилогии «Орестея» его творчество пронизано философскими рассуждениями о смысле человеческого существования, отношениях людей и богов. Для Эсхила свободная и нравственная жизнь возможна только в огражденном справедливыми законами полисном коллективе. Здесь нет места тем тягчайшим преступлениям, которыми насыщена предшествующая дополисная эпоха. Такая устроенная жизнь угодна и богам. Творчество Эсхила прославляло политические, идейные и нравственные устои греческого полиса.

В творчестве Софокла из Афин поднимаются важнейшие вопросы бытия (496–406 гг. до н. э.). Софокл, по преданию, написал свыше 120 трагедий, из которых дошло только семь. Среди них самыми знаменитыми стали две: «Царь Эдип» (429–425 гг. до н. э.) и «Антигона» (442 г. до н. э.). В них Софокл говорит о месте человека в обществе и мире. Что такое человек — марионетка в руках всесильных богов или творец своей судьбы? В образах фиванского царя Эдипа и его дочери Антигоны Софокл намечает свое решение этой темы. Эдип — мудрый, добродетельный и справедливый царь, любимый своим народом, но тем не менее он игрушка в руках могущественных богов. Боги судили ему вести преступную жизнь: убить своего отца, жениться на матери и родить странные существа, которые были ему детьми, но вместе с тем и братьями. Пророчество сбывается, хотя Эдип, кажется, сделал все, чтобы его отвратить. И когда наступает жестокое прозрение, Эдип не смиряется со своей страшной долей. Он бунтует против несправедливости судьбы, против жестокости богов. Он сломлен, но не раздавлен. Он бросает вызов богам. Ослепив себя, он уходит из Фив и скитается по Греции, стремясь очиститься от наложенного роком преступления. Ушедший из мира, старый и больной, но не сломленный нравственно Эдип достигает духовного очищения, находит последнее пристанище в предместье Афин Колоне, становится героем — покровителем Колона. Эдип силой своего страдания сумел преодолеть тяжелые удары судьбы, намеченной богами, и тем победил их. Софокл утверждает идею всемогущества человека, беспредельности его сил, возможности противостоять неотвратимой судьбе. Центральная идея трагедии выражена им в прекрасных стихах:

Много в природе дивных сил,

Но сильней человека — нет.

Он под вьюги мятежный вой

Смело за море держит путь:

Кругом вздымаются волны —

Под ними струг плывет…

И беззаботных стаи птиц,

И породы зверей лесных,

И подводное племя рыб

Власти он подчинил своей.

Поставленная Софоклом проблема места человека в мире и обществе станет вечной темой всего мирового искусства. В творчестве Еврипида с Саламина (480–406 гг. до н. э.) греческая драма обогатилась новыми достижениями. Наиболее прославленной пьесой Еврипида, в которой отразилось его новаторство, является знаменитая «Медея», поставленная в 431 г. до н. э. В пьесе речь идет о страшной мести Медеи, дочери колхидского царя, которую предводитель аргонавтов Ясон увез из Колхиды в Грецию и здесь бросил на произвол судьбы, вступив в выгодный брак с дочерью коринфского царя. Оскорбленная до глубины души вероломством Ясона, которому она помогла добыть золотое руно, которого спасла от гибели ценой смерти своего брата, ради него оставила свою страну, Медея вынашивает планы жестокой мести. Совершенно неожиданно для себя самой Медея приходит к мысли об убийстве своих детей от Ясона. Еврипид психологически тонко рисует страшное смятение чувств любящей матери и жестокой мстительницы. В этой пьесе Еврипид разрабатывает несколько принципиально новых художественных приемов. Образ Медеи дан в развитии — любящая жена, нежная мать превращается в ненавидящую своего мужа женщину и убийцу своих собственных детей. Человек у Еврипида меняется внутренне, его раздираемая противоречивыми страстями душа страдает, и какая из этих страстей одержит верх, к каким страшным последствиям это приведет, человек и сам не знает. Непредсказуемый результат борьбы страстей в душе человека и есть его судьба. В творчестве Еврипида получила разработку замечательная художественная идея об исследовании внутреннего мира человека, бушующих там низменных и высоких страстях. Подобная трактовка образов стала художественным открытием Еврипида и оказала огромное воздействие на последующие судьбы греческой и мировой литературы. Неудивительно, что сохранилось 18 пьес Еврипида (из 92), т. е. больше, чем пьес Эсхила и Софокла вместе взятых. Художественный метод Еврипида оказал влияние на Шекспира, в театрах нашего времени ставится его бессмертная «Медея», а бушующая буря противоречивых страстей главной героини и сейчас потрясает своей художественной правдой.

Колесница (рельеф)

В целом творчество афинских трагиков V в. до н. э. стало замечательным художественным открытием древнего мира, определило многие направления дальнейшего движения мировой литературы.

Большой популярностью пользовался и жанр комедии. Комедия родилась из непринужденных, иногда очень вольных карнавальных песен и плясок во время веселых сельских праздников в честь бога Диониса — сельских Дионисий. Наиболее благоприятные условия для создания комедий сложились в демократических Афинах, где допускалась большая свобода критики как отдельных лиц, так и законов и учреждений. К тому же публичный характер заседаний Народного собрания, Совета 500, коллегий должностных лиц давал авторам комедий богатый материал. Так как во второй половине V в. до н. э. политические проблемы стали центральными в общественной жизни афинского государства, активно и открыто обсуждались широкими массами гражданства, то в ранних афинских комедиях стали преобладать политические сюжеты.

Политическая комедия достигла своего высшего расцвета в творчестве великого афинского драматурга Аристофана (445–388 гг. до н. э.). Сохранилось 11 комедий, в которых он дает описание самых различных слоев населения, поднимает многие злободневные проблемы афинского общества: отношение к союзникам, вопросы войны и мира, коррупции должностных лиц и бездарности полководцев. Он высмеивает глупость некоторых решений народных собраний, краснобаев — софистов и философа Сократа, заседательскую суету и любовь к сутяжничеству, говорит о неравномерном распределении богатств и трудной жизни афинских земледельцев. Аристофан не ставил в своих комедиях глубоких философских вопросов, как великие трагики, но зато он дал реалистическое описание многих сторон афинской жизни, его комедии являются ценным историческим источником эпохи. В своих пьесах Аристофан разработал множество остроумных комедийных ситуаций, которые стали широко использоваться последующими комедиографами вплоть до настоящего времени. Комедии Аристофана написаны сочным образным языком.

Трагедии и комедии принадлежали к поэтическим жанрам литературы. Прозаические произведения создавались историками, авторами монументальных повествований. Сама история в отличие от современного понимания ее как научной дисциплины в древности рассматривалась как художественное повествование. Прекрасными образцами греческой прозы V–IV вв. до н. э. стали исторические сочинения Геродота, Фукидида, Ксенофонта. Художественная проза представлена также речами афинских ораторов, особенно Исократа, Демосфена, философскими работами Платона и Аристотеля, которые придавали большое значение литературной отделке своих произведений.

Русский и литература, отзывы на спектакль, постановка МДТ — Театр Европы – Афиша-Театры

У меня до недавних пор был единственный вопрос к любимому театру — когда на сцене появится современная литература. В 2013 году вопрос был снят — Малый запустил фестиваль «МЫ и ОНИ = МЫ», в итоге оставив в своём репертуаре все эскизы фестиваля. И теперь с сюжетами Достоевского и Гроссмана на большой сцене соседствуют пьесы сегодняшних авторов на сцене камерной. Знаю, что Лев Додин долго искал для своего театра современный материал и сетовал, что не находится. Вряд ли для фестиваля что-то нашлось — скорее всего, выбранная форма эскизов и сама площадка камерной сцены говорит о том, что большого текста не нашлось. Ни пьеса Максима Осипова «Русский и литература», ни «Человеческий фактор» Франсуа Эмманюэля до уровня Гроссмана не дотягивают. Все темы, которые поднимают наши современники, у того же Гроссмана даны отчётливее и мудрее. И на секунду даже кажется, что по сравнению с основным репертуаром все эти эскизы выглядят произведением студенческой самодеятельности. В них нет художественной целостности «Врага народа» или «Повелителя мух». Но два «но»:
1) труппа МДТ по традиции вытягивает даже слабые тексты и делает их лучше, артикулирует сюжет мощнее, чем изначально автор. Наталья Акимова, возможно, играет свою лучшую роль как раз в спектакле «Русский и литература». Именно этот материал позволяет увидеть мастер-класс актёрского существования от Натальи Акимовой, Елены Соломоновой;
2) Нет у Ибсена и Абрамова наших сегодняшних чиновников и гастарбайтеров. Мы слышим эти пьесы и узнаём то, что сегодня слышно на улицах — слова-паразиты, сленг, манеру говорить. Именно своей актуальностью важны эти пьесы. Они не претендуют на сравнение с великими — это всё покажет время; современные пьесы просто характеризуют наше время, обозначают то, что мы вроде и без того знаем, а потому не всегда замечаем. Глаз замылен. Не каждый точащий зуб на мигрантов знает, по каким причинам таджики приехали работать в Россию.

Текст Осипова — текст хороший и умный. Наконец-то к современной литературе можно обратиться после похода в театр. Осипов предельно точно расставляет болевые точки. Александр Блок с одной стороны, Алла Пугачева — с другой. Он на единой линейке располагает новых хозяев жизни, молодёжь, Учителя. Симпатии автора на стороне Учителя. Потому что «из слитно-­раздельно, из геометрии, из материков и проливов, дат суворовских походов, из любви к Шопену и Блоку
вырастает деятельная, гармоничная жизнь». К этому списку давно можно добавить Малый драматический театр. И не случайно театр находит пьесу Осипова и считает нужным её ставить. Оно не помешает.

ЛИТЕРАТУРА И ТЕАТР ДРЕВНЕЙ ГРЕЦИИ.

