Современные деятели искусства: 30 самых влиятельных современных художников

Содержание

30 самых влиятельных современных художников

Современное искусство отражает мир и создает неизгладимое впечатление, которое влияет на многие годы вперед. К категории современное искусство можно с уверенностью отнести произведения искусства, созданные во второй половине 20-го или в 21-м веке.

По мере того как время идет те, кого мы называем современные художники сегодня, оставят после себя прочное наследие, на которое мы будем оглядываться на завтра. Здесь вы найдете актуальный список самых известных современных художников.

Самые известные современные художники

30. Лю Сяодун

Лю Сяодун (Liu Xiaodong) родился в 1963 в Китае. Он один из самых известных современных художников Китая. Родился в 1963 году. Покинул Цзиньчэн, чтобы заняться искусством в Пекине. Лю поступил в Центральную академию изящных искусств, где получил степень бакалавра, затем и магистра. Он до сих пор живёт в Пекине и в настоящее время является профессором.

Сяодун — фигуратор, пишущий на темы простых людей, работников секс-бизнеса и бездомных.

Его современная живопись черпает вдохновение в своём окружении, но его работы часто изображают социальные проблемы, которые он подчеркивает в своих произведениях в таких местах, как Израиль-Палестина, Тибет и сельский Китай. Лю Сяодун создает чрезвычайно реалистичные работы, используя цвета для усиления эмоций.

Художник выставлялся на международном уровне и представлен рядом галерей.

29. Такаши Мураками

Такаши Мураками (Takashi Murakami) родился в 1962 г. в Токио, Япония. Он был отмечен и, одновременно, раскритикован за его культурно насыщенный стиль современного искусства. Его критики утверждают, что он «распродает» искусство, применяя коммерческий подход к искусству и создавая стиль псевдо-японской поп-культуры.

Отталкиваясь от обзоров, Такаши Мураками становится знаковым вкладчиком в современное искусство с его придуманным стилем под названием «superflat», который является теорией, основанной на плоских, 2-D образах японского стиля манги и аниме. В 2002 году Такаши Мураками получил приглашение от Марка Джейкобса, дизайнера Louis Vuitton, для сотрудничества в 13-летнем проекте по воплощению стиля Мураками в фирменный бренд LV.

Мураками имеет обширную коллекцию современной живописи со средними ценами в 1,8 миллиона долларов за работу. Его рекордная картина продана на аукционе за 4,2 миллиона долларов, называется «Замок олова» (1998). Хотя искусство Такеши высоко ценится, среди его катин можно найти работы начального уровня, стоимостью в 30 000 долларов.

28. Сесили Браун

Сесили Браун (Cecily Brown), родившаяся в 1969 г. в Лондоне — британский художник. Она создает яркие, атмосферные изображения и сравнивается с Виллемом де Кунингом и Фрэнсисом Бэконом. Работы Сесили Браун часто наполнены эротическими позициями и фрагментированными телами. Критики смешаны во мнениях о ее работе, но она, безусловно, присутствует на арт-рынке. Аукционный рекорд в 2,2 миллиона долларов.

27. JR

JR родился в 1983 г. во Франции. JR art — это мятежная фотография с неподтвержденной личностью, который постоянно рискует, чтобы поделиться своими фотографиями. Художник признан за свои потрясающие портреты и уличное искусство.

В 2011 году JR получил премию Теда (награда для людей, творческих и смелых, желающих изменить мир) и основал проект Inside Out. Премия присудила ему 100 000 долларов США в поддержку его проекта, и JR продал еще 6 фотографий за 850 000 долларов США, чтобы выделить больше средств для помощи начинающим местным художникам. JR продолжает вдохновлять и превосходить всех в своей области. У него невероятный уровень продаж, почти 80%, что дает ему около 600 000 долларов в год.

26. Аниш Капур

Аниш Капур (Anish Kapoor) родился в 1955 г., в Бомбее, Индия. Он популярный современный британо-индийский художник, известный своими абстрактными скульптурами и картинами, которые не один раз приносили ему престижные награды. Капур был удостоен премии Тернера (1991), он кавалер Ордена Британской империи (2003) и рыцарь (2013) за его вклад в изобразительное искусство. В дополнение к известным общественным скульптурам, Аниша Капура также создал множество экзотических пластин с заманчивыми цветами.

Творения Аниша Капура, кажется, бросают вызов границам пространства и доводят ограничения архитектуры до невообразимых крайностей. Цена современного искусства Аниша Капура колеблется от нескольких тысяч долларов до миллионов. Многие из скульптур Аниша Капура Без названия были проданы на аукционе в среднем за 1,4 миллиона долларов.

В целом, чистая стоимость работ Капура оценивается в 180 миллионов долларов, что поместило его 832-м из 1000 самых богатых художников 2016 года.

25. Микель Барсело

Микель Барсело (Miquel Barcelo) родился в 1957 г. в Испании. Он художник с экспериментальным подходом к живописи. Независимо от того, что он использует в текущей картине — отбеливатель, органические вещества или даже живых насекомых, творчество неэкспрессиониста Микеля Барсело исследует разложение, свет и естественный ландшафт.

«Мне нравится изобретать новые методы, я думаю, что это часть моей работы, изобретать технику — подходящую для всего. Я родился в Испании, учился в Школе декоративных искусств в Пальма-де-Майорке и в Школе изящных искусств в Барселоне».

Работа Микеля Барсело является одновременно абстрактной и церебральной, о чем свидетельствует широкий спектр картин, керамики и инсталляций. В 2011 году художник выставил свою скульптуру «Великий слон» (2008) на нью-йоркской Юнион-сквер.

В настоящее время живет и работает между Парижем, Франция, и Майоркой, Испания, работы художника хранятся в частных коллекциях всего мира.

24. Нджидека Акунили Кросби

Нджидека Акунили Кросби (Njideka Akunyili Crosby) родилась в Нигерии, училась в колледже Свартмор в США, где изучала биологию и студийное искусство, после окончания Йельского университета получила степень магистра.

Акунили Кросби исследует культурную гибридность через множество отсылок к творчеству различных художников. Нджидека создает современные картины о себе, своей семье и друзьях.

23. Ло Чжунли

Ло Чжунли (Luo Zhongli) — художник, известный своими портретами рабочих из сельских районов своей страны. Его знаменитая работа — «Отец» (1980) — портрет морщинистого пожилого мужчины. Ло Чжунли посвятил своё творчество фермерам, символизируя, тем самым, начало времени людей.

Родился в 1948 году, Китае, учился в Сычуаньском институте изобразительных искусств. Затем отправился в Бельгию, где получил степень магистра в Королевской академии изящных искусств в Антверпене. Его работы были выставлены в городах по всему миру. В настоящее время художник живет в Китае. Его картины хранятся в коллекциях Национального художественного музея Китая в Пекине, Шанхайского художественного музея и Сингапурского художественного музея.

22. Лю Вэй

Лю Вэй (Liu Wei) родился в 1965 г. в Китае. В настоящее время живет и работает в Пекине, Китай. Художник исследует социально-политические тенденции 21-го века, такие как противоречия современного общества, трансформация развивающихся городов и изменение городского ландшафта.

Лю Вэй использует найденные материалы, чтобы извлечь новые из них значения. Лю Вэй использует в своих произведениях архитектурные формы. Он пытается сослаться на свое городское окружение. Художник окончил Национальную академию изящных искусств, Ханчжоу, Китай в 1996 году.

21. Шон Скалли

Шон Скалли (Sean Scully) — американский художник. Родился 30 июня 1945 года в Ирландии. Он уехал в Лондон, чтобы изучать искусство в Центральной школе искусств и Кройдонском колледже искусств. В 1972 году получил степень бакалавра в Университете Ньюкасла.

Он известен всему миру своими абстрактными картинами, состоящими из множества слоев и чередующихся цветных квадратов или полос. Работы Шона не имеют какого либо второго дна или отсылки к чьему либо творчеству. Он рисует из конкретных воспоминаний о местах и ??событиях.

«Из моей студии, к югу от Мюнхена, я часто езжу на машине в Венецию. И по дороге собираю впечатления от этих поездок, которые потом оформляю в студии. Я часто рисую воспоминания о Венеции в своих произведениях.

Скалли уехал в Соединенные Штаты в 1975 году. Он живет и работает между Нью-Йорком, Барселоной и Мюнхеном. Его работы хранятся в коллекциях галереи Тейт в Лондоне, Музея современного искусства в Нью-Йорке, Национального музея королевы Софии в Мадриде и Центра искусств Уокера в Миннеаполисе.

20. Джордж Кондо

Джордж Кондо (George Condo) родился в 1957 году. Работа Джорджа Кондо наполнена персонажами. У его персонажей выпученные глаза, выпуклые щеки. Опираясь на самых разнообразных мастеров современной живописи — таких как Пабло Пикассо, Диего Веласкес, Анри Матисс и Сай Твомбли — Кондо впитывает художественно-исторические источники. Джордж Кондо создает изобразительный язык. Некоторые говорят, что язык характерен для него, другие не согласны.

Джордж Кондо называет свой сюрреалистический стиль «психологическим кубизмом».

Он эксплуатирует человеческие недостатки или невидимые аспекты человеческого существа. В абстрактных работах Джорджа Кондо, таких как «Внутреннее пространство» (2005), исследуются самые далекие крайности человеческой психики.

19. Чжоу Чуня

Чжоу Чуня (Zhou Chunya) родился в 1955 году в Чунцине, Китай. В 1982 году поступил в Сычуаньскую Академию изящных искусств. В 1988 году поступил в МИД Кассельской Академии изящных искусств в Германии.

«За границей я принял западные методы современной живописи и был вдохновлен немецким экспрессионизмом. Он использует его вместе с традиционными китайскими техниками каллиграфии. Чжоу Чуня — художник, известный своей серией картин «Зеленая собака». Чжоу Чуня изображает ярко-зеленую немецкую овчарку в разных позах и условиях. Его серия пейзажей № 5 выглядит почти абстрактно. Мазки напоминают древние китайские пейзажи.

Сегодня работы Чжоу Чуни можно найти в коллекциях All Show Art Center и Центра современного искусства Tang в Пекине. В настоящее время Чжоу Чуня живет и работает в Чэнду, Китай.

18. Чжан Сяоган

Чжан Сяоган (Zhang Xiaogang) родился в 1958 году в Куньмине, Китай. Поступил в сычуаньскую Академию Изящных Искусств в Чунцине.

Временами он был вынужден работать на стройке и на других работах, вместо того чтобы изучать живопись, как намеревался. Чжан Сяоган впал в глубокую депрессию, подпитываемую алкоголизмом, что, в конечном итоге, привело к его госпитализации в 1984 году. Он живет и работает в Пекине, Китай. Чжан Сяоган — выдающийся представитель современного китайского Авангарда. Его сюрреалистические портреты выполнены в гладкой масляной краске.

Работы поддерживают формальную и жестко поставленную эстетику. Чжан сосредоточен на последствиях культурной революции, значении семьи, истории и памяти в Китае сегодня. Чжан Сяоган был вдохновлен на создание своей серии «Bloodlines», когда обнаружил старый альбом своей семьи. Серия «Bloodlines» — это работа, которая приесла ему много наград.

Чжан был выставлен в галерее Pace в Нью-Йорке, Венецианской биеннале 1995 года и художественном музее Тэгу.

17. Альберт Олен

Альберт Элен (Albert Oehlen) родился 17 сентября 1954 года в Крефельде, Германия. Поступил в Колледж изящных искусств, где в 1978 году получил высшее образование. Свою первую персональную выставку он провёл в 1981 году в «Galerie Max Hetzler» в Берлине. С 2000 по 2009 год Альберт Элен работал профессором в «Kunstakademie Dusseldorf».

Альберт Элен — влиятельный современный художник. Он работает в различных техниках и стилях. Его интерес — исследование среды как жанра. Альберт Элен прошел путь от абстракции до реализма, часто создавая пародии или имитации традиционных моделей живописи. Серия «Bad Paintings», замечательная работа включает в себя портрет Адольфа Гитлера 1986 года. «Albert Oehlen Computer Paintings» занимается исследованием абстрактных образов, полученных с ноутбука. Он живет и работает в Бюлене, Швейцария.

Работы Элен находятся в коллекциях Музея современного искусства в Нью-Йорке, Музея современного искусства в Страсбурге и Музея искусств Кливленда.

16. Марк Брэдфорд

Марк Брэдфорд (Mark Bradford) родился в Лос-Анджелесе в 1961 году. В 1997 году поступил в Калифорнийский институт искусств, после окончании которого получил степень магистра.

Его работа показывает злодеяния и борьбу рас и бедности. Марк Брэдфорд — современный афро-американский художник. Он работает в широком диапазоне концептуальных практик. Марк Брэдфорд создает мультимедийные абстрактные картины. Художник изображает раскопки эмоциональной и политической местности. «Я сосредотачиваюсь на деталях, которые указывают на большую вещь». В 2017 году Марк Брэдфорд представлял павильон Соединенных Штатов на Венецианской биеннале со своей работой «Завтра другой день»». Он живет и работает в Лос-Анджелесе, штат Калифорния.

Сегодня работы художника хранятся в музее Хиршхорна и в Саду скульптур в Вашингтоне, округ Колумбия, в Музее современного искусства в Нью-Йорке, в галерее Тейт в Лондоне и в Центре искусств Уокера в Миннеаполисе.

15. Джон Керрин

Джон Керрин (John Currin) родился в 1962 году в Боулдере, Колорадо. Вырос и учился в Коннектикуте. Получив степень бакалавра искусств в Университете Карнеги-Меллона в 1984 году, Джон Керрин отправился учиться в Йельскую школу искусств. Он принимал участие в выставках в штаб-квартире «Sadie Coles» в Лондоне и в галерее «Gagosian» в Нью-Йорке. Джон Керрин живет и работает в Нью-Йорке, штат Нью-Йорк. Его жена иногда служит моделью для его картин.

Джон Керрин считается одним из самых влиятельных художников, работающих сегодня. Он сочетает в себе приемы художников Северного Возрождения. «У меня сатирическое отношение к своему предмету». Художник создает произведения с богатой историей искусства и китчем, как это видно из его картины «День благодарения» 2003 года.

Сегодня работы художника хранятся в коллекциях галереи Тейт в Лондоне, Музея современного искусства в Нью-Йорке и Центра искусств Уокера в Миннеаполисе.

14. Джефф Кунс

Джеффа Кунс (Jeff Koons) родился в 1955 г. в США. Его работы стали заметны в начале 1980-х годов. Он известен своими очень популярными скульптурами, изображающими животных и и других существ. Джефф Кунс освещает художественные сцены своими умными творениями, используя нержавеющую сталь, отполированную до зеркального блеска. Скульптуры Джеффа Кунса называют тревожными, ошеломляющими и сложными, но всегда внушающими иллюзию безупречного совершенства.

«Balloon Dog» (Orange) Джеффа Кунса (Orange), оцененный от 35 до 55 миллионов долларов, был продан участнику тендера по телефону за неожиданные 58 миллионов долларов в 2013 году. Это стало одним из самых продаваемых произведений живого художника. Джефф Кунс также сотрудничал с «Louis Vuitton», в результате цены на аксессуары, созданные при его помощи, варьируются от 585 долларов за брелок до 4000 долларов за сумочку. Оценка Джеффа Кунса была определена рейтингом «Wealth X» в 2008 году в более чем 100 миллионов долларов.

13. Томас Шютте

Томас Шютте (Thomas Schutte) родился 16 ноября 1954 года в Ольденбурге, Германия. Учился в Кунстакадеме в Дюссельдорфе у Бенджамина Бухло и Герхарда Рихтера. Художник живет и работает в Дюссельдорфе, Германия.

С 1998 по 2000 год Томас Шютте был объектом трехчастного обследования в Центре искусств Диа в Нью-Йорке. Он работает с различными средами, печатью, акварелью и инсталляцией. Скульптуры Томаса Шютте варьируются от миниатюр до масштабных общественных работ. Работы часто вызывают беспокойство или дискомфорт. Он исследует роль художника в современном обществе. Его проект «Schutte» возглавил серию архитектурных моделей, среди которых модель для отеля (2003), которая заняла Четвертый постамент на Трафальгарской площади Лондона в 2007 году. Среди его наград-Золотой лев на Венецианской биеннале 2005 года и Дюссельдорфская премия 2010 года.

Его работы хранятся в коллекциях «Tate Modern» в Лондоне, Музее современного искусства в Нью-Йорке и Институте искусств Чикаго.

12. Цзэн Фанжи

Цзэн Фанжи (Zeng Fanzhi) родился в 1964 году в Ухане, Китай. Пошел учиться в Академию художеств Хубэй.

У него появился интерес к живописи немецких экспрессионистов. Пережив культурную революцию, Цзэн Фанжи часто фокусируется на этом опыте в своей работе. Цзэн живет и работает в Пекине, Китай. Современный художник критически исследует меняющееся лицо современной китайской культуры. Его знаковая картина Тяньаньмэнь (2004) является тому доказательством.

Цзэн Фаньжи был предметом большой ретроспективы в Музее современного искусства в Париже в 2013-2014 годах. В 2009 году он представлял Китай на Венецианской биеннале 2009 года. Художник изображает человеческие лица с яркой и живой кистью. Иногда его работы граничат с абстракцией. Цзэн Фанчжи будет часто изображать своих персонажей, увиденными сквозь густые заросли ветвей, толпящихся и затемняющих полотно хаотичным и стилизованным вуалью.

Его картина «Серия масок» 1996 № 6 (1996) побила рекорды аукциона в 2008 году и стала самой кассовой работой современного азиатского художника.

11. Кристофер Вул

Кристофер Вул (Christopher Wool) родился 16 сентября 1955 года в Бостоне, штат Массачусетс. Поступил в колледж Сары Лоуренс и учился в Нью-Йоркской студийной школе.

Кристофер ввёл граффити в свою работу. Так же Кристофер Вул подключил» к своему творчеству шелкографию и малярные валики. Его работы были выставлены во многих учреждениях по всему миру, в том числе в Музее современного искусства в Лос-Анджелесе, в музее «Gesellschaft fur Moderne Kunst am Ludwig» в Кельне и в музее Гуггенхайма в Нью-Йорке.

Кристофер Вул в настоящее время живет и работает между Марфой, штат Техас и Нью-Йорком, со своей женой художницей Шарлин фон Хейл. Художник создает контраст в своих работах с помощью жирных трафаретных текстов или абстрактных мазков и белого фона.

10. Дэмиен Херст

Дэмиен Херст (Damien Hirst) родился в 1965 г. в Великобритании. Играет заметную роль на сцене современного искусства с 1990-х годов. Картины и скульптуры Дэмиена Херста известны как неясные интерпретации реальности с неясной одержимостью смертью.

В 2008 году Дэмиен Херст сделал один из самых знаковых шагов для сольного художника, создав целую галерею для «Beautiful Inside My Head Forever». В конце своего шоу на Sotheby’s Дэмиен Херст выставил на аукцион картин на 198 миллионов долларов, став одним из самых богатых художников современности. В целом, Дэмиен Херст занял 422-е место в списке 1000 самых богатых людей в 2016 году благодаря капиталу в 362 миллиона долларов.

Несмотря на заявление Дэмиена Херста о славе и непомерных ценах, ему несколько раз предъявляли иск за плагиат. Тем не менее, эти судебные процессы не помешали Херсту продолжать расширять свои доходы от современного искусства до колоссальных размеров.

9. Ансельм Кифер

Ансельм Кифер (Anselm Kiefer) — немецкий художник и скульптор. Родился в 1945 г. в Германии. Учился на протяжении всех 1970-х годов.

Его работы включают в себя микс-медиа. Ансельм Кифер разработал темы для своих картин на основе немецкой истории и ужасов Холокоста и духовных концепций каббалы. Ансельм Кифер спорит с прошлым и рассматривает спорные вопросы из недавних историй, например, темы нацистского правления. Его работы отражают готовность противостоять темному прошлому его культуры и нереализованному потенциалу. Его работы имеют подписи и / или имена людей исторического значения, легендарных деятелей или исторических мест. Ансельм Кифер стремится обработать прошлое, будучи связанным с движениями Нового Символизма и Неоэкспрессионизма.

8. Ай Вэйвэй

Ай Вэйвэй (Ai Weiwei) родился в 1957 г. в Китае. Известен своими мощными современными картинами, которые отражают человеческую борьбу как в политическом, так и в культурном плане. Ай Вэйвэй был признан на международном уровне как политический активист и открыто относится к правительству Китая.

В 2017 году Ай Вэйвэй воссоздал популярный образ утопающего сирийского беженца. Это побудило некоторых считать Ай Вейвея сторонником бесчеловечности, в то время как другие утверждают, что он постыдно извлекает выгоду из человеческих страданий. Хотя Ай Вэйвэй подвергается жесткой критике, он продолжает очаровывать мир своими невероятными, культурно-жестокими работами. Две из его наиболее известных скульптур — это «Круг животных», «Зодиакальные головы», проданные с коллекцией золота на аукционах за 4,4 миллиона долларов и бронзовой коллекцией за 5,4 миллиона долларов. Другие произведения современного дизайна, созданные Ай Вейвеем, включают вазу «Coca-Cola» (665 000 долларов на аукционе), велосипеды «Forever» (730 000 долларов на аукционе) и цветные вазы (735 296 долларов на аукционе).

7. Ёшитомо Нар

Ёшитомо Нар (Yoshitomo Nar) — японский художник. Родился 5 декабря 1959 года в Хиросаки, Япония. Художник учился в Университете изящных искусств и музыки префектуры Айти, чтобы получить степень бакалавра и магистра. Также он занимался «Kunstakademie Dusseldorf» в конце 1980-х. Йошитомо Нар живет и работает в Токио.

Он известен своими картинами детей и животных. Эти элементы кажутся одновременно сладкими и зловещими, как видно из работы «Не беспокоить!» 1996. Ёшитомо Нар находился под влиянием массовой культуры как в восточного, так и в западного обществ. Его разносторонняя практика исследует темы изоляции, восстания и духовности с помощью гравюр, живописи, скульптуры, керамики и инсталляций. Некоторые люди неверно истолковывают произведения Ёшитомо Нар как мангу из-за образов, которые обычно рисуют на его картинах. Иногда Ёшитомо Нар говорил, что не многие люди видят духовную сторону его работы. Он заявляет, что его работа наполнена религиозными и философскими соображениями.

Работы художника хранятся в коллекциях Чикагского художественного института, Национального музея искусств в Осаке и коллекции семьи Рубелл в Майами.

6. Ричард Принс

Ричард Принс (Richard Prince) родился 6 августа 1949 года в зоне Панамского канала. Переехал в Нью-Йорк в 1973 году. В настоящее время Принс живет и работает в северной части штата Нью-Йорк.

Ричард Принс известен своим необычным использованием образов. Художник делает фотографии из рекламы, развлечений и социальных сетей. Он исследует идеи вокруг подлинности и собственности. Спорная практика Ричарда Принса вызывает дискуссии об авторском праве, интеллектуальной собственности и воровстве в мире искусства. На Ричарда Принса оказал влияние Виллем де Кунинг в его технике живописи. Он фотографировал рекламные страницы, выявлял типологии и повторяющиеся архетипы. Его серия «Ковбои» (1980–1992, продолжается) была снята с рекламы сигарет Marlboro. В 2014 году художник вновь доказал свою способность вызывать споры. На этот раз над вопросами владения и содержания. Серия «Новые портреты» Ричарда Принса состояла из взорванных скриншотов, сделанных из селфи, опубликованных юношами и девушками в социальных сетях.

Его работы хранятся в коллекциях Музея современного искусства в Нью-Йорке, Чикагского художественного института, коллекции Гетца в Мюнхене и Музея Виктории и Альберта в Лондоне.

5. Георге Виртосу

Георгий Виртосу (Gheorghe Virtosu) родился в 1968 году в Кишиневе, Молдова. Считается одним из самых влиятельных современных художников. Учился в Санкт-Петербургской Академии художеств. Однако он покинул художественную академию для учебы в Академии государственной безопасности. Оставив военную карьеру в 1992 году, он отправился в Лондон, где получил британское гражданство.

Особый интерес он проявляет к абстрактной живописи и письму. В настоящее времи Виртосу живет и работает в Лондоне, Амстердаме, Люксембурге.

Художник пишет, ориентируясь на свой опыт и знания, переводя социальные явления и персонажей в абстрактные.

Он разработал свой собственный стиль, и доказательством тому является серия иконописи «Пророки Мухаммеда» (2016). Художник был центром большой ретроспективы в Музее современного искусства в Париже в 2016-2017 годах. В 2017 году он представлял Великобританию на Венецианской биеннале. Художник освоил абстракцию, однако не отрицает реализм в своей живописи.