ЛИТЕРАТУРА — древнейшая в Европе. Греки — родоначальники множества литературных форм и жанров, которые под греческими названиями стали образцом для всей европейской литературы (трагедия, комедия, эпос, лирика и т. д.).

Началом греческой литературы принято считать поэмы Гомера «Илиада» и «Одиссея». Они являются венцом эпических традиций, длительное время сохранявшихся бродячими декламаторами (рапсодами). Все другие виды эпоса утрачены. Около 700 г. до н. э. жил Гесиод, первый поэт Европы, писавший о своей судьбе. В поэме «Теогония» он дал картину происхождения мира и богов, в «Трудах и днях» содержится свод морально-хозяйственных и религиозных наставлений.

В VII-VI вв. до н. э. значительную роль в литературе начала играть лирика, отражавшая рост самосознания личности. Гражданственность отличает поэзию Тиртея, воодушевлявшего спартанцев в их борьбе за обладание Мессенией. В своих элегиях Тиртей восхвалял воинские доблести и излагал нормы поведения воинов. Творчество Феогиида — поэта-аристократа, скорбившего о гибели аристократии и страдавшего от этого, пронизано ненавистью к низам и жаждой мести. К VII в. до н. э. относится поэзия ионийского поэта Архилоха. ярко отразившая скитания, невзгоды и разочарования его жизни. В творчестве другого великого лирика — Ал-кея — отразилась бурная политическая жизнь того времени. Наряду с политическими мотивами в его стихах присутствуют и застольные, в них звучит радость жизни и печаль любви, размышления о неизбежности смерти и призывы к друзьям возрадоваться жизни. Знаменитой современницей Алкея была Сапфо. В центре се творчества стояла женщина, страдающая от любви и терзаемая муками ревности, или мать, нежно любящая своих детей. По их стопам иониец Анакреонт (VI-V вв. до н. э.) создал лирические миниатюры главным образом на застольные и любовные сюжеты.

Время культурного первенства Афин — V-IV вв. до н. э. — эпоха наивысшего расчета греческой литературы. Центральное место занимали драматические жанры, развившиеся из сочетания хоровой лирики с обрядовыми играми. Ведущий жанр — трагедия с мифологическим сюжетом «Отцом трагедии» считается афинянин Эсхил (около 525-456 гг. до н. э.). Им было создано примерно 90 произведений. До нас дошло семь, написанных, за исключением трагедии «Персы», на мифологические сюжеты, но на деле касавшихся актуальных проблем. Эсхил прославлял справедливость принципов, лежащих в основе афинского государственного устройства милосердие и другие гражданские добродетели. Наиболее известна трагедия «Прометей прикованный».

У Софокла, драматурга эпохи расцвета афинской демократии, люди вполне самостоятельны в своем поведении. Ведущие черты личности его персонажей проявляются в конфликтах между законом государства и неписаными законами религии и морали («Антигона»), в столкновении честного прямодушия и лукавой мудрости («Филоктет»), страдания во имя долга («Электра»).

Еврипида можно считать родоначальником психологической драмы. Если Софокл, по мнению древних, изображал героев такими, какими они должны быть, то Еврипид изображал тех людей, таких видел в жизни, старался разглядеть в характере человека причину его гибели («Электра», «Геракл», «Медея» и др.).

Наиболее острым в политическом отношении жанром являлась аттическая комедия. Крупнейший комедиограф — Аристофан, расцвет творчества которого падает на годы Пелопоннесской войны. Творчество Аристофана отразило политические взгляды аттического крестьянства. ненавидящего войну и стоящих у власти демагогов. Аристофан дал смелую сатиру на политическое и культурное состояние Афин во время кризиса демократии («Мир», «Лисистрата», «Всадник», «Осы» и др.).

Внимание!

Если вам нужна помощь в написании работы, то рекомендуем обратиться к профессионалам. Более 70 000 авторов готовы помочь вам прямо сейчас. Бесплатные корректировки и доработки. Узнайте стоимость своей работы.

В греческой литературе IV в. до н. э. значительное место принадлежит прозе, достигшей высокого художественного уровня в области историографии (Геродот, Фукидид, Ксенофонт), философского диалога (Платон) и ораторского искусства.

В период эллинизма греческая культура отходит от значительных общественно-политических проблем. Литература обращается к семейным и бытовым темам. Афинянин Менандр считается мастером неполитической комедии, ставшей образцом для комедий нового времени. Феокрит основал новый литературный жанр — буколики (пастушеская поэзия). В римский период историк-моралист Плутарх (I-II вв. н. э.) создает в своих «Параллельных жизнеописаниях» образцы героических деятелей греческого и римского прошлого. Последний повествовательный жанр античности — греческий роман I-III вв. (приключенческий или любовный) рисует идеальных влюбленных, оставшихся верными друг другу, несмотря на удары судьбы и разные искушения (Харитон, Гелиодор, Ямвлих, Ахил, Тагий, Лонг). трех соревнующихся драматургов-трагиков выступал с тетралогией, состоящей из трех трагедий и одной сатировской драмы (веселой пьесы). Постановщиком являлся сам поэт.

Древнегреческий театр состоял из трех частей: орхестры (круглой площадки для выступления танцоров, актеров и хора), зрительного зала и скены — сценической постройки с комнатами для переодевания актеров и хранения реквизита. Особенностью всех древних драм был хор, сопровождавший пением и танцами все действие. Эсхил ввел двух актеров вместо одного, открыв этим возможности более глубокой разработки трагедийного конфликта. Появление третьего актера — нововведение Софокла, позволившее обрисовать различные линии поведения в одном и том же конфликте. Женские роли исполнялись мужчинами. В Афинах эпохи Перикла обычно не повторяли старых трагедий и комедий, поэтому на представление собирались все желающие (до 17 тыс. чел) Этим объясняется и огромное количество произведений, созданных трагиками. Древнегреческий театр, особенно афинский, был тесно связан с жизнью полиса, будучи по существу вторым народным собранием, где (Осуждались самые животрепещущие вопросы.

Поможем написать любую работу на аналогичную тему

Получить выполненную работу или консультацию специалиста по вашему учебному проекту

Узнать стоимость

Театр в художественной литературе

2019 год объявлен Годом театра в России.

Загадочная, наполовину скрытая от посторонних, полная интриг жизнь театра привлекала многих писателей. О секретах закулисья и актерской жизни написано множество художественных произведений.

Предлагаем вашему вниманию подборку захватывающих книг о театре, которые способны отвлечь от Facebook и Instagram.

Михаил Булгаков. Театральный роман (Записки покойника)

Главный герой писал себе да писал для газеты «Вестник пароходства», пока не решился наконец исполнить свою писательскую мечту. Из-под его пера так и не вышло романа, зато получилась весьма неплохая пьеса, быстро попавшая в поле зрения театрального мира Москвы. И вот тут-то и начинается самое интересное – закулисная жизнь с фирменным булгаковским налетом мистики и дьявольщины. Можно подумать, что Булгаков писал просто о театре, но за «Независимым театром», Иваном Васильевичем и Аристархом Платоновичем в тексте скрываются конкретные места и личности: тогдашний МХАТ, Станиславский, Немирович-Данченко и другие известные театральные деятели. Пожалуй, это одна из самых ироничных, умных и оригинальных книг в русской литературе.

Шолом-Алейхем. Блуждающие звезды

Лиричная и трогательная история любви к человеку и театру. Главные герои – дочь бедняка-кантора и сын местного богача, покоренные спектаклями бродячего театра, – бегут из родных мест, чтобы посвятить свою жизнь сцене. Вместе они хотят играть и любить, но расстаются, чтобы через много лет встретиться снова. «Звезды не падают, звезды блуждают!» – пишет Шолом-Алейхем, подтверждая это каждой страницей романа. И блуждают они в поисках простого счастья!

Гастон Леру. Призрак оперы

Еще одна идеальная классическая история о театре и людях, преданных ему всем сердцем. Мистика и романтика, фундаментальный сказочный сюжет о Красавице, Чудовище и любви, которая может преодолеть все. Такой вердикт можно вынести после прочтения романа французского писателя Гастона Леру. Но по жанру «Призрак Оперы» ближе к традициям готического романа. В повествовании ничего лишнего, никаких лирических отступлений, роман местами похож на газетную статью, кажется, автор добивался сходства с документальной хроникой, чтобы убедить читателя, что все это было на самом деле. Читается на одном дыхании! Кстати, сюжет в XX в. не раз получал новое воплощение, достаточно вспомнить известный одноименный мюзикл английского композитора Эндрю Ллойда Уэббера.

Сомерсет Моэм. Театр

Изящный, ироничный роман, повествующий о жизни блистательной и умной актрисы, звезде лондонского театрального мира. В нем есть место улыбки и печали, любви и предательству, нищете и роскоши, быту и глубочайшей философии, корысти и преданности. Одна из удачных экранизаций одноимённого романа Моэма – советский двухсерийный телефильм 1978 г., снятый на Рижской киностудии (реж. — Янис Стрейч).

Татьяна Устинова. Шекспир мне друг, но истина дороже

В командировке в Нижний Новгород режиссеру Максиму Озерову и его напарнику Феде Величковскому предстоит записать спектакль для радио! Старинный драматический театр встречает москвичей загадками и тайнами. А прямо во время спектакля происходит убийство… Порой главным героям кажется: они не столько записывают спектакль, сколько сами участвуют в невероятном, фантасмагорическом спектакле, где всё по правилам – есть неуловимый, как тень, злодей, есть красавицы, есть чудовища, есть даже самый настоящий призрак! Время от времени и Максиму Озерову, и Феде чудится, будто вся эта поездка была придумана не ими, а кем-то неизвестным и всесильным, кто просто захотел поговорить…

Дорогие друзья! С этими и другими художественными произведениями о театре из фондов краевой библиотеки вы можете познакомиться на площадке нашего летнего читального зала с 1 по 4 июля 2019 г. Взрослых и детей ждет интересная выставка о театрах Перми и увлекательная «театральная» викторина.