Его картина Фатима Бинт Мухаммед (2016) побила рекорды в 2017 году и стала самой кассовой работой современного британского художника. Его работы продаются в 39 странах, и есть в частных колекиях Дмитрия Рыболовлева и Салмана бин Абдулазиза.

4. Питер Доиг

Питер Доиг (Peter Doig) родился 17 апреля 1959 года в Эдинбурге, Великобритания. Переехал в Лондон в 1979 году, чтобы учиться в Уимблдонской школе искусств. Вскоре Питер Доиг получил степень магистра в колледже искусств и дизайна в Челси. С 2002 года Доиг живет в Тринидаде.

Сегодня его работы хранятся в коллекциях Чикагского института искусств, Национальной галереи искусств в Вашингтоне, округ Колумбия, в галерее Тейт в Лондоне и в коллекции Гетца в Мюнхене.

Питер Доиг отмечается как один из самых представительных художников, работающих сегодня. Его картины характеризуются одинаковой ориентацией как на пейзажи, так и на рисунки. Он делает личные ссылки в живописных абстракциях с характерными композициями. Работы Питера Доига — и дневниковые, и универсально значимые. Его практика не разделяет центральной формулы. Он делает картины, используя фотографии в качестве ссылки.

3. Рудольф Стингель

Рудольф Стингель (Rudolf Stingel) родился в 1956 году в Мерано, Италия. Стингель живет и работает в Нью-Йорке, штат Нью-Йорк.

Он известен с конца 1980-х годов благодаря своей серебряной живопись, в которой смешивает серебро с различными основными цветами. В 1990 году Рудольф Стингель начал тестировать отношения между живописью и пространствами. Он создал серию инсталляций, которые покрывали стены и полы коврами. Сама архитектура действовала как живопись. Рудольф Стингель использует в своём творчестве такие материалы, как резина, ковер, окрашенный алюминий и краски. Художник подвергает сомнению и разрушает понимание зрителем традиционного художественного объекта. В своих работах он часто размышляют над фундаментальными вопросами относительно живописи: таких, как роль подлинности и контекста в современном искусстве.

Рудольф Стингель принимал участие в Венецианских биеннале в 1999, 2003 и 2013 годах и был предметом ретроспективы в середине карьеры в Музее современного искусства.

2. Марк Гротян

Марк Гротян (Mark Grotjahn) — американский художник. Родился в 1968 году в Пасадене, штат Калифорния, затем поступил в Колорадский университет в Боулдере, а затем получил степень магистра искусств в Калифорнийском университете в Беркли.

Художник известен своими абстрактными картинами. Работа Марка Гротяна исследует исчезнувшую точку зрения. Он использует её как катализатор для создания выразительных и ярких картин. Марк Гротян также известен своими скульптурами в маске. Он работает с бронзовыми листами и картонными коробками. В 2008 году у него была единственная выставка «Танцующие черные бабочки» в Гагосянской галерее в Нью-Йорке. Гротян живет и работает в Лос-Анджелесе, штат Калифорния.

Его работы хранятся в коллекциях Музея Молота в Лос-Анджелесе, Музея современного искусства в Нью-Йорке, Музея Стеделийк в Амстердаме.

1. Фрэнк Стелла

Фрэнк Стелла (Frank Stella)  родился 12 мая 1936 года в Малдене, штат Массачусетс. Стелла поступил в Принстонский университет, а в 1958 году переехал в Нью-Йорк. Он находился под влиянием абстрактного экспрессионизма. Черную живопись Стеллы вдохновила работа Джаспера Джонса 1958-1960 годов.

Художник известен своими геометрическими узорами и формами при создании картин и скульптур. Работы Фрэнка Стеллы изображают типичные свойства формы, цвета и композиции. Абстракция не должна быть ограничена видом прямолинейной геометрии или даже простой геометрией кривой. В них может быть геометрия, которая оказала бы повествовательное влияние, как работы Виртосу, рассказывающие историю с формами. Художник утверждает, что это не будет буквальная история, но формы и взаимодействие форм и цветов дадут вам ощущение повествования. В течение следующих десятилетий Фрэнк Стелла завоевал популярность в мире искусства. В 1970 году он стал самым молодым художником, когда-либо проводившим персональную выставку в Музее Современного Искусства.

Фрэнк Стелла живет и работает в Нью-Йорке, Нью-Йорк.

Его работы хранятся в коллекциях Метрополитен-музея в Нью-Йорке, художественного музея Базеля, художественного института Чикаго.

источник: https://bit.ly/2FboaC7

Похожие сообщения:

10 современных художников, известных всему миру

Если вы думаете, что все великие художники остались в прошлом, то вы даже не представляете, насколько сильно ошибаетесь. В этой статье вы узнаете о самых известных и талантливых художниках современности. И, поверьте, их работы засядут в вашей памяти не менее глубоко, чем работы маэстро из прошлых эпох.

Wojciech Babski

Войцех Бабски  – современный польский художник. Закончил учебу в Силезском политехническом институте, но связал себя с живописью. В последнее время рисует, в основном, женщин. Фокусируется на проявлении эмоций, стремится к получению как можно большего эффекта простыми средствами.

Любит цвет, но часто использует оттенки черного и серого, для достижения наилучшего впечатления. Не боится экспериментировать с разными новыми техниками. В последнее время набирает всё большую популярность за рубежом, в основном, в Великобритании, где с успехом продает свои работы, которые уже можно найти во многих частных коллекциях. Кроме искусства интересуется космологией и философией. Слушает джаз. В настоящее время живет и работает в городе Катовице.

Warren Chang

Уоррен Чанг – современный американский художник. Родился в 1957 году и вырос в Монтерее, штат Калифорния, с отличием окончил колледж дизайна Арт-центр в Пасадене в 1981 году, где получил степень бакалавра изобразительных искусств в области живописи. В течение следующих двух десятилетий он работал в качестве иллюстратора для различных компаний в Калифорнии и Нью-Йорке, прежде чем в 2009 году начать карьеру профессионального художника.

Его реалистичные картины можно разделить на две основные категории: биографические интерьерные картины и картины, изображающие работающих людей. Его интерес к подобной манере живописи уходит своими корнями к творчеству художника 16-го века Яна Вермеера, и распространяется на предметы, автопортреты, портреты членов семьи, друзей, учеников, интерьеры студии, класса и дома. Его цель заключается в том, чтобы в своих реалистичных картинах создать настроение и эмоции с помощью манипуляции светом и использовании приглушенных цветов.

Чанг стал известен после перехода к традиционному изобразительному искусству. За последние 12 лет он заработал множество наград и почетных званий, самая престижная из них – Master Signature от ассоциации художников маслом Америки, крупнейшего сообщества художников маслом в Соединенных Штатах. Лишь один человек из 50, удостаивается возможности получить эту награду. В настоящее время Уоррен живёт в Монтерее и работает в своей студии, также он преподаёт (известен как талантливый педагог) в Академии искусств Сан-Франциско.

Aurelio Bruni

Аурелио Бруни – итальянский художник. Родился в городе Блера, 15 октября 1955 года. Получил диплом по специальности сценография в институте искусства в Сполето. Как художник он самоучка, так как самостоятельно “возводил дом знаний” на фундаменте, заложенном ещё в школе. Рисовать маслом начал в возрасте 19 лет.  В настоящее время живёт и работает в Умбрии.

Ранняя живопись Бруни уходит своими корнями в сюрреализм, но со временем он начинает ориентироваться на близость лирического романтизма и символизма, усиливая это сочетание изысканной утонченностью и чистотой своих персонажей. Одушевленные и неодушевленные объекты приобретают равное достоинство и выглядят, почти, гиперреалистично, но, при этом, не скрываются за занавесом, а позволяют увидеть суть своей души. Многогранность и изысканность, чувственность и одиночество, задумчивость и плодотворность являются духом Аурелио Бруни, питаемым великолепием искусства и гармонией музыки.

 Alekasander Balos

Алкасандр Балос – современный польский художник, специализирующийся в области масляной живописи. Родился 1970 года в Гливице, Польша, но с 1989 года живёт и работает в США, в городе Шаста, штат Калифорния.

В детстве он изучал искусство под руководством своего отца Яна, художника-самоучки и скульптора, поэтому уже с раннего возраста, художественная деятельность получила полную поддержку со стороны обоих родителей. В 1989 году, в возрасте восемнадцати лет, Балос уехал из Польши в США, где его школьный учитель и по совместительству художник Кэти Гагглиарди побудила Алкасандра поступить в художественную школу. Затем Балос получил полную стипендию университета в Милуоки Висконсин, где он учился живописи у профессора философии Гарри Розина.

После завершения учёбы в 1995 году и получения степени бакалавра Балос переехал в Чикаго, чтобы поступить на учёбу в школе изобразительного искусства, чьи методы основываются на творчестве Жака-Луи Давида. Фигуративный реализм и портретная живопись составляли большую часть работ Балоса в 90-х и начале 2000-х годов. Сегодня Балос использует человеческую фигуру для того, чтобы подчеркнуть особенности и показать недостатки человеческого бытия, не предлагая, при этом, никаких решений.

Сюжетные композиции его картин предназначены для того, чтобы быть самостоятельно интерпретированными зрителем, только тогда полотна приобретут свой истинный временной и субъективный смысл. В 2005 году художник переехал в Северную Калифорнию, с тех пор тематика его работ значительно расширилась и теперь включает в себя более свободные методы живописи, включая абстракцию и различные мультимедийные стили, помогающие выражать идеи и идеалы бытия через живопись.

Alyssa Monks

Алисса Монкс – современная американская художница. Родилась в 1977 году, в Риджвуде, Нью-Джерси. Начала интересоваться живописью, когда была ещё ребенком. Училась в Новой Школе в Нью-Йорке и Государственном университете Монклер, а окончив в 1999 году Бостонский колледж, получила степень бакалавра. Одновременно она изучила живопись в академии Лоренцо Медичи во Флоренции.

Затем продолжила учёбу по программе на степень магистра в нью-йоркской Академии Искусства, на кафедре Фигуративного Искусства, окончила его в 2001 году. В 2006 году она закончила колледж Фуллертона. Некоторое время читала лекции в университетах и образовательных учреждениях по всей стране, преподавала живопись в нью-йоркской Академии Искусства, а также Государственном университете Монклер и Колледже Академии Искусств Лайма.

“Используя фильтры, такие как стекло, винил, вода и пар, я искажаю человеческое тело. Эти фильтры позволяют создавать большие площади абстрактного дизайна, с проглядывающими сквозь них островами цвета – частями человеческого тела.

Мои картины меняют современный взгляд на уже сложившиеся, традиционные позы и жесты купающихся женщин. Они могли бы многое рассказать внимательному зрителю о таких, казалось бы, самих собой разумеющихся вещах, как польза плаванья, танцев и так далее. Мои персонажи прижимаются к стеклу окна душевой кабины, искажая собственное тело, осознавая, что тем самым влияют на пресловутый мужской взгляд на обнажённую женщину. Толстые слои краски смешаны так, чтобы издалека подражать стеклу, пару, воде и плоти. Однако вблизи становятся очевидны восхитительные физические свойства масляной краски. Экспериментируя со слоями краски и цветом, я нахожу момент, когда абстрактные мазки становятся чем-то еще.

Когда я только начала рисовать человеческое тело, я сразу была очарована и даже стала одержима им и считала, что должна была делать свои картины как можно более реалистичными. Я “исповедовала” реализм, пока он не начал распутывать и вскрывать противоречия в самом себе. Сейчас я исследую возможности и потенциал манеры письма, где встречаются представительская живопись и абстракция – если оба стиля могут сосуществовать в один и тот же момент времени, я это сделаю”.

Antonio Finelli

Итальянский художник – “Наблюдатель времени” – Антонио Финелли родился 23 февраля 1985 года. В настоящее время живет и работает в Италии между Римом и Кампобассо. Его работы были выставлены в нескольких галереях в Италии и за рубежом: Риме, Флоренции, Новара, Генуя, Палермо, Стамбуле, Анкаре, Нью-Йорке, также их можно найти в частных и государственных коллекциях.

Рисунки карандашом “Наблюдателя времени” Антонио Финелли отправляют нас в вечное путешествие по внутреннему миру человеческой временности и связанному с ним скрупулезным анализом этого мира, главным элементом которого является прохождение сквозь время и наносимые им на кожу следы.

Финелли пишет портреты людей любого возраста, пола и национальности, выражения лиц которых свидетельствуют о прохождении сквозь время, также художник надеется отыскать свидетельства беспощадности времени на телах своих персонажей. Антонио  определяет свои произведения одним, общим названием: “Автопортрет”, потому что на своих карандашных рисунках он не просто изображает личность, но позволяет зрителю созерцать реальные результаты прохождения времени внутри человека.