Театр и литература : Сб. ст. к 95-летию А. А. Гозенпуда

---

Поиск по определенным полям

---

Чтобы сузить результаты поисковой выдачи, можно уточнить запрос, указав поля, по которым производить поиск. Список полей представлен выше. Например:

author:иванов

Можно искать по нескольким полям одновременно:

author:иванов title:исследование

Логически операторы

---

По умолчанию используется оператор AND.
Оператор AND означает, что документ должен соответствовать всем элементам в группе:

исследование разработка

author:иванов title:разработка

оператор OR означает, что документ должен соответствовать одному из значений в группе:

исследование OR разработка

author:иванов OR title:разработка

оператор NOT исключает документы, содержащие данный элемент:

исследование NOT разработка

author:иванов NOT title:разработка

Тип поиска

---

При написании запроса можно указывать способ, по которому фраза будет искаться. Поддерживается четыре метода: поиск с учетом морфологии, без морфологии, поиск префикса, поиск фразы.
По-умолчанию, поиск производится с учетом морфологии.
Для поиска без морфологии, перед словами в фразе достаточно поставить знак «доллар»:

$исследование $развития

Для поиска префикса нужно поставить звездочку после запроса:

исследование*

Для поиска фразы нужно заключить запрос в двойные кавычки:

«исследование и разработка«

Поиск по синонимам

---

Для включения в результаты поиска синонимов слова нужно поставить решётку «#» перед словом или перед выражением в скобках.
В применении к одному слову для него будет найдено до трёх синонимов.
В применении к выражению в скобках к каждому слову будет добавлен синоним, если он был найден.
Не сочетается с поиском без морфологии, поиском по префиксу или поиском по фразе.

#исследование

Группировка

---

Для того, чтобы сгруппировать поисковые фразы нужно использовать скобки. Это позволяет управлять булевой логикой запроса.
Например, нужно составить запрос: найти документы у которых автор Иванов или Петров, и заглавие содержит слова исследование или разработка:

author:(иванов OR петров) title:(исследование OR разработка)

Приблизительный поиск слова

---

Для приблизительного поиска нужно поставить тильду «~» в конце слова из фразы. Например:

бром~

При поиске будут найдены такие слова, как «бром», «ром», «пром» и т.д.
Можно дополнительно указать максимальное количество возможных правок: 0, 1 или 2.4 разработка

По умолчанию, уровень равен 1. Допустимые значения — положительное вещественное число.

Поиск в интервале

---

Для указания интервала, в котором должно находиться значение какого-то поля, следует указать в скобках граничные значения, разделенные оператором TO.
Будет произведена лексикографическая сортировка.

author:[Иванов TO Петров]

Будут возвращены результаты с автором, начиная от Иванова и заканчивая Петровым, Иванов и Петров будут включены в результат.

author:{Иванов TO Петров}

Такой запрос вернёт результаты с автором, начиная от Иванова и заканчивая Петровым, но Иванов и Петров не будут включены в результат.
Для того, чтобы включить значение в интервал, используйте квадратные скобки. Для исключения значения используйте фигурные скобки.

Драматическая литература | Британника

Полная статья

Драматическая литература , тексты пьес, которые можно читать, в отличие от увиденных и услышанных в исполнении.

Термин драматическая литература подразумевает противоречие в том, что литература первоначально означало что-то написанное, а драма означало нечто исполненное. Большинство проблем и значительный интерес к изучению драматической литературы проистекают из этого противоречия.Несмотря на то, что пьесу можно ценить исключительно за ее писательские качества, большее вознаграждение, вероятно, получают те, кто остается внимательным к изменчивости пьесы в целом.

Британская викторина

Викторина по английским и ирландским драматургам (часть вторая)

Знаете ли вы, кто написал «She Stoops to Conquer»? Кого из драматургов XVII века арестовали и бросили в лондонский Тауэр? Проверьте свои знания истории театра на Британских островах с помощью этой викторины.

Однако для того, чтобы оценить эту сложность драмы, необходимо изучить каждый из ее элементов — актерское мастерство, режиссуру, постановку и т. Д., Чтобы можно было полностью понять его отношение ко всем остальным. Целью данной статьи является изучение драмы с особым вниманием к тому, что излагает драматург. История драматической литературы в западной культуре обсуждается в статье «Западный театр», при этом некоторое обсуждение драматической литературы также включено в статьи о литературе разных языков, народов или регионов — например, английская литература, французская литература, немецкая литература и т. Д. и так далее.Для обсуждения драматической литературы других культур, см. Африканская литература, африканский театр, восточноазиатское искусство, исламское искусство, искусство Южной Азии и искусство Юго-Восточной Азии.

Общие характеристики

С момента создания пьесы в сознании ее автора до ее образа, который публика уносит из театра, множество рук и множество физических элементов помогают воплотить ее в жизнь. Поэтому возникают вопросы относительно того, что для него является существенным, а что — нет.Это пьеса, которую, по мнению ее автора, пишет, или слова, которые он написал? Является ли пьеса способом воплощения этих слов или их реальной интерпретацией режиссером и актерами на конкретной сцене? Отчасти пьеса — это ожидание, которое публика приносит в театр, или это реальный ответ на то, что видят и слышат? Поскольку драма — это такой сложный процесс общения, ее изучение и оценка столь же неопределенны, сколь и переменчивы.

Получите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту.Подпишитесь сейчас

Все пьесы зависят от общего согласия всех участников — автора, актеров и публики — принять действие театра и связанные с ним условности, точно так же, как игроки и зрители принимают правила игры. Драма — это явно нереальное занятие, которым можно заниматься, только если в этом признаются все участники. В этом и заключается очарование его изучения. Ибо одно испытание великой драмы состоит в том, насколько далеко она может вывести зрителя за пределы его собственной непосредственной реальности и как можно использовать это воображаемое высвобождение.Но изучающий драму должен знать правила, по которым игроки начали игру, прежде чем он сможет вынести такое суждение. Эти правила могут быть условностями написания, действия или ожидания аудитории. Только когда все условности плавно работают вместе в синтезе и воображаемый опыт страстно наслаждается с умом и эмоциями, можно увидеть великую драму такой, какая она есть: объединенная работа хорошего драматурга, хороших игроков и хорошая публика, собравшаяся вместе в наилучших возможных физических условиях.

Драма в той или иной форме встречается почти в каждом обществе, примитивном и цивилизованном, и выполняет самые разные функции в обществе. Например, есть записи о священной драме в Египте за 2000 лет до нашей эры, а Феспис в VI веке до нашей эры в Древней Греции удостоился чести быть первым известным драматургом. Элементы драмы, такие как пантомима и танец, костюм и декор, задолго до появления слов и литературной изысканности, которая теперь ассоциируется с пьесой.Более того, такие базовые элементы не заменялись словами, а лишь усиливались ими. Тем не менее, только тогда, когда сценарий пьесы предполагает дисциплинарный контроль над драматическим опытом, изучающий драму получает измеримые доказательства того, что должно было составлять пьесу. Только тогда можно будет обсуждать драматическую литературу как таковую.

В текстах пьес указываются различные функции, которые они выполняли в разное время. Некоторые пьесы охватывали почти всю общину в рамках особого религиозного праздника, например, когда все мужчины-граждане греческого города-государства собирались вместе, чтобы почтить своих богов, или когда ежегодный праздник Корпус-Кристи отмечался великими средневековыми христианскими мистическими циклами.С другой стороны, церемониальный храмовый ритуал ранней японской драмы Но проводился на религиозных праздниках только для феодальной аристократии. Но драма может также служить более прямой дидактической цели, как и пьесы о морали позднего средневековья, некоторые мелодрамы 19-го века и дискуссионные пьесы Джорджа Бернарда Шоу и Бертольда Брехта 20-го века. Пьесы могут высмеивать общество или мягко освещать человеческие слабости; они могут предугадывать величие и ограниченность людей в трагедиях или, в современном натуралистическом драматургии, исследовать человеческий разум.Драма — это самое обширное из всех искусств: она не только представляет жизнь, но и является способом ее увидеть. И это неоднократно доказывает утверждение Сэмюэля Джонсона о том, что не может быть определенного предела способам композиции, открытым для драматурга.

Театр | искусство | Британника

Театр , также пишется театр , в драматическом искусстве, искусстве, занимающемся почти исключительно живыми выступлениями, в которых действие точно спланировано для создания связного и значительного чувства драмы.

Хотя слово театр происходит от греческого theaomai , «видеть», само представление может понравиться либо уху, либо глазу, что предполагает взаимозаменяемость терминов зритель (что происходит от слов, означающих «для просмотра») и аудитория (происходит от слов, означающих «слышать»). Иногда привлекательность сильно интеллектуальна, как в «Гамлете » Уильяма Шекспира, но интеллектуальный элемент сам по себе не гарантирует хорошего театра.Например, очень трудно добиться хорошей производительности Hamlet , а плохая — гораздо менее полезна, чем блестящая презентация фарса. Более того, хороший Гамлет предъявляет к зрителю требования, которые могут быть больше, чем то, что этот зритель готов выдвинуть, в то время как фарсом можно наслаждаться в состоянии относительного расслабления. Полноценное участие зрителя — жизненно важный элемент в театре.

Британская викторина

Ночь в театре Quiz

Найдите свое место и проведите долгую ночь, демонстрируя все, что вы знаете о пьесах, драматургах, театрах и других аспектах театральной истории (в основном, но не полностью, в Великобритании).