Flaminia Carloni

Фламиния Карлони – итальянская художница 37-ми лет, дочь дипломата. У нее трое детей. Двенадцать лет жила в Риме, три года в Англии и Франции. Получила диплом в области истории искусства в школе искусств BD. Затем получила диплом по специальности реставратор произведений искусства. Прежде чем найти свое призвание и полностью посвятить себя живописи, она работала как журналист, колорист, дизайнер, актриса.

Страсть к живописи у Фламинии возникла ещё в детстве. Её основная среда – масло, потому что она любит “coiffer la pate” и также играть с материалом. Подобную технику она узнала в работах художника Паскаля Торюа. Фламиния вдохновлена великими мастерами живописи, такими как Бальтюса, Хоппер, и Франсуа Легран, а так же и различными художественными движениями: стрит-арт, китайский реализм, сюрреализм и реализм эпохи Возрождения. Её любимый художник Караваджо. Её мечта открыть терапевтическую силу искусства.

Denis Chernov

Денис Чернов  – талантливый украинский художник, родился в 1978 году в Самборе, Львовская область, Украина. После окончания Харьковского художественного училища в 1998 году остался в Харькове, где в настоящее время живет и работает. Также он учился в Харьковской государственной академии дизайна и искусств, кафедра график, окончил её в 2004 году.

Он регулярно участвует в художественных выставках, на данный момент их состоялось более шестидесяти, как в Украине, так и за рубежом. Большинство работ Дениса Чернова хранятся в частных коллекциях в Украине, России, Италии, Англии, Испании, Греции, Франции, США, Канаде и Японии. Некоторые работы были проданы на “Кристис”.

Денис работает в широком диапазоне графических и живописных техник. Рисунки карандашом – один из самых любимых им методов живописи, список тем его карандашных рисунков также весьма разнообразен, он пишет пейзажи, портреты, ню, жанровые композиции, книжные иллюстрации, литературные и исторические реконструкции и фантазии.

  

Iruvan Karunakaran

Ируван Карунакаран – индийский художник, пишущий реалистичные картины, основная тема которых индийская деревня. Незатейливая сущность сельской Индии оживает в его произведениях.

Искусство Ирувана – тщательные, но все же запутанные изображения сцен деревенской жизни, улиц, различных напоминаний о древности деревни, людей, выполняющих ритуалы или поглощённых ежедневной рутиной, которая глубоко укоренилась в крови сельских жителей. Его реалистичные произведения искусства, сделанные с использованием мастихина, поражают вас одинаково сильно каждый раз, когда вы рассматриваете их.

“Приезжая из Мадурай, штат Тамилнаду, в деревню, я наслаждаюсь ощущением отсутствия течения времени в деревни и спокойствием её людей. Меня, городского жителя, проживающего в Хайдарабаде уже более десяти лет, восхищает замысловатое переплетение исторического и современного, интересное сочетание которого вы видите в самых знаковых местах в Индии. Особенно сильно меня вдохновляют улицы. Они приходят откуда-то и уходят куда-то еще….

Возникает ощущение, как будто стоишь в точке, называемой сегодня, с вчера за спиной и завтра впереди. Люди стремятся к улицам и дорогам… они хотят попасть “куда-то” и “что-то” сделать. Персонажами моих картин может быть кто угодно: мужчина тянущий тележку – он просто смирился с жизненными трудностями… занятой торговец, который упорно шагает к своей цели… одинокий мото рикша или велосипедист… пожилая женщина, продающая цветы и сонная собака, отдыхающая не смотря на шум… непрерывное движение и смена улиц заставляет людей чувствовать себя живыми. Бывает ли место лучше, чтобы наблюдать жизнь, если не на улицах?”

Vasiliy Hribennikov

Имя художника Василия Ивановича Грибенникова хорошо известно широкому кругу коллекционеров живописи России, Европы, США и Китая. Его живопись является ярким примером продолжения традиций классической школы великих русских мастеров. Василий Иванович родился в 1951 году в село Заветное Ростовской области.

Основой для восхождения к профессиональным вершинам послужило художественное образование. В 1974 году окончил художественно-графическое отделение Кубанского государственного университета. Развитию природных способностей художника и совершенствованию технических навыков, полученных в годы учебы, содействовала активная творческая работа, которая продолжилась после окончания университета. Сегодня приобретенный живописцем опыт позволяет ему свободно обращаться к разным жанрам живописи, создавать пейзажи и натюрморты, работать в историческом жанре.

Смотрите также:

Полезные уроки по живописи от Игоря Сахарова

Основы рисования: Инвентарь начинающего художника

Как начать рисовать чернилами

10 самых перспективных российских деятелей искусства моложе 30 лет — 2021

Копировать ссылку Варвара Шмыкова, Вова Перкин, Иван Янковский и другие деятели искусства до 30 лет — в новом рейтинге российского Forbes DR

Стася Милославская

Возраст: 25 лет

Профессия: актриса театра и кино

  • Корни.  Отец Стаси вел музыкальные программы на радио, играл в кавер-группе, а затем стал худруком ансамбля «Мелодия». Мать актрисы была моделью, пела в мюзиклах и работала переводчицей.
  • Путь. В детстве Милославская занималась музыкой, балетом и рисованием, а в 12 лет по собственному желанию пошла в театральную студию. В 2013 году она поступила в Школу-студию МХАТ и уже на первом курсе получила первую роль в кино.
  • Признание. В 2019 году вышел фильм «Бык» Бориса Акопова с Милославской в главной роли — он взял главный приз на фестивале «Кинотавр». Стасю номинировали на премию «Золотой орел» за лучшую женскую роль. В 2020 году актриса сыграла в фильмах «Огонь», «На острие» и «Стрельцов». За роль в фильме «Стрельцов» ее снова номинировали на премию «Золотой орел» за лучшую женскую роль.
DR

Булат Ханов

Возраст: 29 лет

Профессия: писатель

  • Путь. Уроженец Казани отучился на филолога в родном городе в 2013 году, а спустя три года защитил кандидатскую диссертацию по теме «Советский дискурс в современной русской прозе». Параллельно он преподавал русский язык и литературу в средней школе и писал рассказы. 
  • Признание. В 2018 году Ханов стал лауреатом премий «Звездный билет» и «Лицей» имени Александра Пушкина. Год спустя в издательстве «Эксмо» вышли его романы «Гнев» и «Непостоянные величины». Весной 2020 года роман «Непостоянные величины» вошел в шорт-лист престижной премии «Национальный бестселлер». Новый роман писателя «Развлечения для птиц с подрезанными крыльями» в апреле 2021 года вошел в лонг-лист другой престижной премии «Большая книга».
  • Идеи. В своих произведениях Ханов размышляет о собственном поколении, российской интеллигенции, школе и образовании. 
  • Цитата. «Мне скучно писать о себе и пересказывать бытовые эпизоды. Я с большой настороженностью отношусь к авторам, что не любят и не умеют фантазировать. Что-то испытать, что-то подслушать, что-то подглядеть, приправить вымыслом — такой состав прозы устраивает меня куда больше» («Ревизор.ru», 2020).
Garage MCA

Аслан Гойсум

Возраст: 30 лет

Профессия: художник

  • Становление.  Аслан родился в 1991 году в столице Чеченской Республики Грозном. Получать высшее образование он уехал в Москву, окончил колледж дизайна и курс «Новые художественные стратегии» в Институте проблем современного искусства. Затем выучился в Высшей школе изящных искусств в Генте и Королевской академии изящных искусств в Амстердаме.
  • Творчество. Гойсум работает в разных форматах: создает физические инсталляции (в том числе из бумаги и книг) и видео-арт. В своих работах он высказывается об истории Северного Кавказа, травме войны и колониальном наследии империи.
  • Признание. В последние годы работы художника выставлялись в галереях многих городов мира: Берлине, Антверпене, Лондоне, Ванкувере, Мюнхене, Сан-Франциско, Париже, Амстердаме, Лондоне. Гойсум получал Гран-при Московской международной биеннале молодого искусства и специальный приз премии Future Generation Art Prize, а также номинировался на премии Кандинского и Курехина. В 2020 году художник получил грант на работу в престижной нью-йоркской арт-резиденции ISCP в течение трех месяцев.
DR

Алена Ковалева

Возраст: 21 год

Профессия: балерина

  • Путь. Петербурженка Ковалева в 2016 году окончила Академию русского балета имени Агриппины Вагановой и приняла участие в международном конкурсе учащихся балетных школ в швейцарской Лозанне. После выпуска ее приняли в балетную труппу Большого театра.
  • Регалии. В конце 2017 года Ковалева получила ранг солистки балетной труппы Большого, всего через несколько месяцев она стала первой солисткой. В 2018 году Алена получила приз «Душа танца» в номинации «Восходящая звезда» от журнала «Балет». С сентября 2019 года Ковалева — ведущая балерина Большого театра. 
  • Творчество. Ковалева исполняет вальс в балете «Щелкунчик» Петра Чайковского, заглавную партию в балете «Фея кукол» Иоганна Байера и соло в сцене «Волшебные сады Наины» из оперы «Руслан и Людмила» Михаила Глинки. В 2020 году она исполнила роль Ундины в постановке «Герой нашего времени» режиссера Кирилла Серебренникова.
  • Цитата. «Так получается, что чаще я общаюсь и даже дружу с людьми старше меня. Это происходит неосознанно из-за того, что я провожу большую часть времени в театре, а в труппу каждый год вливаются люди разного возраста. Я лично уже перестаю замечать различия в возрасте. Последнее, о чем я спрошу человека, сколько ему лет» («РБК Стиль», 2020).
DR

Иван Янковский

Возраст: 30 лет

Профессия: актер театра и кино

  • Корни. Отец Ивана — актер и режиссер Филипп Янковский, мать — актриса Оксана Фандера, дед — актер Олег Янковский. Иван с восьмого класса учился в Московской международной киношколе, а затем окончил актерско-режиссерский факультет ГИТИС. 
  • Признание. В последние годы Янковский-младший сыграл в нескольких громких кинопроектах: в фильмах «Завод» Дмитрия Быкова, «Текст» Клима Шипенко (по роману Дмитрия Глуховского) и «Союз спасения» Андрея Кравчука. Иван дважды получил кинопремию «Золотой орел»: в 2017 году за роль в фильме «Дама пик» Павла Лунгина, в 2020 году за фильм «Текст».
  • Звездный час. В 2021 году на платформе «Кинопоиск» вышел мистический мини-сериал «Топи» режиссера Владимира Мирзоева по сценарию писателя Дмитрия Глуховского. «Топи» изобилуют аллюзиями к жизни современной России, ее социальной и политической повестке. Янковский сыграл в сериале главную роль — стартапера, который борется с ФСБ, пытается излечиться от рака и ищет смысл существования. Сериал стал самым просматриваемым в онлайн-кинотеатре «Кинопоиск» в феврале.
DR

Виктория Привалова

Возраст: 30 лет

Профессия: режиссер театра и кино

  • Борьба. В 16 лет Виктория переехала из Нижневартовска в Омск, а в 18 — в Москву, где не смогла поступить в университет и продолжить учиться мировой экономике. После чего Привалова успела поработать на самых разных позициях, в том числе няней, переводчиком, художницей, натурщицей, актрисой, мойщицей посуды и секретарем у топ-менеджера. В 19 лет она с первого раза поступила во ВГИК, создавала мультфильмы в мастерской мультимедиа, а затем окончила режиссерский факультет с красным дипломом и стала снимать фильмы и ставить спектакли.
  • Реализация. В 2016 году Привалова поставила в Центре имени Мейерхольда интерактивный спектакль «Совместные переживания», в котором актеры и зрители рассказывают реальные истории о своей первой любви. Затем она поставила в театре «Практика» спектакль-выставку «Мам, привет» об отношениях матерей с детьми (он получил две номинации на премию «Золотая маска» 2020 года) и спектакль-разговор о сексе «Северное сияние». Также Привалова создала онлайн-перформанс о взаимоподдержке #вместесней при участии Puma.
  • Влияние. В 2021 году режиссер при поддержке «Манго Страхование» запустила стартап и медиапроект «Жабобо» о внимательном отношении к домашним животным. «Жабобо» планирует производить удобные аксессуары для животных, в том числе, мягкий воротник, напоминающий жабо, который призван ограничить подвижность питомца.
DR

Вова Перкин

Возраст: 26 лет

Профессия: художник

  • Становление. Уроженец Майкопа увлекался граффити и, переехав в Москву, стал разрисовывать поезда, а затем уехал путешествовать по стране автостопом. В 2017 году Перкин попал на конкурс молодых художников, который курировал художник Андрей Бартенев, где его работы заметил венчурный инвестор и меценат Дмитрий Волков. После этого он стал участвовать в крупных арт-событиях, в том числе в Международном фестивале Сергея Курехина.
  • Стиль. Перкин одновременно занимается живописью, скульптурой и фотографией. Его работы отличает буйство красок и обилие выдуманных им неземных персонажей. Свое художественное направление он называет «перкинизмом».
  • Цитата. «Я ­родился в Майкопе, а там просто невозможно веселиться. Все это копилось во мне, а потом — бам! — и взорвалось. Вещества тут ни при чем» (GQ, 2018).
DR

Степан Христофоров (Brickspacer)

Возраст: 22 года

Профессия: цифровой художник

  • Ремесло.  Brickspacer — художник-самоучка. Он с 12 лет самостоятельно находил материалы по компьютерной графике в интернете, выполнял простые заказы для знакомых, а в конце десятого класса устроился в студию motion-дизайна на позицию junior. Помимо этого, он начал делать иллюстрации и зарабатывал на фрилансе, создавая заставки для YouTube-каналов на заказ. 
  • Рост. Свои работы Brickspacer выкладывал в Instagram. За один месяц аудитория художника выросла с 16 000 до 100 000 подписчиков, он сфокусировался на собственном творчестве и перестал браться за коммерческие заказы, которые не мог выложить в соцсети.
  • Бум. Brickspacer — один из первых художников из СНГ, кто смог монетизировать свое творчество за счет роста популярности NFT-площадок в начале 2021 года. Свою работу «Навальный», посвященную противостоянию Алексея Навального с Владимиром Путиным, он продал за 7,49 ETH ($10 000). А работу «Первое, что американцы увидели на Марсе» с изображением главы «Роскосмоса» Дмитрия Рогозина — за $3600. Кроме того, он создал Telegram-канал NFT Bastards, в котором рассказывает о главных сделках на рынке NFT (на канал подписано более 12 000 человек).
  • Цитата. «В какой-то момент я понял, что нужно назначить цену, которую ты считаешь большой для себя, и накидывать сверху еще тысяч двадцать. Надо ценить свой труд. Да, за невысокую цену заказчика найти легче, но и относиться к тебе будут, как к мешку картошки» (Rusbase, 2020).
DR

Ксения Середа

Возраст: 26 лет

Профессия: оператор

  • Быстрый взлет. Школьницей Ксения ходила в кружок фотографии в московском Дворце пионеров. Затем с первого раза поступила на оператора во ВГИК. К 26 годам она сняла документальный фильм к спектаклю «Гоголь-центра» «Кому на Руси жить хорошо», картину «Кислота» Александра Горчилина, сериал «Звоните ДиКаприо!» Жоры Крыжовникова и фильм «Дылда» Кантемира Балагова, который едва не номинировали на «Оскар» в категории «Лучший иностранный фильм».
  • Мировое признание. В начале 2021 года знаменитый шоураннер Крейг Мазин (сериал «Чернобыль») заявил, что пригласил Ксению Середу снять пилот сериала по мотивам игры The Last of Us для HBO. Мазину очень понравилась «Дылда», он назвал ее великолепным фильмом. Режиссером пилота станет Кантемир Балагов.
  • Цитата. «Лично мне в большом кино очень не хватает сопереживания герою и подключения к его переживаниям. Мне как зрителю нравится смотреть драму, где герои мучаются и страдают, и страдать вместе с ними» («Афиша Daily», 2020).
More.TV

Варвара Шмыкова

Возраст: 29 лет

Профессия: актриса театра и кино

  • Путь. В детстве москвичка увлекалась футболом и играла в Детском музыкальном театре юного актера. Затем она несколько раз пыталась поступить в театральное училище, в 2010–2011 годах училась на актерско-режиссерском курсе эстрадного факультета ГИТИСа, но ушла оттуда по собственному желанию. В итоге окончила курс Виктора Рыжакова в Школе-студии МХАТ, где попала в труппу «Июльансамбль».
  • Внимание. В июне 2020-го в онлайн-кинотеатре more.tv вышел сериал «Чики» Эдуарда Оганесяна с участием звезд соцсетей Ирины Горбачевой и Антона Лапенко. Шмыкова сыграла в сериале одну из главных ролей. На тот момент сериал стал самым успешным проектом в истории онлайн-кинотеатра: за три недели первые четыре серии посмотрели 3,5 млн раз. «Сама история, которая рассматривает роль женщины в обществе, буквально на каждом шагу перекликается с самыми острыми дискуссиями о феминизме последних лет. Просто в контексте сериала никто специальных акцентов на этом не делает, и вместо очередного срача вдруг выходит содержательный разговор», — написал о «Чиках» кинокритик Иван Филиппов в колонке для Forbes.
  • Статус. Сейчас Шмыкова играет в постановках труппы «Июльансамбль» в Центре имени Мейерхольда. Также она озвучила Наташу Ростову в аудиоспектакле Мобильного художественного театра по роману «Война и мир» и снялась в картине Кирилла Серебренникова по книге «Петровы в гриппе» Алексея Сальникова — фильм на стадии постпродакшена.
Копировать ссылку

ТОП 10 современных художников мира и их картины

Картины самых известных современных художников могу соперничать с классическими полотнами. В них слились воедино новаторство и традиционные способы изображения. Эти шедевры украшают лучшие картинные галереи мира и частные коллекции. Одни полотна «гастролируют» по выставочным залам, другие украшают стены Белого дома и некоторых дипломатических миссий. Их дарят послам и президентам, монархам и кинозвездам.

Ты можешь выбрать картину любой тематики в галерее или заказать свою

Вильям Хенритс (Голландия)

«Сладкий Певец Урбанизма». Примерно так окрестили искусствоведы Хенритса на одной из персональных выставок. Работы известного современного художника из Голландии известны далеко за пределами его родины.

Кто только не пытался запечатлеть старые улочки Амстердама, с его каналами, мостами и улицами «красных фонарей»! Но те, кто знаком с его творчеством, узнают его шедевры и влюбляются с первого взгляда

Акварель, пастель, акрил или масло… Какая разница, чем творить шедевры? Главное, чтобы это было «мега-талантливо», как сказал один из экспертов современной живописи!

Болгарское искусство – Цвиатко Кинчев

Изумительная игра с цветом – так кратко можно охарактеризовать работы одного их самых известных художников современности. Поразительная палитра, продуманная композиция и простые сюжеты для зарисовок из городской жизни.

Ни для кого не сереет, что его шедевры нельзя назвать «полотнами» или «живописью». Он не использует краски и кисти в традиционном смысле. Болгарин в совершенстве овладел секретами цифровой живописи.

Кинчев гениально «творит» в программе Photoshop на своем компьютере. Даже великие современные художники удивляются, как можно подражать манере импрессионистов в цифровом формате?!

Канадская художница Линда Вайлдер

Линда Уайлдер (Вайлдер) выросла среди горных лесов Канады. Красота природы всегда восхищала одаренную девочку, из которой выросла одна их самых известных художниц современности. Ее картины есть в частных коллекциях Канады и в музеях современного искусства по всему миру.

Восхитительные пейзажи, выполненные особой кистью в характерной манере – узнаваемый почерк автора. Размашистые, но точные мазки, удивительно точно подобранные краски и тонко подмеченная игра света и тени создают иллюзию наполненности картин светом. Кажется, что вода вот-вот польется за пределы резной рамки.

Кен Хонг Лунг (Китай)

«Мастер волшебных пейзажей» – так окрестили одного из самых знаменитых современных художников. Эти провинциальные пейзажи, рыбацкие деревни и окутанные утренним туманом горные вершины никого не оставят равнодушным.

Пейзажи одного из самых красивых мест «Поднебесной империи» навсегда поселились в сердце необычайно одаренного Кен Хонг Лунга из Гонконга. Его полотна быстро стали известными за границей. Теперь картинные галереи Китая и Гонконга отстаивают свое право на стационарное размещение его работ.

В конце 70-х он получил американское гражданство, что дало больше свободы в творческом развитии. Но его сердце всецело принадлежит азиатской вотчине.

Ты можешь выбрать картину любой тематики в галерее или заказать свою

Леонид Афремов (Беларусь)

Многие стараются подражать особой манере живописи Леонида Афремова, с размашистыми крупными мазками. В них угадывается влияние импрессионистов, но знаменитый современный художник всегда безошибочно узнаваем среди других репродукций, выполненных всего лишь как жалкое подражание мастеру.

Его полотна одновременно напоминают фейерверк красок, мозаику, вихрь осенних листьев, песню ветра и калейдоскоп из битого стекла. Некоторые молодые художники думают, что и они так смогут, но это всего лишь иллюзия.

Работа маслом и акрилом под впечатлением путешествий – источник вдохновения знаменитого белоруса. Ах, Париж, Париж мечта поэта…

Эжен Джей Папроски (США)

Восхитительная живопись Эжен Джей Папроски из Чикаго удивительным образом трогает за душу с первого взгляда. Путешествия по Европе – источник вдохновения американца, профессионально обучавшегося живописи в профессиональной школе при местном университете.

Секрет его творчества – увлечение полотнами импрессионистов, но его манера отличается от всего, что было известно искусствоведам до него.

Многие частные коллекции и музеи мира охотно приобретают его шедевры. Ценители и просто досужие зрители с удовольствием рассматривают его живописные полотна. Многие сходят к тому, что их не хочется обсуждать, а просто молча рассматривать все мазки и мелкие детали.

Никас Сафронов (Россия)

В списки знаменитых современных художников вошло имя эпатажного светского повесы из России. Никас Сафронов – безусловно, очень талантливый человек.

Сафронов – один из самых высокооплачиваемых художников России. Но он предпочел растиражировать свою одаренность на сомнительную деятельность, делая пародии в стиле классической портретной живописи.

Кто-то с завистью называет его «придворным художником», критикуя портреты первых лиц в подаче Сафронова. Другие «становятся в очередь», чтобы заказать у него свой «особый портрет». В любом случае, о его талантах не спорят.

Такаши Мураками (Япония)

Такаси (Такаши) Мураками – пожалуй, обладатель наиболее незаурядного таланта среди самых известных художников современности. Ему подвластны практически все жанры. Работы этого гениального творца запоминаются с первого взгляда, настолько интересна его игра красок и образов. В большинстве работ просматривается типично японская «мультяшность» и детский оптимизм.

Такаси демонстрирует особый взгляд на мир – борьба живой природы и серого урбанизма. Эта идея находит воплощение во всем, к чему прикасается рука Мураками – от анимации до настоящей живописи. Он предлагает свою версию дизайна бытовых вещей и «подиумной» моды. Во многих странах известные его граффити и инсталляции, керамика и предметы интерьера.

Ло Чжунли (Китай)

Особое дарование Ло Чжунли признают многие, соотечественники из Китая и не менее талантливые художники-современники. Этот портрет деревенской девушки с водоносом называют «Китайской Джокондой»:

Китайские передвижники прообразы для своих гениальных полотен обычно подыскивают не среди горожан, а в отдаленных горных деревнях. Мастер портретной живописи может изобразить едва уловимую эмоцию, тень улыбки и молчаливую просьбу.

Как-то по-особому трогают грустные образы знаменитых современных художников из Китая. Посмотрите, сколько в этих морщинах из «Портрета отца» пережитых трудностей.

Мигель Барсело из Каталонии

Среди лучших работ современных художников мира нередко вспоминают яркое и удивительное творчество Мигеля Барсело. Скептики говорят, что «ничего особенного», искусствоведы твердят, что он «гений современности».

Часто Мигеля приглашают в качестве оформителя престижных международных мероприятий. Он автор панно во Дворце Наций в Женеве. На Пальма-де-Майорка (его родине) кисти художника принадлежит необычное оформление Кафедрального Собора Ла Сеу.

Незаурядный испанец – автор иллюстраций к книгам Родриго Рея Росы, Пола Боулза и классической «Божественной комедии» Данте. Его жизненная позиция – бросать вызов обществу, искусству и себе (в первую очередь).

10 СОВРЕМЕННЫХ ДЕЯТЕЛЕЙ ИСКУССТВА, КОТОРЫХ ВЫ ДОЛЖНЫ ЗНАТЬ | Above Art

Новые таланты постоянно пытаются оставить свой след на современном художественном поприще – одни с помощью разрушения границ, другие – внося современную лепту в что-то классическое. Мы составили список современных американских деятелей искусства, которые взяли штурмом мир современного искусства 21-го века.