Существует широко распространенное заблуждение, что театральное искусство можно обсуждать исключительно с точки зрения интеллектуального содержания сценария. Театр, по сути, не является литературным искусством, хотя ему так учат в некоторых университетах и ​​школах. В течение многих лет произведения греческих драматургов, Шекспира и других выдающихся писателей, таких как Фридрих фон Шиллер, скорее были изучены, чем исполнены полностью. Литературная сторона театральной постановки работает наиболее эффективно, когда она подчинена театральности.Сильнейшее влияние на публику оказывают игра, пение и танцы, за которыми следуют зрелище — фон, на котором происходят эти действия. Позже, поразмыслив, зритель может обнаружить, что смысл текста произвел более стойкое впечатление, но чаще литературные достоинства сценария или его «послание» являются сравнительно второстепенным элементом.

Тем не менее, часто предполагается, что театральный опыт можно усвоить, прочитав текст пьесы. Отчасти это результат влияния театральных критиков, которые как писатели тяготеют к литературной ориентации.Их влияние усиливается тем фактом, что сделать серьезный театр широко доступным сложно; для каждого человека, увидевшего важную постановку в театре, тысячи других узнают о ней только по отзывам критиков. В то время как рецензенты в основной прессе могут больше доверять таким элементам, как актерское мастерство и танцы, критики в более серьезных журналах могут больше интересоваться текстовыми и тематическими ценностями. Конечно, такое влияние варьируется от страны к стране. В Нью-Йорке критик одной газеты, такой как The New York Times , может определять судьбу и исторические рекорды выпуска, обеспечивая его успешный тираж или заставляя его закрыться в одночасье.Однако в Лондоне публика, как известно, сопротивлялась воле критиков.

Получите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подпишитесь сейчас

Нельзя сказать, что вклад автора в театральный опыт не важен. Сценарий спектакля — основной элемент театрального представления. Для многих шедевров это самый важный элемент. Но даже эти драматические шедевры требуют творческого сотрудничества не только автора, но и других художников.Драматический сценарий, как партитура из оперы или сценарий балета, — не более чем исходный материал, из которого создается спектакль. Актеры, вместо того чтобы просто отражать творение, уже полностью выраженное в сценарии, придают тело, голос и воображение тому, что было лишь призрачным указанием в тексте. Текст пьесы столь же расплывчат и неполон по отношению к полностью реализованному исполнению, как и партитура к концерту. Гамлеты двух великих актеров, вероятно, отличаются более чем двумя виртуозными исполнениями вариаций Гольдберга Иоганна Себастьяна Баха.В общем, поистине незабываемый театральный опыт — это тот, в котором различные элементы представления целенаправленно приведены в гармонию. Это перформанс, в котором текст раскрывает свои значения и намерения посредством умелых действий в среде, созданной с соответствующей мерой красоты или визуального воздействия.

Эта статья содержит трактовку театрального искусства в самых общих чертах, попытку осветить, что это такое и почему на протяжении всей истории оно считалось фундаментальной деятельностью человека.В театральной постановке можно найти обширную трактовку элементов театра. Относительно отношения театра к музыке и танцу, см. театральная музыка, опера и танец. Для исторической обработки западного театра, см. Западный театр. Театральные традиции других культур мира рассматриваются в таких статьях, как африканский театр, искусство Восточной Азии, исламское искусство, искусство Южной Азии и искусство Юго-Восточной Азии. Для общего обзора драматической литературы и ее трагических и комических форм, см. драматическая литература.Драматическая литература также рассматривается в статьях о литературе определенных языков, народов или регионов — например, африканской литературе, бельгийской литературе, английской литературе, французской литературе, немецкой литературе, русской литературе и т. Д.

онтологический аспект их взаимоотношений

ANTARES, v. 11, n. 24, комплект. / Дез. 2019 12

продемонстрировано «развитием театрального искусства от культуры исполнительства

1960-х годов до различных интерпретаций« ритуального театра »(Ежи Гротовски, Ричард

Шехнер, Эудженио Барба» (FISCHER-LICHTE, 2004, с. .66).

Здесь мы можем сделать промежуточный вывод относительно онтологического различия

между драматическим текстом как онтологически и функционально замкнутой

условной реальностью и текстом перформанса, который открыт онтологически, но при этом

закрыт функционально. Драматический текст как условная реальность открыт, пока его пишет автор

, и закрывается, когда автор заканчивает писать. Этот взгляд на закрытую реальность

соответствует концепции Фишера-Лихте об артефакте произведения искусства.

Художник, субъект 1, создает отдельный, фиксированный и передаваемый артефакт, который существует

независимо от своего создателя. Это условие позволяет смотрящему, субъекту 2, сделать его

объектом своего восприятия и интерпретации. Фиксированный и передаваемый артефакт,

, т. Е. Характер произведения искусства как объекта, гарантирует, что наблюдатель может повторно изучать

его, постоянно обнаруживать новые структурные элементы и приписывать ему различные значения

(FISCHER-LICHTE, 2008, стр.17).

Что касается текста исполнения, его внутренняя открытость является результатом его динамической природы

, уникальности, непредсказуемости, невоспроизводимости (исполнение, записанное на ленте

или любом другом физическом носителе, немедленно превращается в закрытый текст). «Здесь

творческая работа и восприятие происходят одновременно; целостность перформанса

исчезает, когда он заканчивается, так что завтра он может снова появиться, хотя и в другом качестве

, и перейти в «свое другое» (Гегель) »(ПРАЗДНИКОВ, 2011, с.19).

С. Эйзенштейн отметил онтологическую слабость онтологически замкнутых

реальностей (в данном случае кинематографического текста) по сравнению с онтологически открытым

перформанс. Текст:

Суть дела в том, что в кино мы не имеет дело с событием, а

с изображением события. Если событие снимается с одной точки обзора, результат

всегда будет отображением этого события, а не восприятием события, способным

вызвать у зрителя сочувствие к нему.В театре, например, несмотря на условность и относительность

, физически реальное событие фактически разворачивается перед

зрителем. Актеры — реальные люди, а не тени; голоса, хотя

голоса актеров претендуют на то, чтобы быть голосами персонифицируемых персонажей; их действия

являются подлинными. Не так в кино: здесь нет физической реальности,

только серая тень ее отражения (EISENSTEIN, 2010, с.133-134).

В этом случае С. Эйзенштейн фактически сужает условность до своей онтологической версии

. Между тем, сценическая реальность театра — это впечатляющий

и онтологически парадоксальный пример, демонстрирующий, что физически существующая реальность

событий не является действительной реальностью: физически реальное событие разыгрывается в литературном спектакле

Are Plays. ? «Литературное консультирование

Это сложный вопрос.Если вы спросите об этом среди писателей, они будут нервничать. Кто-то может задаться вопросом, а имеет ли это какое-то значение? Для меня, как для драматурга, важно, чтобы к писательскому мастерству относились с таким же уважением, как и к другим формам письма. Кроме того, моя дневная работа менеджером по связям с общественностью Королевского литературного общества (RSL) означает, что я сталкиваюсь с такими вопросами чаще, чем в противном случае. В недавнем опросе, проведенном по заказу Ipsos MORI, RSL изучал отношение общественности к литературе, позволяя респондентам определять его самостоятельно.OED определяет литературу как «письменные произведения, особенно те, которые считаются имеющими высшие или непреходящие художественные достоинства», а пьесы просто определяются как «драматические произведения для сцены или радиовещания».

Этимология литературы происходит от латинского littera или букв, а этимология пьес связана с движением. Таким образом, кажется, существует четкое различие, если понимать буквально, между литературой и пьесами — особенно если учесть слово « драматург », которое похоже на слово других профессиональных ремесленников — подумайте о корабельном или колесном мастере — идея состоит в том, что пьесы создаются, а не просто написано.Это верно до определенного момента. Если вы не работаете в качестве разработчика или сильно не полагаетесь на улучшение для создания работы (а, конечно, многие театральные постановщики так делают), вам как драматургу придется в первую очередь писать. Вы, вероятно, будете очарованы или даже одержимы языком, речью, диалектом, ритмом и тоном. Ручка, клавиатура, что угодно, слова должны быть на странице, чтобы актеры и режиссеры могли их интерпретировать. Достаточно ли тогда того, что слова могут появиться на странице — разве это само по себе создает игровую литературу?

Этимология литературы происходит от латинского littera или букв, а этимология пьес связана с движением.

Сценарий — это только отправная точка; пьеса обретает новую жизнь, когда она «стоит на ногах» — слова внезапно обретают новое значение благодаря режиссерскому вкладу и актерской интонации. Является ли сценарий просто общим представлением о том, что может произойти в процессе работы? Разве драматурги не обращают внимания в репетиционной комнате на свою работу, когда она соскакивает со страницы? Ничего из того, что я знаю, я должен сказать. Считается, что это слишком дорого, но есть определенные ожидания, что драматурги захотят, чтобы их работа взращивалась и уважалась в процессе сотрудничества.Я часто нахожу, что узнаю больше о своих персонажах из бесед с актерами и режиссерами. Один раз переосмыслить всю мотивацию и путь персонажа на основе того, как актер сказал одно слово в сценарии. Репетитор драматурга однажды сказал, что сценарий может страдать от того, что он «слишком готов», слишком отполирован и что режиссеру должно быть место, чтобы с ним что-то сделать. Это говорит о том, что сценарий является просто руководством и что процесс не завершается, пока он не «запущен». В статье 2010 года для журнала Guardian Дэвид Джейс утверждает, что «литературных привратников пугает нагло коллективный и преходящий характер театра», потому что мы думаем о литературном опыте как о «по сути уединении: молчаливая встреча одинокого читателя с важным текстом», но — добавляет он, — «конечно же, литература не о созерцании или не только о созерцании, не говоря уже о медитации.Речь также идет о вовлечении.