Brian Dettmer (Брайан Деттмер)
Cовременный художник из Нью-Йорка, который превращает старые книги и другие печатные издания в замысловатые скульптурные шедевры.

Brian Dettmer

Brian Dettmer

Brian Dettmer

Brian Dettmer

Работая с пинцетом, ножами и другими хирургическими принадлежностями, Деттмер манипулирует страницами и корешками книг для формирования объемов скульптур, при этом ничего внутри не перемещается и не заменяется.

Brian Dettmer

Brian Dettmer

Получив заслуженные награды на протяжении всей своей карьеры, работы Деттмера были представлены на персональных и групповых выставках по всей стране и за рубежом, а еще их можно найти и во многих частных и общественных коллекциях по всему миру.

Daniel Arsham
Нью-йоркский художник Daniel Arsham  (Даниэль Аршам) создает уникальные произведения искусства в измерении 2D, 3D и 4D, во многих из них есть элементы архитектуры.  

Daniel Arsham

Daniel Arsham

Некоторые из самых известных работ Аршама заставляют зрителей посмотреть на строительные элементы по-новому – стены, которые тянуться за фигурами или секции, которые как будто раздувает ветер, создавая эффект ряби.

Daniel Arsham

Daniel Arsham

Его искусство действительно исключительное. Его произведения можно найти во многих коллекциях по всему миру, а также увидеть на персональных и групповых выставках.

Daniel Arsham

Daniel Arsham

Diana Al-Hadid
Работая с полимерным гипсом, стекловолокном, сталью, гипсом и другими материалами, скульптор из Огайо Diana Al-Hadid (Диана Аль-Хадид) создает сложные и невероятно красивые произведения искусства – тающие скульптуры, которые на самом деле тверды.

Diana Al-Hadid

Diana Al-Hadid

Аль-Хадид строит сложные абстрактные произведения, напоминающие элементы, найденные в искусстве на протяжении всей истории, включая произведения искусства Северного ренессанса и готическую архитектуру.

Diana Al-Hadid

Diana Al-Hadid

Скульптор также создает панели — жидкие материалы выливаются на плоскую опору и удаляются после сушки, создается ощущение, что оставшиеся куски плавают по поверхности. Учитывая уникальный стиль, неудивительно, что у Аль-Хадид было много персональных и групповых выставок, а также работы представлено в престижных коллекциях, таких как Музей американского искусства Уитни в Нью-Йорке.

Diana Al-Hadid

Diana Al-Hadid

KAWS Brian Donnelly (Брайан Доннелли)
Более известный под псевдонимом KAWS, — граффитист из Нью-Джерси. Он так работает и в других направлениях, включая живопись и скульптуру. На протяжении многих лет в сотрудничестве со многими компаниями, он также разработал множество игрушек с ограниченным тиражом и предметов одежды. KAWS часто перерисовывает мультяшных героев, таких как Микки Маус, Снупи и Губка Боб Квадратные штаны и многих других. Но место глаз у них характерные крестики.

KAWS Brian Donnelly

KAWS Brian Donnelly

KAWS Brian Donnelly

KAWS Brian Donnelly

К слову, это даже не крестики, а буква «Х», которую KAWS особо выделяет среди всех прочих. Его работы представлены на выставках во всем мире, их также можно найти во многих постоянных коллекциях — как частных, так и общественных — в том числе коллекции Розенблюма в Париже.

KAWS Brian Donnelly

KAWS Brian Donnelly

Kehinde Wiley (Кьянде Уайли)

Нью-йоркский художник, известный своими портретами, на создание которых его вдохновляют картины старых мастеров.

Kehinde Wiley

Kehinde Wiley

Первой работой был портрет темнокожего мужчины из Гарлема, вскоре появились портреты других темнокожих мужчин и женщин со всего мира. Кьянде Уайли позволяет моделям самостоятельно выбрать классическое произведение, изображающее дворян, аристократов и других навязчивых исторических фигур, а затем изображает их в повседневной одежде на ярком фоне на основе декоративного текстиля в такой же героической позе. Результатом этого является смелый и мощный современный манер классической портретной живописи.

Kehinde Wiley

Kehinde Wiley

Всемирно известные картины Уайли можно найти в многочисленных коллекциях по всему миру, в том числе в Музее искусств Метрополитен в Нью-Йорке.

Kehinde Wiley

Kehinde Wiley

Mariah Robertson
Современный фотограф Mariah Robertson (Мэрайя Робертсон) делает все по-своему. Выбрасывая все фотографические правила, Робертсон экспериментирует с различными нетрадиционными методами, в том числе с использованием глянцевой бумаги, которая часто переэкспонируется и разрывается.

Mariah Robertson

Mariah Robertson

Она также использует различные химикаты как самостоятельно, так и смешанные и «проливает» их на бумагу, чтобы увидеть, что произойдет, и результат невероятный: дикие фотографии, которые взрываются интенсивными цветами.

Mariah Robertson

Mariah Robertson

Большинство фотографий Робертсон крупномасштабны, и вместо того, чтобы аккуратно нависнуть на стенах, эти работы чаще всего демонстрируются как впечатляющих установках.

В дополнение к различным групповым и персональным выставкам, инновационные фотографии Робертсон также можно найти в нескольких публичных коллекциях.

Mariah Robertson

Mariah Robertson

Ryan Trecartin (Райан Трекартин), который в настоящее время базируется в Лос-Анджелесе, известен как видеохудожник. Иногда он также создает скульптуры и инсталляции.  Трекартин вместе со своим постоянным сотрудником Lizzie Fitch (Лиззи Фитч) создают экспериментальные, многослойные и короткометражные фильмы, которые часто показывают в музеях.

Mariah Robertson

Mariah Robertson

Дебют Райана Трекартина на арт-сцене состоялся в 2004 году с фильмом «Семья ищет приключений» («Family Finds Entertainment»), в котором рассказывается о приключении мальчика. Кстати, героев фильма играет сам Трекартин вместе с семьей и друзьями.

Ryan Trecartin

Ryan Trecartin

За это фильм Трекартин получил много наград и был представлен на выставке современного американского искусства Биеннале Уитни через два года. Основанные на современной жизни и всем, что она влечет за собой, его фильмы уникальны и интригуют, следовательно, привлекают внимание многих учреждений, в том числе и Музей Соломона Гуггенхейма.

Ryan Trecartin

Ryan Trecartin

Taryn Simon (Тарин Саймон) — известный художник, чьи работы сочетают в себе фотографию, текст и графический дизайн. Заинтересованная в изучении скрытых вещей, Саймон намеревается уловить предмет, который часто считается невозможным и / или запрещенным.

Taryn Simon

Taryn Simon

Она идентифицирует предмет и начинает утомительный процесс исследования, чтобы воплотить проект в реальность. Для проекта «Американский указатель скрытых и незнакомых» автор собирает коллекцию редкостей, которые скрыты из видимости в пределах Соединенных Штатов.

Taryn Simon

Taryn Simon

Любители искусства могут найти работу во всем мире, в том числе в Национальном центре искусств Жоржа Помпиду в Париже.

Taryn Simon

Taryn Simon

Tauba Auerbach Изучая язык и логику наряду с цветом и размером, Тауба Ауэрбах — многогранный художник, который работает в различных направлениях искусства, включая скульптуру, фотографию, дизайн книг и ткачество.

Tauba Auerbach

Tauba Auerbach

Однако популярность она получила благодаря своим картинам, известными как «складные картины», которые играют с восприятием и цветом. Ауэрбах складывает полотно, а затем наносит рисунок, убедившись, что краска попадает во все складки.

Tauba Auerbach

Tauba Auerbach

После сушки она тщательно растягивает картины, получая двумерную работу, имитирующую трехмерную фигуру. На счету художницы множество персональных и групповых выставок. Ее работы находятся в нескольких постоянных коллекциях, в том числе и в Музее современного искусства в Стокгольме

Tauba Auerbach

Tauba Auerbach

Zoe Strauss
Фотограф из Филадельфии Zoe Strauss (Зое Штраус ) начала заниматься фотографией в 30 лет, получив в подарок на День рождения  свою первую фотокамеру. Она снимает людей и места, которые общество часто упускает из виду. Не уклоняясь от реальных взглядов на различные экономические и социальные истины, Штраус начала фотографировать людей из своего квартала, создавая мощные и почтительные портреты. Работы Штраус сделанные с 2001 по 2011 год воплотились в масштабную выставку “Under I-95”, которая состоялась в Южной Филадельфии. Фотографии Штраус можно найти на зданиях и рекламных щитах, а также во многих частных и общественных коллекциях по всему миру.

Zoe Strauss

Zoe Strauss

Zoe Strauss

Zoe Strauss

Zoe Strauss

Zoe Strauss

Другие интересные статьи о современном искусстве читайте на aboveart.ru

Художники Эрарты — Российские современные художники — Музей современного искусства Эрарта