Скрипт — только начальная точка

Все это может показаться далеким от литературного канона. RSL насчитывает около 500 стипендиатов — это писатели, избранные Советом RSL и вице-президентами, чьи работы считаются исключительно литературными и включают в себя самых лучших писателей Великобритании на сегодняшний день. Представлены все формы: романисты, поэты, биографы, сценаристы, либреттисты и многие другие. Плюс 18 стипендиатов-драматургов (есть и другие, которые тоже пишут для театра, но их основная форма не такая).Драматурги (и другие писатели) выбирают драматургов. Это большая честь. Буквы FRSL идут после вашего имени; вы член Королевского литературного общества. Коллеги считают вашу работу литературой. С тех пор, как она была впервые присуждена в 1901 году, 6 писателей были удостоены Нобелевской премии по литературе, главным образом за написание драматических произведений (гораздо больше как одной из многих форм, которые они пишут).

Драматург пишет не только диалоги, они также создают сцену. Сэмюэл Беккет написал в своем Завещании, что его сценарии должны выполняться так, как написано, без каких-либо изменений.(Если написано четыре шага, вы сделаете четыре шага!) Его пьесы должны быть показаны так, как он задумал. Читая Беккета, чувствуешь его лиризм и поэзию; Видя такие пьесы, как « Rockaby » или « Not I », вы обретаете огромное потустороннее миролюбие, которое вы не можете получить со страницы. Тем не менее, сила слов сохраняется как на странице, так и за ее пределами. Стиль Беккета узнаваем. Как и потный, наводящий на размышления настрой Теннесси Уильяма. Стоит отметить, насколько обширны были сценические постановки, и как в наши дни на курсах по написанию сценария нас поощряют к минимализму — чтобы дать режиссеру / драматургу / дизайнеру немного места.Я люблю читать Теннесси Уильямса; он нарисовал ясную картину мира, который хотел, чтобы вы видели на сцене или в уме. Для меня это верно, когда я читаю Шелаг Делейни, Нелл Данн и Дебби Такер Грин.

Сэмюэл Беккет написал в своем Завещании, что его сценарии должны выполняться так, как написано, без изменений. (Если написано четыре шага, вы сделаете четыре шага!) Его пьесы должны быть показаны так, как он задумал.

Литература существует только на странице? Пьесы — это не романы.Вы не обсуждаете их в книжных группах. никто не читает пьес. Не так! С этой целью в 2016 году я руководил группой игровых книг (правда, для драматургов). Самой продаваемой книгой десятилетия на сегодняшний день является сценарий Джека Торна « Гарри Поттер и проклятое дитя » (основанный на оригинальном рассказе Дж. К. Роулинг). Конечно, есть аргумент, что некоторые не осознавали, что покупают текст для воспроизведения, но даже в этом случае дело в том, что они сделали. Пьесы можно читать.

Впрочем, я ни разу не спорю, что игры предназначены для просмотра .Когда я учился в школе с середины девяностых до конца девяностых, моя школа преподавала драму как импровизацию — игровые тексты обсуждались только в английской литературе. Мои учителя английского уровня A были достаточно разумны, чтобы показать нам все три пьесы, которые мы изучали: King Lear (RSC в Барбакане), Hamlet (в Globe) и A Doll’s House (театр на окраине Ислингтона). что помогло нам понять текст как драму. Но верим ли мы, что однажды прочитанное вслух стихотворение больше не является литературой? Нет, не знаем.

Чтобы продвинуть идею чтения сценария еще на один шаг, я должен упомянуть странную аномалию в новых театрах письма. Место, которое принимает заявки на участие в играх. Литературный отдел . Это, а также необходимость в литературном менеджере во всех подобных заведениях заставляют меня хихикать. Ваша работа должна стоять на странице — прежде всего, она должна хорошо читаться, прежде чем театр начнет работать с вами. Читатели встречают вас через ваши слова на странице. То же самое можно сказать и о призах за драматургию — вас оценивают по вашей способности написать хороший сценарий.

Если драматурги должны уйти от мира литературы, есть одна проблема — начинается с буквы S, заканчивается множественной смертью или преследованием медведя. Пожалуй, величайший писатель из когда-либо созданных в этой стране — драматург. Когда его попросили «назвать писателя, живущего или из прошлого, чьи работы вы считаете литературой» (в опросе Ipsos MORI, проведенном RSL), старый Шейкс оказался первым. Это не совсем удивительно, но всегда стоит еще раз подчеркивать, что все превозносят именно драматурга. Пьесу нужно поставить, прежде чем ее действительно можно будет назвать театром, но когда это будет, может ли этот спектакль сам по себе не быть литературой и дополнять, развивать и продвигать литературный канон? Полагаю, все это время я спрашиваю не только о том, являются ли пьесы литературой, я спрашиваю, что такое сама литература.Это отдельный блог. Какие границы — должны ли быть? А без четкого охвата мы рискуем полностью потерять смысл художественной формы? Джейс (из его статьи Guardian ) считает, что «литература — это один из способов, с помощью которого мы узнаем, что значит быть человеком», и что пьесы «напоминают нам, что литература теплая, изменчивая и человечная».

Собрать вместе лучших писателей и писателей в соответствии с (горячо обсуждаемым) литературным каноном — это, на мой взгляд, радостное дело.До тех пор, пока есть доступ к этой работе, и она не выкачивается из слишком высокой цены, она великолепна. Пока те, кто создает произведение, могут создавать произведение, которое они хотят, свободные от театральных или литературных допущений пьесы долго могут оставаться литературой.

Аннетт Брук

Аннетт Брук начала писать пьесы в 2005 году; дойдя до последних 30 из более чем 2000 записей для Channel 4 «The Play’s the Thing». В 2008 году она завершила программу молодых писателей Королевского двора и группу «Приглашение», а в 2015–16 годах была ученицей программы Джервуд / Арвон.Спектакли включают: Make You Mine, Dir. Азия Осборн (Театр Сохо, 2010), партия «Первые двадцать минут» — вошла в шорт-лист конкурса драматургов Blue Elephant Thetare 2016; Баунти, реж. Шейн Морган (Iris Theater, 2011) — часть Workin Process 2: новый драматический стих — вошел в шорт-лист McConnell New Writing Fund 2016; Little Baby Nothing, реж. Оливер Доу (Theatre503, 2013), часть книги «Быстрый, пиши, откликнись» на всю жизнь; Половинки, реж. Марианна Пауэлл (театр «Белый медведь», 2014) — участница 9-го «Фестиваля театральных перерывов» Tiny Dog и реж.Питер Дарни (Брокли Джек, 2012), часть «2012?» «Один из трех», режиссер Джессика Дэниелс (Офелия, 2014), часть «Наберитесь за голову» театра: Пол; Другая половина, реж. Гвенфэр Хокинс (The Feminist Library, 2015), участник проекта «Женщины-драматурги», Гала Мэй, номинированная на премию Альфреда Фагона 2016 года и Epiphany, Dir Jamie Christian (Horse & Stables, 2017), часть «Page to Stage». В настоящее время она работает над фильмом «Свадьба леди Мид», написанным на полях, который будет показан в ратуше Ледбери и Шордич 30 июня и 7 июля.http://www.pennedinthemargins.co.uk/
Аннет в настоящее время является менеджером по связям с общественностью Королевского литературного общества и имеет степень бакалавра английского языка и магистра искусств и культурной политики (оба — ювелиры).

Драма в ХХ веке

Британская драма двадцатого века

Нажмите на изображение, чтобы посмотреть оригинал

“ Со временем желание выбить из колеи, шокировать, даже оттолкнуть публику стало отличительной чертой современной драмы .” (Greenblatt 5)

Фон

Считается, что британский театр двадцатого века зародился в Дублине, Ирландия, с основания Ирландского литературного театра Уильямом Б. Йейтсом, леди Грегори и Дж. М. Синджем. (Greenblatt 1843). Их цель состояла в том, чтобы создать особую кельтскую и ирландскую площадку, где производились произведения, «отражающие [d] более глубокие эмоции Ирландии». (The Abbey’s) Драматурги Ирландского литературного театра (который позже стал Театром аббатства, как он известен сегодня) были частью литературного возрождения и включали: Шона О’Кейси, Дж.М. Synge, W.B. Йейтс, леди Грегори и Эдвард Мартин, и это лишь некоторые из них. В Англии жанр хорошо сделанной пьесы отвергался и заменялся актерами и режиссерами, которые были привержены делу реформ и серьезной публики в театре, обращаясь к более молодой, социально сознательной и политически активной публике. В пьесах Джорджа Бернарда Шоу, Харли Грэнвилла Баркера, У. Сомерсета Моэма и Джона Голсуорси персонажи подражали этой новой толпе, высмеивали хорошо сделанных игровых персонажей и создавали новые стереотипы и новые стандарты.(Чотия)

Начало двадцатого века ознаменовало раскол между драматическими «платьями и рюшами» и серьезными работами, по стопам многих других европейских стран. «В Великобритании влияние этих континентальных инноваций было отложено консервативным театральным истеблишментом до конца 1950-х и 1960-х годов, когда они объединились с контркультурной революцией, чтобы изменить природу англоязычного театра». Уэст-Энд, английский Бродвей, как правило, ставил музыкальные комедии и хорошо поставленные пьесы (Гринблатт 1844), в то время как небольшие театры и ирландские площадки приняли новое направление.Новое направление было политическим, сатирическим и бунтарским. Общими темами новой драмы начала 20 века были политические, отражающие беспокойство или восстание рабочих против государства, философские, углубляющиеся в вопрос о том, кто и почему в человеческой жизни и существовании, и революционные, исследующие темы колонизации и потери территории. . Они исследовали общепринятые методы ведения бизнеса (условия на фабриках), новые политические идеологии (социализм) или рост подавляемой части населения (женщин).(Чотия) Индустриализация также оказала влияние на драму двадцатого века, в результате чего появились пьесы, оплакивающие отчуждение людей во все более механическом мире. Не только индустриализация привела к отчуждению; то же самое сделали и войны. Между войнами господствовали два типа театра. В Вест-Энде средний класс посещал популярные консервативные театры, в которых преобладали Ноэль Кауард и Дж. Шоу. «Коммерческий театр процветал, и на Друри-Лейн в крупнобюджетных мюзиклах Айвора Новелло и Ноэля Кауарда использовались огромные декорации, экстравагантные костюмы и большие актеры для создания зрелищных постановок.(Вест-Энд) После войн табу были нарушены, и появились новые писатели, режиссеры и актеры с разными взглядами. Многие играли с идеей реальности, некоторые были радикально политическими, другие избегали натурализма и ставили под сомнение законность ранее неоспоримых убеждений. (Чотия) Ближе к концу века термин «театр экзорцизма» вошел в употребление из-за большого количества пьес, вызывающих в воображении прошлое, чтобы противостоять ему и принять его. К их числу относятся драматурги конца века: Сэмюэл Беккет, Гарольд Пинтер, Эндрю Ллойд Уэббер, Брайан Фрил, Кэрил Черчилль и Том Стоппард.Последним актом века стал поворот к реализму, а также основание первого в Европе детского культурного центра.

Для получения разбивки по годам с 1895 по 1937 год щелкните здесь.

Реализм и миф

Зигмунд Фрейд пробудил интерес к мифам и сновидениям, когда драматурги познакомились с его исследованиями психоанализа. Вместе с Карлом Юнгом эти два психиатра оказали влияние на драматургов, чтобы они включили мифы в свои пьесы.Эта интеграция дала драматургам новые возможности расширить границы реализма в своих произведениях. Когда драматурги начали писать мифы, была создана «поэтическая форма реализма». Эта форма реализма имеет дело с истинами, которые широко распространены среди всех людей и подкреплены идеей Карла Юнга о коллективном бессознательном.

Поэтический реализм

Большая часть поэтического реализма, написанного в начале двадцатого века, была сосредоточена на изображении ирландской крестьянской жизни.Джон Миллингтон Синдж, У. Йейтс и леди Грегори были лишь немногими писателями, использовавшими поэтический реализм. Их изображение крестьянской жизни часто было непривлекательным, и многие зрители реагировали жестоко. Многие поэтически реалистичные пьесы часто содержат неприятные темы, такие как похоть между сыном и его мачехой или убийство ребенка, чтобы «доказать» любовь. В этих пьесах мифы использовались как суррогат реальной жизни, чтобы позволить зрителям пережить неприятный сюжет, не подключаясь к нему полностью.

Женщины

Женские персонажи превратились из забитой, бесполезной женщины в сильную и эмансипированную женщину. Они привыкли задавать подрывные вопросы об общественном устройстве. Многие женские персонажи изображают мужское отношение автора к женщинам и их месту в обществе. Однако со временем женщины начали обретать силы. Г. Б. Шоу стал одним из первых английских драматургов, которые последовали влиянию Ибсена и создали роли настоящих женщин.У миссис Уоррен, майора Барбары и Пигмалиона сильные женские роли. Женщины впервые начали голосовать в 1918 году. Позже в этом веке и женщины (и мужчины) подвергались отчуждению со стороны общества, и им обычно не давали имена, чтобы показать зрителям ценность персонажа в пьесе.

Политический театр и война

Политический театр использует театр, чтобы показать, «как социальный или политический порядок использует свою власть для принудительного« представления »других.«Он использует живые выступления и часто показывает силу политики через« унизительные и ограничивающие »предрассудки. Политический театр часто представляет множество различных типов групп, которые часто стереотипны: «женщины, геи, лесбиянки, этнические и расовые группы [и] бедняки». Политический театр используется для выражения своих политических идей. Агитпроп, популярная форма политического театра, даже берет свое начало в движении за права женщин 1930-х годов. Пропаганда играла большую роль в политическом театре, будь то поддержка войны или противостояние политическим схемам, театр сыграл большую роль во влиянии на публику.
Войны также повлияли на ранний театр двадцатого века. Страх перед Первой мировой войной породил движение Дада, предшественника сюрреализма и экспрессионизма.

Реализм

Реализм в театре должен был быть прямым наблюдением за человеческим поведением. Это началось как способ сделать театр более полезным для общества, как способ показать обществу зеркало. Из-за этого стремления к «настоящим» драматургам стали применяться более современные декорации, фоны и персонажи.Если в прошлом в пьесах по большей части использовались мифологические или стереотипные персонажи, то теперь в них участвовали представители низшего класса, бедных и богатых; в них участвовали представители всех полов, классов и рас. Одним из главных авторов этого стиля был Хенрик Ибсен.

Социальный реализм

Социал-реализм начал появляться в пьесах в 1930-х годах. За этим реализмом стояла политическая совесть, потому что мир находился в депрессивном состоянии. Эти пьесы рисовали резкую картину сельской бедности.Драма стала нацелена на то, чтобы показать правительствам наказания безудержного капитализма и депрессии, создаваемые слабой экономикой. Одним из основных авторов этого стиля был Г. Шоу.

Театр Авангард

«Драматическая правда не может быть найдена в осязаемости реалистической драмы, но в символах, образах, легендах, мифах, фантазиях и мечтах» (Клаус)

Абсурдистская драма

Абсурдистская драма была театром экзистенциализма, который ставил прямое восприятие образа жизни выше всех абстрактных соображений.По сути, это был также поэтический, лирический театр для выражения интуиции бытия через движение, ситуации и конкретные образы. Язык вообще преуменьшался. (Барнет) Символизм, дадаизм и их детище, сюрреализм, театр жестокости и экспрессионизм — все попадают в эту категорию.

Дадаизм

Дадаизм, или дадаизм, был реакцией на Первую мировую войну. Как и многие другие движения, дадаизм включал в себя письмо, живопись и поэзию, а также театр. Многие дадаисты написали манифесты с подробным описанием своих убеждений, в которых обычно подчеркивалось их отвращение к колониализму и национализму и которые пытались быть противоположными нынешней эстетике и ценностям.Чем больше Дада обиделся, тем лучше. Это считалось (дадаистами) «антиискусством». Он отверг ценности общества и перевернул все с ног на голову, предпочитая отвращать и оскорблять.

Символизм / эстетизм

В Англии символизм был также известен как эстетизм. Очень стилизованный формат драмы, в котором сны и фантазии были обычными сюжетными приемами, эстетизм использовался многими драматургами от Йейтса до Пинтера. Постановка была очень стилизована, обычно использовались минимальные декорации и расплывчатые блоки.Хотя драматурги, которых можно было считать эстетиками, жили и работали в начале века, это повлияло на все следующие стили.

Сюрреализм

Как и эстетизм, сюрреализм основан на мистике. Он развил физическую сущность театра и преуменьшил значение слов, надеясь повлиять на свою аудиторию действием. Другие общие характеристики сюрреалистических пьес — неожиданные сравнения и удивление. Самый известный британский драматург сюрреализма 20-х годов — Сэмюэл Беккет.Театр жестокости — это разновидность сюрреализма, вдохновленная идеей Антонена Арто. В нем аргументируется идея, что театр является «репрезентативной средой», и делается попытка донести до аудитории текущие идеи и опыт посредством участия и «ритуальных театральных экспериментов». Арто считал, что театр должен представлять и представлять одинаково. Этот тип театра глубоко полагается на метафоры и редко включает описание того, как его можно было бы разыграть.

Экспрессионизм

Термин «экспрессионизм» впервые был введен в Германии в 1911 году.(Михаэлидис) Экспрессионизм также пережил период своего расцвета в 20-е годы, хотя у него были две отдельные ветви. На ветвях были персонажи, говорящие короткими прямыми предложениями или длинными лирическими словами. Театры этого типа обычно не называли персонажей и тратили много времени на то, чтобы оплакивать настоящее и предостеречь от будущего. Духовные пробуждения и эпизодические структуры также были довольно обычным явлением.

Эпический театр

Эпический театр создал Бертольд Брехт, отвергнувший реалистический театр.Он обнаружил, что такие пьесы слишком идеальны. Эпический театр основан на греческой эпической поэзии. Существуют драматические иллюзии, такие как «резкое, резкое освещение, пустые сцены, плакаты, объявляющие смену сцен, группы, играющие музыку на сцене, и длинные, неприятные паузы» (Jacobus). Брехт считал, что драма должна создаваться в ее аудитории, и он думал, что драма Epic Theatre укрепит реалии, с которыми сталкиваются люди, а не бросит им вызов. Epic Theater помог сохранить социальные проблемы, которые они изображали.

Чтобы услышать, как Мейнард Мак из Йельского университета описывает некоторые различия между шекспировским театром «Глобус» и сегодняшним театром, нажмите ЗДЕСЬ.

Театр «Глобус» цилиндрической формы

Архитектура

В конце девятнадцатого века, начале двадцатого века, архитектура театра изменилась: вместо того, чтобы вместить как можно больше зрителей, не принимая во внимание их потребности, она превратилась в лучшее акустическое, визуальное и пространственное устройство как для актеров, так и для зрителей.Если раньше театры имели цилиндрическую форму, то в двадцатом веке предпочтение отдавалось веерным залам. Они понравились зрителям из-за

Театр Оливье веерообразный

четкие линии обзора и благоприятная акустика, и актеры понравились им, потому что естественный стиль игры, который становился все более популярным, подходил для небольших площадок. (Клаус)

Возродился также интерес к более ранним формам постановки, таким как выпад и арена (театр-в-раунде).Театр, к которому привыкло большинство зрителей, похож на изображенный на фото Теат Оливье. У всех в основном одинаковый вид на сцену, а сама сцена просматривается через арку Просцениума, которая действует как рамка для картины, окружающая сцену и обрамляющая пьесу. Арка Просцениума может быть чем угодно: от позолоченного, ярко освещенного шедевра, окружающего занавес в начале представления, до простых черных стен, мешающих вам видеть крылья театра. В театре Просцениум действие происходит либо позади Просцениума, либо немного перед ним, на так называемом переднике сцены.(Произведение, наиболее близкое к аудитории и которое обычно не скрывает занавес.) В постановочном театре действие происходит почти полностью перед «аркой Просцениума», если она действительно существует. Публика рассаживается по трем сторонам сцены, и многие из этих типов театров очень хорошо используют входы и выходы из коридоров через аудиторию. Сцена арены имеет места для зрителей со всех четырех сторон и имеет четыре входа / выхода, называемых вомиториями. (от латинского «vomitorium», что означает (обычно): [аудитория] изрыгает от них).В современной американской культуре арены (и вомитории) чаще всего используются как спортивные арены.