Аветисян Альберт

Аветисян Арсен

Акулин Даня

Алдошин Владимир

Альховский Александр

Антощенков Владимир

Анфалова Надежда

Артюшков Олег

Аршакуни Завен

Бабенко Павел

Багс Стас

Баданина Татьяна

Базанов Алексей

Базанова Анастасия

Байдаков Константин

Бакин Сергей

Барский Евгений

Басин Анатолий

Батербиев Арсен

Белкин Анатолий

Беляев Павел

Бенькович Константин

Беспамятных Сергей

Богомолов Глеб

Борщ Борис

Брат Павел

Брашкин Александр

Брусиловский Миша

Брусиловский Миша

Бугровский Сергей

Буева Ольга

Булныгин Дмитрий

Валиев Захар

Вальран Валерий

Васильев Николай

Васильева Ирина

Веселый Фрол

Викулов Николай

Волигамси Ринат

Волков Александр

Волосенков Феликс

Воротилов Андрей

Гаврильчик Владлен

Ганкевич Анатолий

Гапонов Илья

Герасименко Валентин

Гержедович Ярослав

Горбань Петр

Горбунов Андрей

Горохова Евгения

Грачев Константин

Грачева Екатерина

Греков Александр

Грецкий Дмитрий

Гриневич Сергей

Гринчель Инна

Гришин Павел

Грязнов Виктор

Гусев Юрий

Гутов Дмитрий

Дайбов Владимир

Дашевский Александр

Денисов Сергей

Джигирей Алла

Дик Пётр Гергардович

Духовлинов Владимир

Евсин Сергей

Ельчанинов Владимир

Еременко Константин

Жарких Юрий

Жуков Дмитрий

Забирохин Борис

Загоров Владимир

Загоскин Александр

Закирзянов Андрей

Заремба Евгений

Зарецкая Юлия

Заславский Анатолий

Звягин Михаил

Зинштейн Арон

Зубков Геннадий

Иванов Александр

Иванов Михаил

Исмагилов Рустам

Ичитовкин Денис

Кабин Александр

Каварга Дмитрий

Каёткин Максим

Казаковцев Михаил

Казбеков Латиф

Казимов Станислав

Карев Сергей

Колибаба Леонид

Комельфо Владимир

Комиссаров Вадим

Компаниец Александр

Кондратенко Филипп

Конников Петр

Копейкин Николай

Королев Александр

Косенков Александр

Кошелохов Борис

Кривченков Валентин

Кудрявцева Тамара

Куприянов Виктор

Лаврентьев Сергей

Лаврентьева Наталия

Лакотко Сергей

Ланг Олег

Лапицкий Савелий

Лебедева Зоя

Лёзин Михаил

Леонова Татьяна

Лимонова Кира Сергеевна

Лоцман Александр

Лубнин Гавриил

Лукиных Иван

Лукка Валерий

Люблинский Андрей

Мамаев Андрей

Марголин Дмитрий

Матвеев Сергей

Меньшиков Даниил

Мигачев Владимир

Минина Софья

Миронов Валерий

Михайленко Игорь

Михайлов Вячеслав

Молев Артур

Монахов Рубен

Морозов Аркадий

Неганов Андрей

Нечеухина Татьяна

Никифоров Юрий

Новиков Андрей

Новиков Константин

Норина Зоя

Нурулин Максим

Овакимян Роберт

Овчинников Владимир

Омбыш-Кузнецов Михаил

Орлов Игорь

Осташов Андрей

Острецов Георгий

Отдельнов Павел

Павленин Михаил

Паршиков Владимир

Пасухин Сергей

Пасухин Сергей

Патракеев Денис

Пахотин Константин

Пестерев Александр

Петров Александр

Петросян Гурген

Писарева Геля

Плавинская Мария

Плавинский Дмитрий

Плаксин Давид

Погоржельский Александр

Подобед Александр

Полисский Николай

Поляков Константин

Попов Анатолий

Потапов Владимир

Прасолов Денис

Пушницкий Виталий

Пьянов Константин

Рейхет Петр

Розенбаум Наталия

Ростков Олег

Роуман Алексей

Рубан Зинаида

Рудьев Андрей

Румянцев Александр

Рыбаков Николай

Рыбаков Юлий

Рютин Алексей

Савко Александр

Саврасов Евгений

Сажин Николай

Самсонов Юрий

Сафронова Мария

Сахненко Владимир

Сахненко Иван

Селиханов Константин

Семичов&Кузьмин  

Сергеев Алексей

Сергеева Татьяна

Синтаро Охата

Скляревская Инна

Слонов Василий

Сопина Юлия

Стародубцев Артем

Субботина Ольга

Сычев Юрий

Тагути Анна

Татарников Петр

Татьянин Юрий

Терехов Сергей

Ткачев Михаил

Трегубенко Маша

Трифонов Александр

Туличева Татьяна

Ухналев Евгений

Фалей Александр

Фатеев Владимир

Федорин Порфирий

Федоров Александр

Федорова Марина

Фигурина Елена

Филиппов Андрей

Флегонтов Дмитрий

Франгулян Георгий Вартанович

Хайлу Галина

Ханыков Анфим

Хахо Владимир

Худяков Константин

Цвиркунова Светлана

Цэруш Михаил

Чежин Андрей

Чернов Олег

Чернов Сергей

Честников Юрий

Чижов Алексей

Чирятьев Николай

Чурсин Юрий

Шарафиев Глеб

Шарипов Эдуард

Швецов Петр

Шинкарев Владимир

Шнуров Сергей

Шорин Дмитрий

Штапаков Юрий

Штерн Алексей

Шуклин Игорь

Ягер Юстус

Яновский Дмитрий

Ярошевич Андрей

Ярошевич-Гусева Ирина Владимировна

Яшке Владимир

9 современных художников, за которыми надо следить

Назвать кого-то «вторым Бэнкси» уже давно звучит как сомнительный комплимент – кроме Бэнкси есть десятки актуальных художников, упаковывающих социальные или чисто эстетические высказывания в разноцветные (или черно-белые) уличные картинки. Вместе с лимитированной арт-серией Hennessy Very Special, воплотившей своенравный и независимый дух стрит-арта, рассказываем о современных уличных (и не только) художниках, за которыми надо следить, а также о городах, куда стоит поехать, чтобы посмотреть на их работы.

 

Felipe Pantone


  Сайт  |  Instagram

 

 

Фелипе Пантоне родился в Буэнос-Айресе, в 10 лет переехал Испанию, а в 12 – начал рисовать граффити. Впрочем, официальное образование в области изящных искусств он тоже получил – в Валенсии, где и находится его студия. Пантоне – это псевдоним. Когда художник начинал заниматься стрит-артом, его ник был Paint One, но в процессе это все слилось в одно слово. А вот если ты встретишь Фелипе где-то на улице, ты его не узнаешь – художник принципиально не фотографируется. Стиль Фелипе напомнит тебе о каллиграфии, винтажной типографике и оп-арте, художественном течении второй половины XX века, которое использовало оптические иллюзии и геометрические абстракции, дающие зрителю впечатление движущихся узоров. Художник много путешествует, поэтому темы динамичности, трансформации, современных технологий и их связи с искусством тоже важны в его творчестве: он даже пишет об этом в своем манифесте, который так и называется – Dynamic Phenomena.

Сейчас Фелипе продолжает рисовать на улицах, устраивает собственные выставки и сотрудничает с разными компаниями. Например, Пантоне стал первым современным художником, сделавшим фильтры специально для Instagram, а в этом году стал автором этикетки лимитированной серии Hennessy Very Special Limited Edition и арт-объекта — инсталляции, состоящей из ста пронумерованных элементов, каждый из которых можно купить и персонализировать. Это продолжение одного из проектов художника – Configurable Art. Он считает, что в мире, где все подвержено кастомизации – от телефона до кроссовок – любой желающий может собрать и собственный арт-объект из предложенных Пантоне паттернов, глитчей и элементов компьютерной графики. Configurable Art — это взаимодействие технологий, интернета и искусства. Принципу динамичности и тут нашлось место: художественные элементы, которые можно использовать для создания рисунка, обновляются.

Ближайшее произведение Фелипе – монументальное граффити на боковой стене торгового центра «Атриум» в Москве и 24-метровaя инсталляция «Фонтан данных» внутри. Работы Пантоне также можно увидеть в арт-квартале Винвуд в Майами, Риме, Гонконге и других городах – из последних творений нас больше всего впечатлила трехмерная инсталляция в Siam Center (Бангкок, Таиланд).

Если не собираешься никуда ехать, можешь не сходя с места заценить его мурал в виде QR-кода (самый большой в мире, как утверждает сам художник) высотой 25 метров и шириной 30. Оригинал находится в бельгийском Хасселте, но отсканировать можно на сайте художника.

 

 

 

Vhils


  Сайт   |  Instagram

 

 

Вилс родился в Лиссабоне и рос там в то время, когда атмосфера в Португалии была весьма терпима к граффити, а рисовать на улице было безопасно и намного интереснее, чем сидеть у телевизора. Так что Вилс начал ставить теги на пути в школу, потом переключился на поезда – он жил возле пригородной железнодорожной линии, потом стал выбираться в другие города Португалии и Европы, присоединяться к арт-группам и участвовать в выставках. В конце концов добрался и до Лондона, где закончил престижный колледж искусств и дизайна, а в 2008-м Бэнкси (ну да, какая статья про стрит-арт без Бэнкси!) пригласил его поучаствовать в фестивале стрит-арта в Лондоне. Дальше были другие фестивали, выставки и биеннале современного искусства, работы по всему миру – в галереях и на улицах.

Это тот самый автор, работы которого ты узнаешь в любом городе мира из-за специфической фактуры и техники: это портреты людей, созданные с помощью абразивных инструментов и жидкостей, разрушения штукатурки стен, скретчинга и даже контролируемых взрывов. Часть работы всегда остается незаконченной – дальше в дело вступает окружающая среда, под воздействием которой произведение продолжает меняться. Вилс напоминает, что стрит-арт – это не только краска, а еще и дрель, молоток и зубило, и в его случае уличное искусство больше похоже на археологические работы, открывающие то, что лежит под поверхностью. Создание некоторых его произведений занимает не меньше месяца. Среди героев портретов – и реальные герои, узнаваемые жителями города, и неизвестные люди, превращенные в иконы, например, жители трущоб в Рио-де-Жанейро, чьи лица появились на стенах, оставшихся после сноса домов.

Много масштабных творений Вилса ты встретишь на улицах Лиссабона и других городов Португалии (чекай карту). Не пропусти крутую коллаборацию с Шепардом Фейри, которая сочетает фирменные яркие краски Шепарда с фирменным грубым многослойным стилем Вилса. Если до Лиссабона ехать далеко, можешь сгонять в Киев. Там на улице Михайловской – портрет Сергея Нигояна, первого погибшего во время Евромайдана, а в Москве – портрет Маяковского, практически выгравированный на многослойной штукатурке.

 

 

 

JonOne


  Сайт  |  Instagram

 

 

Джон начал рисовать граффити в 1980 году в Нью-Йорке, где в то время наркотики достать было легче, чем краску. Атмосфера была довольно унылая и беспросветная, и люди, которые просто писали свои имена на стенах, казались настоящим символом свободы и бунта. Джон присоединился к ним со своим маркером, начав со стен собственного дома, а когда это не встретило поддержки у жильцов, переключился на метро – ведь это настоящий музей стрит-арта, который мчится через весь город. Было опасно: на краску не хватало денег и ее пришлось украсть, можно было попасть под поезд, пока прячешь баллончик с краской. Джон стал выделяться: пока остальные рисуют графику, он переключается на абстракции, его начинают звать на выставки и арт-тусовки, а один новый богатый знакомый приглашает в Париж. 

В Нью-Йорк он уже не вернулся, а остался в парижском арт-сквоте Hospital Ephemeral, где жило множество художников и который стал его студией. Джон рисует не только на стенах, но и на холсте: работа, созданная в Hospital Ephemeral, была продана за рекордную для стрит-арта цену во Франции (€ 25 000). Теперь у него своя студия, орден Почетного легиона и внушительный список коллабораций: помимо бутылки Hennessy, он раскрасил самолет Боинг-777 и банковскую карточку. Впрочем, это не мешает ему ходить в испачканных краской брюках (в них он демонстративно фотографируется на фоне своих картин). Все его работы абстрактны и могут напомнить тебе стиль Джексона Поллока и Жана-Мишеля Баския – точки, линии и потеки краски в неоновых оттенках. 

Прямо сейчас ты можешь увидеть его работы в Париже на выставке Art Élysées в секции урбан-арта в рамках Парижской недели искусства. Еще один шанс – выставка Blue Night в Galerie Droste (Katernberger Str. 100) в Вуппертале, которая продлится до 23 ноября. Несколько работ есть в постоянной коллекции Ghost Gallery в Марселе.

 

 

 

Scott Campbell


  Сайт

 

 

Скотт Кэмпбелл – художник и татуировщик со своей студией в Нью-Йорке, который делал тату Роберту Дауни-младшему, Пенелопе Крус, Стингу и другим знаменитостям. Скотт изучал биохимию и планировал стать медицинским иллюстратором, но бросил учебу, переехал в Сан-Франциско и начал заниматься татуировками, путешествовал по Азии (зарабатывая себе на дорогу снова-таки тем, что делал тату), а потом осел в Нью-Йорке, открыв свою студию Saved Tattoo в Бруклине – первым звездным клиентом стал Хит Леджер. 

Помимо тату, Скотт занимается созданием арт-объектов, творческими коллаборациями и перформансами. Одним из них была акция, когда он сделал татуировки 23 посетителям выставки. Через дыру в стене. Какими будут тату, участники, конечно, заранее не знали. 

Художник выставлялся в московском «Гараже» и лондонском Covent Garden. У работ Скотта всегда потенциал скандала: сшитые куски свиной кожи с набитыми татуировками, объекты, созданные из вещей, найденных в тюрьме в Мехико, художественно разрезанные долларовые купюры, графика на яичной скорлупе, реплика отвертки из золота и драгоценных камней. 

 

 

Ryan McGinness


  Сайт  |  Instagram

 

 

Цветы, флуоресцирующие мандалы, похожие на причудливую радужку глаза и странные уличные знаки – это фирменный стиль нью-йоркского художника Райана МакГиннесса. Он вырос на культуре серферов и скейтбордистов, проходил стажировку в Музее Энди Уорхола – отзвуки всего этого ты и встретишь в его работах, использующих яркие краски, образы поп-культуры и логотипы корпораций.

Среди его работ – оформление скейт-парка в Детройте, где художник перепридумал визуальный стиль запрещающих уличных знаков, сделав их сюрреалистичными и абсурдными. Продолжением взаимодействия художника с уличной средой стала инсталляция Sign Trees, выглядящая как «деревья» из уличных знаков – на которых вместо привычных простых символов появляются голова оленя, метроном или сложный орнамент. Разгадывать, что именно предписывает или запрещает такой знак, можно бесконечно. Однажды сюрреалистичные знаки художника появились прямо на улицах Нью-Йорка, причем ответственным за производство и установку был городской департамент транспорта. Бруклин тоже получил свою порцию странных зеленых знаков, а парк Хай-Лайн – светящуюся неоновую инсталляцию в виде фигур женщин. Работы художника найдешь в постоянных коллекций музеев современного искусства в Нью-Йорке, Сан-Диего, Цинциннати.

 

 

Shepard Fairey


  Сайт  |  Instagram

 

 

Даже если ты не знаешь его имени, ты точно знаешь его работы: тот самый портрет Барака Обамы с надписью Hope и Большой брат с надписью Obey – это изображение французского борца Андре Руссимоффа по кличке Giant.

Начиналось все совсем не на улице: Шепард ходил в консервативную частную школу и жил довольно скучной жизнью, пока не открыл для себя скейтбординг и панк-рок, начав разрисовывать доски и одежду для друзей. В результате он закончил целых две художественных школы, причем довольно престижные – школу искусств в Калифорнии и Род-Айлендскую школу искусства и дизайна, одну из старейших художественных школ США. В Калифорнии Шепард увлекся хип-хопом и задумался о расизме и социальной справедливости – эта тема до сих пор важна в его работах.