Found Space — еще одна переработанная театральная конвенция. Термин «Найденное пространство» относится к улицам, частным домам, продуктовым магазинам и т. Д. В любом месте, которое специально не обозначено как театр.

Набор

Театральная декорация — это фон, на котором рассказывается история. Это может быть что угодно, от очень подробного бокс-сета (поясняется ниже) до абсолютно ничего. Набор может быть физическими площадками и стенами или проекциями на листах.

Бокс-сет, или три стены, спроектированные так, чтобы выглядеть как интерьер дома, в комплекте с дверями, окнами и мебелью, занимали видное место в большинстве, если не во всех, пьесах, исполненных в современной реалистической традиции в начале 20-го века. Века. (Клаус)

Освещение

До изобретения электрической лампочки в 1879 году в театрах использовались газовые или угольные дуговые лампы. И газовые, и угольные дуговые лампы были

1990 Пример световой панели

подвержены пожарам.Многочисленные театры перешли на угольные дуговые лампы в 1840-х годах, но, поскольку идея дуговых ламп заключается в подаче напряжения через открытый воздух, вероятность возгорания все еще оставалась высокой. Отель Savoy в Лондоне был первым общественным зданием, полностью работающим на электричестве. В 1882 году, через год после открытия Савойи, на Мюнхенской выставке был представлен электрифицированный театр, что положило начало всеобщему переходу к театрам, освещенным электричеством. Существующие кинотеатры, в которых уже были газовые магистрали, перепрофилировали их, пропустив провода через старые газовые магистрали и вставив ряд лампочек перед газовыми форсунками.

К сожалению, у электричества было немало недостатков. Художники-декораторы или сценографы (художник-постановщик / художник по костюмам)

Оригинальный диммер Colonial, фото любезно предоставлено K Bilotti

не адаптировались к новой среде, создавая наборы, которые не подходили для размещения электрического света. Вторым недостатком было то, что электричество само по себе было очень опасно, и электриков было трудно найти. Может, это и не так опасно, как газ, но вероятность возгорания все же оставалась.Передние панели, также известные как панели управления (см. Выше), были под напряжением, с ручками, которые могли находиться в положении «включено» или «выключено». Положение «включено» не имело никакой защиты, и, если оператор не был осторожен, он или она могли умереть. На фото слева технологии были достаточно развиты для предохранителей. Третий недостаток электричества заключался в том, что для него требовалось много энергии. Театрам часто приходилось владеть генераторами, питающими их театры.

Гордон Крейг, британский актер, режиссер, продюсер и художник-постановщик, внес неоценимый вклад в освещение.Вместо того, чтобы размещать большую часть своих источников света у подножия сцены (известные как рампы или поплавки), он повесил осветительные инструменты над сценой. Он вместе с Адольфом Аппиа из Швейцарии также осознал драматический потенциал освещения, играя с цветом и формой. Аппиа также поставил первые цели сценического освещения в своих книгах: La Mise en scène du drame Wagnérien или The Staging of Wagnerian Drama and L’Oeuvre d’art vivant (1921) или The Living Work of Арт .(Адольф) (1895)

Американец по имени Жан Розенталь создал в театральном мире должность «дизайнера освещения». До ее карьеры в 1950-х годах спектакль освещал либо мастер-электрик, либо художник-постановщик. После ее совместных проектов с танцевальной труппой Марты Грэм и на Бродвее к производственному персоналу была добавлена ​​должность художника по свету. Многие дизайнеры сегодня приписывают ей особую технику освещения и с любовью называют ее матерью сценического освещения.(Дикий)

Пьесы норвежского драматурга Генрика Ибсена были впервые переведены и поставлены в Англии в Лондоне в 1888 году. Его потрясающая реалистическая драма положила начало современной британской драме. «Его… серьезная драма, основанная на моральных и социальных проблемах, нависла над тем, что было названо« театром меньшинств [Off-Broadway of England] »(Смарт). Ибсен и француз Андре Антуан положили начало эпохе натуралистической драмы, которая позже проникла в Англию через писателей в начале 20 века.

В Германии после франко-прусской войны Георг II, герцог Саксен-Майнингенский, стал первым современным режиссером.Ему так нравились пьесы, что он построил сцену, нанял актеров, написал сценарии и (потому что он их финансировал) сказал всем, что они должны делать. Его постановки в конечном итоге превратились в Meiningen Ensemble и много гастролировали по Европе и Англии, глубоко изменив образ мыслей актера / режиссера, менеджера / режиссера или писателя / режиссера в прошлом.

В России Константин Станиславский воплотил идеи герцога Саксен Майнингена и Андре Антуана в актерский метод Станиславского.Станиславский принес восточную веру в преданность делу (некоторые японские актеры тратят 30 лет на развитие своего ремесла (Worthen)) в западный мир. Метод Станиславского гласит, что главная цель актера — верить. Он говорит актеру, что он должен использовать свои воспоминания, чтобы вызывать эмоции. Западный мир принял эту точку зрения и использовал этот метод для обучения актеров многих реалистических актеров 20-го века, хотя к 1990-м годам этот метод вышел из моды.(Американец, Савоски)

Антонен Арто был современником Сэмюэля Беккета. Он создал так называемый Театр жестокости.

Назад в двадцатый век

---

Список литературы

• Культурная роль и ценность аббатства. Театр аббатства. Интернет. 15 мая 2010.
• «Адольф Аппиа». Британская энциклопедия. 2010. Британская энциклопедия онлайн. 17 мая. 2010 .
• «Американские мастера.Константин Станиславский ». PBS. Интернет. 16 мая 2010 г. .
• Баллард, Джеймс. «Движение независимых театров в Европе и влияние Генрика Ибсена». Дисс. Интернет. 15 мая 2010 г. .
• Барнет, Сильван, Мортон Берман и Уильям Бурто. «Новая форма в театре». Типы драмы: пьесы и эссе. Бостон: Литтл, Браун, 1981. 776-779. Распечатать.
• Чотия, Жан.«Английская драма раннего Нового времени, 1890-1940». Лондон: Longman, 1996. Печать.
• Гринблатт, Стивен и М. Х. Абрамс. «Драма двадцатого века». Антология английской литературы Нортона. Нью-Йорк: W.W. Нортон, 2006. 1843-847. Распечатать.
• Джейкобус, Ли А. «Расцвет реализма». Бедфордское введение в драму. Бостон: Бедфорд Св. Мартина, 1993. 801-808. Распечатать.
• Клаус, Карл Х., Мириам Гилберт и Брэдфорд С. Филд. «Современный / Современный театр». Этапы драмы: от классики до современного театра.Бостон: Бедфорд / Сент. Martin’s, 1999. 507+.
• Маркус, Том и Линда Сарвер. Еще одно открытие, еще одно шоу: живое знакомство с театром. Бостон, Массачусетс: McGraw-Hill, 2005. Печать.
• Михаэлидес, Крис. «Хронология европейского авангарда 1900-1937 гг.» www.bl.uk/breakingtherules . Декабрь 2007 г. Интернет. 10 июня 2011 г. .
• Мораш, Крис. «Вавилон, 1972–2000.»История ирландского театра, 1601–2000 гг. Кембридж: Cambridge UP, 2002. 242-71.
• Савоски, Первиз. «Рост системы Станиславского и методология». 2-е изд. Интернет. 16 мая 2010 г. .
• Умный, Джон. «Британская драма двадцатого века». Jstor. Университет Делавэра, 2001. Интернет. 15 мая 2010
• «театр». Британская энциклопедия. 2010. Британская энциклопедия онлайн. 17 мая. 2010 / Theater>.
• Уортен, Уильям Б. «Главы 1–9». Антология драмы Уодсворта. 5-е изд. Бостон, Массачусетс: Томсон / Уодсворт, 2007. 1–100. Распечатать.
• Bandhu, Pun. «Что такое« авангардный »театр? Стили пьес (Бродвейский продюсер) ». Videojug — Получите удовольствие от жизни. Лучшие в мире обучающие видео плюс бесплатные советы экспертов и руководства. Бродвейский продюсер, 2006. Интернет. 10 июня 2011 г. .
• «Театр Вест-Энда между войнами — Музей Виктории и Альберта». Театр Вест-Энда между войнами . Домашняя страница Виктории и Альберта — Музей Виктории и Альберта. Интернет. 30 ноября 2011 г. .
• Уайлд, Ларри. «Жан Розенталь 1912-1969». Жан Розенталь 1912-1969 . Северный государственный университет, 18 октября 2011 г. Web. 30 ноября 2011 г. .

Участники

Карен Билотти, Джесс Халперн, Мэтт МакКлюр, Мэллори Слэйд

Форман, Эдвард: 9780810849396: Amazon.com: Книги

Это новое дополнение к относительно недавней серии «Исторические словари литературы и искусства» пытается поместить весь французский театр в формат словаря. Вступительное эссе автора краткое и прямолинейное, в нем очерчены важные периоды и выделены основные темы и люди. Словарь начинается с хронологии, начиная с выступления в 1283 году и заканчивая новыми постановками в 2009 году. Разброс дат подчеркивает важность этой темы.Сам словарь охватывает авторов, актеров, пьес, тем и концепций. Более 400 статей различаются по длине от абзаца до трех страниц и содержат перекрестные ссылки. Записи для театральных конвенций, таких как Aside и Chorus, определены с особым вниманием к тому, как они используются во французском театре. Том завершается обширной библиографией, разделенной по временным периодам и концепциям в рамках временных периодов. Несмотря на то, что это прекрасно оформленный том, он на удивление короткий, учитывая глубину и широту доступной информации по этому вопросу.Рекомендуется для академических и крупных публичных библиотек, которые еще не имеют достаточного количества материалов о французском театре в своих коллекциях. — Данис Гувер

Это новое дополнение к относительно недавней серии Исторических словарей литературы и искусства пытается поместить весь французский театр в формат словаря. Вступительное эссе автора краткое и прямолинейное, в нем очерчены важные периоды и выделены основные темы и люди.Словарь начинается с хронологии, начиная с выступления в 1283 году и заканчивая новыми постановками в 2009 году. Разброс дат подчеркивает важность этой темы. Сам словарь охватывает авторов, актеров, пьес, тем и концепций. Более 400 статей различаются по длине от абзаца до трех страниц и содержат перекрестные ссылки. Записи для театральных конвенций, таких как Aside и Chorus, определены с особым вниманием к тому, как они используются во французском театре. Том завершается обширной библиографией, разделенной по временным периодам и концепциям в рамках временных периодов.Прекрасно оформленный том. Рекомендуется для академических и крупных публичных библиотек. — Список книг

С этой единственной ссылкой Форман (французский язык, университет Бристоля) переоценивает французский театр, который часто затмевается литературными постановками Шекспира. После хронологии с 1283 по 2009 год Форман продолжает рассказывать доступную и увлекательную, хотя и сжатую историю французской драмы, акцентированную полезными хронологическими подзаголовками. 400 записей в алфавитном порядке с полными перекрестными ссылками, которые следуют за авторами профилей, направлениями, жанрами, концепциями, историческими фигурами, значимыми событиями и местами производства.Хотя иллюстрации, подобные изображенным на обложке, могут предложить еще один мощный дидактический аспект работы, их упущение, безусловно, не умаляет значимости этого тома. — Библиотечный журнал

Этот краткий словарь французского театра, изданный Форманом (Бристольский университет, Великобритания), давно пора. В нем кратко рассматриваются драматурги, актеры и сами пьесы. Хронологическая история начинается с пьесы Адама де ла Галля Le Jeu de Robin et Marion , поставленной в 1283 году, и заканчивается пьесами 2009 года в Комеди-Франез, такими как L’Avare Мольера и даже Шекспира Веселые жены Виндзора . .Форман правильно называет три периода успеха французского театра: 1660-е, 1830-е и 1950-е годы. Он отмечает, что все энтузиасты французской культуры называют театр центральным элементом своего интеллектуального и художественного наследия. Историческая хронология датирует пьесы, драматургов, актеров и многих других, в том числе Мольера, самого ценного драматурга появления французского театра в 17 веке. Другими важными фигурами являются Корнель и Жан Расин, важные для развития театра во время правления Людовика XIV.Читатели узнают, что в 18 веке только Бомарше и Мариво имели некоторый успех. Романтическая драма зародилась в 19 веке, за ней последовали реалистическая и натуралистическая драма, а затем — сюрреалистическая драма и театр абсурда. Этот том будет полезен на всех справочных факультетах вузов. Подведение итогов: рекомендуется. — ВЫБОР

Эта книга может иметь большую ценность как введение во французский театр, которое может сделать чтение приятным и побудить к дальнейшим исследованиям.Это информативное чтение. — American Reference Books Annual, May-August 2010

Словарь является прекрасной демонстрацией обширных знаний автора и его понимания того, что важно для изучения предмета на уровне бакалавриата …. Словарь словаря Широко распространено освещение истории французского театра от Адама де ла Галле до Ясмины Реза … Словарь предоставляет интересную информацию.

— Справочные обзоры

Словарь является прекрасной демонстрацией обширных знаний автора и его понимания того, что важно для изучения предмета на уровне бакалавриата.- Справочные обзоры

Об авторе

Эдвард Форман — старший преподаватель французского языка в Школе современных языков Бристольского университета. Он сотрудничал с Мерлином Томасом в качестве музыкального руководителя ряда его французских постановок ( Le Cid и Le Mariage de Figaro ) и продолжал участвовать в таких выступлениях в Бристоле.

Литература на сцену театра

Каждый раз, когда кто-то произносит фразу «Книга была лучше», они, вероятно, имеют в виду соответствующую экранизацию.Это споры веков: книжные ботаники и любители кино постоянно сталкиваются друг с другом. Тем не менее, существует целый комплекс адаптаций, о котором, кажется, никто не говорит, — литература для игровой адаптации. Несмотря на то, что некоторые из самых известных театральных постановок всех времен основаны на книгах — «Отверженные» или «Нечестивые», кто-нибудь? — Партнерство литературы и театра осталось незамеченным.

Студенческий театр Калифорнийского университета в Беркли, BareStage, в текущем сезоне выпустил две экранизации пьес.В октябре он поставил экранизацию романа Джорджа Оруэлла «1984», а в следующем семестре завершит сезон «Кэрри» по роману Стивена Кинга.

В театре «Аврора» за пределами кампуса идет спектакль «Все освещено» — пьесы по одноименному роману Джонатана Сафрана Фоера. А недавно «Центральный завод» закрыл показ «Чеховской палаты №6» по рассказу Антона Чехова.

В случае «Все освещено», замысловатого сложного романа, основанного на сюрреалистическом тоне, сцена может обеспечить более подходящую атмосферу.История рассказывает о Джонатане, молодом еврейском человеке, который путешествует по Украине, чтобы изучить прошлое своего деда, который провел там время во время Второй мировой войны, с помощью двух гидов. У гидов есть сумасшедшая собака, которая сталкивается с Джонатаном.

В экранизации этой книги, конечно же, используется настоящая собака. В постановке «Авроры» нет; вместо этого они выбрали звуковые эффекты и убедительную игру. Режиссер Том Росс, который также является художественным руководителем «Авроры», нашел, что этот выбор соответствует тону книги.

«Это часть удовольствия от театрализации — попытаться более абстрактно понять, как эти реалистичные вещи происходят на сцене», — сказал Росс в интервью The Daily Californian.

Сцена, как и литература, ставит темы и персонажей выше движения и эстетики. Это позволяет в пьесах действительно сосредоточить суть книги. Основная часть «Все освещено» — это отдельные темы и стили автора, которые связаны с более крупными элементами романа.Росс обнаружил, что сцена позволяет ему визуально передать стиль автора.

«Я пытался использовать экспрессионизм, чтобы передать волшебный реализм писателя», — сказал Росс. «Это его эстетика превратилась в сценическую форму».

Помимо тематических и стилистических преимуществ, которые дает сцена, у театральных компаний есть материально-техническая причина инвестировать в адаптацию книги к сцене.

«Центральный завод», выпускающий только мировые премьеры, сделал десятки адаптаций, последняя из которых — «Чеховская палата 6.Гэри Грейвс, который поставил пьесу и написал адаптацию рассказа, рассказал о практических причинах обращения к литературе.

«Это частично связано с поиском точки соприкосновения с новой аудиторией», — сказал Грейвс в интервью The Daily Californian. «Если пьеса новая, люди не понимают ее и не имеют к ней никакого отношения. Так, например, в «Чеховской палате № 6» Чехов объединяет людей. Может быть, люди слышали это имя или читали историю ».

Эта точка подключения работает и с пленкой.Но в театре есть определенный элемент, который по своей сути уникален — он не предназначен для того, чтобы полностью погрузить зрителя в безупречное заблуждение. Он предназначен для того, чтобы представить живую постановку с мыслью, что она поставлена ​​и надумана в глубине души зрителей.

«Я собираюсь кое-что позаимствовать у Тони Кушнера. Одна из замечательных особенностей театра — это его неспособность создать полностью убедительную реальность», — сказал Грейвс. «Театр — это мыслящая среда. Это позволяет спровоцировать аудиторию на недоумение, о чем на самом деле идет речь, что на самом деле происходит.”

Как только компания принимает решение о выпуске литературного произведения на сцену, процесс сводится к тому, какие части произведения следует перенести в сценарий пьесы. Как и в фильмах, необходимо сделать много сокращений, а театр представляет еще большие ограничения, поскольку необходимо учитывать пространство и количество актеров. Кроме того, возникает вопрос, что делать со всей прозой, кроме диалога. Что делает театральную сцену такой подходящей для адаптации, несмотря на эти ограничения, так это тесная связь между аудиторией и тем, что происходит на сцене.В случае небольшого театра зрители могут время от времени находиться в центре действия. Внимание привлекает к себе, поскольку актеры работают над тем, чтобы рассказывать эти истории вживую, прямо на глазах у толпы.

«Как решить, что поставить в пьесу, которая восходит к драматургу, как адаптеру, что вы хотите сказать этой историей?» — сказал Грейвз. «И так много всего, что не является диалогом — здесь вопрос в том, что они делают? Вы можете создать смысл, манипулируя сценическим изображением.Отношения устанавливаются и активно доводятся до аудитории ».

Недаром пьесы часто читают на уроках английского языка, изучают вместе с романами и рассказами. Литература и театр всегда были тесно связаны друг с другом и теперь становятся все более взаимосвязанными.

Поскольку в двух средах, в которых слова предшествуют визуализации, такое совпадение имеет смысл только для создания успешных сценических шоу. Литература и театр гармонично сочетаются друг с другом, что позволяет создавать успешные темы и рассказы, основанные на персонажах.Даже с вырезанными сценами для персонажей читатели узнают суть любимой истории, разыгрываемой на сцене. Они получают опыт общения с историей в интимной, взрывной обстановке — она ​​оживает прямо перед ними.

Это партнерство, вероятно, продлится до появления еще многих адаптаций к пьесе.