В какой-то момент Шепард напечатал наклейку с надписью Obey, раздавал ее друзьям-скейтбордистам и сам расклеивал ее повсюду. Позднее это стало отдельным брендом стривира – Obey Clothing. Шепарда арестовывали 18 раз, но сейчас у него есть своя галерея и студия дизайна в Лос-Анжелесе, причем в том, что касается галереи, он заботится не о прибыли, а о том, чтобы дать площадку молодым художникам. 

Шепард делает муралы, плакаты и коллажи из старых газет и обоев – ему нравится, чтобы работа была текстурной и многослойной, нравится, что работу на улице кто-то может заклеить, добавив к ней еще один слой. Так процесс свободного творчества не прекращается. Его стиль – портреты, напоминающие работы Энди Уорхола и пропагандистские плакаты, обычно с политическим подтекстом (Шепард делает плакаты для благотворительных организаций и протестных маршей). Художник любит порассуждать о философии, цитирует Хайдеггера и Ороуэлла, так что если хочешь не только визуальной, но и интеллектуальной пищи, почитай его манифест и эссе.  

Стикеров и муралов Шепарда полно по всему миру. Выделим три: мурал в Москве «Искусство должно распространяться повсюду» (фасад трамвайного депо имени П.Л. Апакова на Мытной), вдохновленный советским авангардом и конструктивизмом с его простыми формами и базовыми цветами; мурал в Йоханнесбурге – портрет Нельсона Манделы в честь 25 годовщины начала протестов против апартеида, и мурал с изображением Марианны, символа Французской республики в Париже, посвященный жертвам атак 2015 года. Ни к чему не призываем, но если у тебя давно чесались руки попробовать себя в качестве уличного художника, то знай, что на сайте Шепарда можно скачать те самые стенсилы Obey. 

 

 

Os Gemeos


  Сайт  |  Instagram  |  Facebook

 

 

Бразильских близнецов ты, скорее всего, знаешь: их фирменные желтые гиганты могут взглянуть на тебя со стены практически любого города мира. 
Близнецы родились в 1974-м году в Сан-Паулу (мама и старший брат – художница и скульптор), а в 12 лет увлеклись хип-хоп культурой и граффити. Сан-Паулу – живой и хаотичный город, улицы которого они и начали расписывать. Интернета и смартфонов тогда не было, поэтому в поисках информации братья иногда вырывали страницы из книг в библиотеке, а в поисках вдохновения обращались к бразильской культуре. И пока другие художники вовсю переходят на виртуальное искусство, для них по-прежнему важно искусство физическое. Постепенно братья вливались в бразильскую арт-тусовку, а после интервью в журнале об уличном искусстве становятся знаменитыми.

Сегодня рисунки близнецов можно увидеть в Австралии, Аргентине, Германии, Греции, Испании, Португалии, США, Франции и Чили. В Рио-де-Жанейро они расписывали поезда в рамках социального проекта вместе с немецкими, итальянскими и американскими художниками и местными школами: художники проводили мастер-классы, а дети создавали свои рисунки. Огромные работы Os Gemeos появлялись на стенах шотландского замка Кельбурн XIII века, лондонской галереи Tate Modern и минской заводской улицы Октябрьской. Узнать Os Gemeos просто – желтые человечки (братья говорят, что этот образ – то, как они видят себя во сне) и сказочные вселенные. Наслаждайся.

 

 

 

Futura


  Instagram

 

 

Futura – один из первых уличных художников в США, который лично знал многих активистов уличной сцены периода волны граффити 70-х. Псевдоним – дань любви к фильму «Космическая одиссея 2001» Стенли Кубрика. В целом, жизнь Futura похожа на путь многих других современных художников: начинал с граффити-тегов, перешел к абстрактной живописи на холстах, попал с уличных стен в музеи и галереи, коммерциализировал свое искусство, став дизайнером – но штука в том, что все это он сделал на двадцать лет раньше. И пока другие вдохновлялись Энди Уорхолом и Жаном-Мишелем Баския, он был знаком с ними лично.

Futura довольно быстро понял, что теги и буквы в нью-йоркской подземке его не устраивают, и перешел к абстрактной живописи, напоминающей о космосе, звездных туманностях и солнечных системах (они могут напомнить тебе композиции Кандинского из точек и линий). Художник несколько лет служил в флоте, что позволило ему повидать многие страны мира, а вернувшись домой, вернулся и к уличному искусству в местной арт-тусовке. Сейчас его работы можно найти в Нью-Йорке, Париже и Лондоне – больше в музеях, чем на улицах. Новаторским (для того времени – дело было в 2000-х) стал мультимедиа арт-проект Defumo, когда культурный центр в Италии трое известных стрит-арт художников за неделю превратили в музыкальный клуб. Документация проекта связала между собой муралы, фотографию, видео, анимацию, аудиозаписи и музыку – это было действительно дело будущего. 

Наконец, Futura был одним из первых, кто превратил свое творчество в успешный бизнес. В самом начале 90-х он путешествовал в музыкальном туре вместе с британской панк-рок группой и вживую создавал граффити-работы во время их концертов. Потом он занимался дизайном уличной одежды и обложек для дисков, а его абстрактная живопись выставлялась на сольных выставках в Нью-Йорке, Париже и Барселоне.

 

 

Kaws
 

 Instagram

 

 

Еще одна классическая история успеха: нью-йоркский граффитчик из 1990-х становится признанным художником и дизайнером, создавая скульптуры для именитых заказчиков. Его работы узнаешь по главному герою – печальному серо-коричневому клоуну и другими переработанным героям популярной культуры с глазами-крестиками (под общим названием Companion).

Изначально Kaws занимался только рисунками, причем он получил профессиональное художественное образование и днем создавал анимацию, а ночью выходил на улицу в качестве граффитчика. Потом перешел на 3D-скульптуры, создавая их размером от нескольких сантиметров до 10 метров из алюминия, дерева и бронзы – и в этом оказался ключ к коммерческому успеху. Первой такой скульптурой был виниловый Микки-Маус, в других героях можно узнать переосмысленных Симпсонов, смурфов, Снуппи и Губку Боба – в общем, все иконы поп-культуры. Их сейчас можешь увидеть в музеях и коллекциях по всему миру, включая музеи современного искусства в Нью-Йорке, Сан-Диего и Детройте. В качестве дизайнера он создает игрушки, одежду, скейтборды – все вещи исключительно limited edition, а однажды сделал свою версию трофея премии  MTV Video Music Awards.

 

 

 

Мы сделали этот материал вместе с Hennessy – брендом, который поддерживает современное искусство. Каждый из художников, ставших героями этой статьи, имеет за плечами опыт арт-коллаборации с Hennessy. Ежегодно на протяжении 9 лет бренд выбирает одного яркого современного стрит-артиста и предлагает ему сделать свой дизайн лимитированной серии Hennessy Very Special. В этом году в твою коллекцию может попасть бутылка от Felipe Pantone – а это достойный экспонат. Следи за Hennessy: вдруг работа твоего любимого художника попадет к ним на этикетку в следующем году?

 

 

Фото: официальные страницы художников

ООО «Дигеста Диджитал»
УНП ‎192317837

30 самых популярных современных художников

На основе международного отчета Artprice за 2017 год о популярных художниках на рынке современного искусства мы составили список из 30 современных художников, увиденных через призму аукционных продаж. От абстрактных изображений лиц до уличного искусства эти популярные художники разработали уникальные способы отображения своего знаменитого современного искусства.

30. Синди Шерман (р. 1954)

Синди Шерман сделала себе имя благодаря своим «Кадрам из фильмов без названия» (1977–1980), серии автопортретов, на которых она изображает женские клише поп-культуры 20-го века.Ее работы исследуют роли женщин на протяжении всей истории и в современном обществе и могут быть связаны с другими современными художниками и их абстрактными изображениями лиц. Как и некоторые другие популярные художники сегодня, она оставляет свои работы открытыми для интерпретации. Однако обычно он воспринимается как феминистский символ.

Синди Шерман

29. Лю Сяодун (1963 г.р.)

Лю Сяодун, возможно, один из величайших художников всех времен, известен своей сильной манерой письма, насыщенными цветами и точными формами. Он начал с традиционной работы кистью для создания чрезвычайно реалистичных предметов, но позже изменил свой подход и начал работать с обрезанным кадрированием, необычным использованием перспективы и использованием цветов для усиления эмоций. Лю рисует свои предметы в их естественных условиях, запечатлевая обычных людей в сложных местах, таких как Израиль-Палестина, Тибет и сельский Китай. Его интимный, натурный подход и чуткое отношение к предметам — вот что делает его стиль живописи таким трогательным и мощным по сравнению с работами других современных художников.

Лю Сяодун

28. Сесили Браун (р. 1969)

Среди лучших современных художников лондонскую художницу Сесили Браун часто сравнивают с популярными современными художниками, такими как Виллем де Кунинг и Фрэнсис Бэкон. абстрактных экспрессионистов. Браун считается одним из главных факторов, повлиявших на возрождение живописи на рубеже тысячелетий.Ее картины наполнены эротичными фрагментарными телами среди ярких пульсирующих цветов. Критики восприняли ее современную живопись неоднозначно, но она, безусловно, занимает важное место среди современных художников и на арт-рынке, недавно побив свой аукционный рекорд, продав ее за 2,2 миллиона долларов.

Сесили Браун. Фото: Марк Хартман

27. Лю Вэй (1965 г.р.)

Уроженец Пекина Лю Вэй считается одним из самых талантливых современных художников Китая.В начале 90-х годов Лю Вэй и Фан Лицзюнь создали художественный стиль, известный как циничный реализм. Его работы противостоят скуке и бесцельности современного общества и выходят за пределы бинарности, такой как восточная/западная культура. Именно это разрушение границ, отсутствие привязки к какой-либо одной школе мысли создает его уникальный стиль и делает его и его знаменитое современное искусство такими любимыми во всем мире сегодня.

Лю Вэй

26. Микель Барсело (1957 г.р.)

Испанский художник Микель Барсело наиболее известен своей инсталляцией на потолке Зала прав человека и Альянса цивилизаций во Дворце Наций ООН в Женеве. Эти разноцветные сталактитовые формы символизируют море и пещеру, которые противостоят друг другу, но в то же время находятся в союзе. Его работы исследуют разложение, метаморфозы и течение времени и, среди прочего, принимают форму абстрактных изображений лиц. В 2004 году Барсело стал самым молодым художником, когда-либо выставлявшим свои работы в парижском Лувре.

Микель Барсело

25. Такаши Мураками (1962 г.р.)

Такаши Мураками, также известный как «Уорхол Японии», известен своим слиянием изобразительного искусства и популярной культуры, часто ссылаясь на красочные мультфильмы аниме и манги для создания абстрактных изображений лиц.По словам Мураками, «японцы согласны с тем, что искусство и коммерция будут смешаны». Это Запад навязывает такую ​​строгую иерархию в отношении искусства. Несмотря на это, Мураками был полностью принят и в западном мире искусства, и его работы сегодня чрезвычайно востребованы в мире искусства.

Такаши Мураками

24. Гюнтер Фёрг (1952-2013)

Гюнтер Фёрг принадлежал к послевоенному поколению немецких популярных художников, выступивших против модернизма, и был одним из пионеров выставки междисциплинарных работ.Картины современного искусства Фёрга часто связаны с политическим климатом его эпохи в Германии и известны своими яркими насыщенными сплошными цветами. Он считался одним из самых интересных современных художников своего времени.

Гюнтер Форг

23. Луо Чжунли (1948 г.р.)

Ло Чжунли — один из ведущих современных художников-реалистов Китая. В отличие от абстрактных изображений лиц других художников, его мощные фотореалистичные портреты жителей сельской местности на юго-западе Китая глубоко тронули людей во всем мире; они как бы открывают окно в жизни и души этих людей.Чжунли наиболее известен своей современной картиной «Отец», на которой невероятно детально изображено лицо китайского крестьянина. Сегодня он является одним из самых популярных художников среди китайских коллекционеров произведений искусства.

Луо Чжунли

22. Нджидека Акуниили Кросби (1983 г.р.)

Вселенная нигерийско-американской Нджидека Акуниили Кросби, которую изображает в своей работе, — это, по ее словам, не Нигерия и не Америка, а какое-то другое пространство, пространство, которое занимает каждый иммигрант.Акуниили Кросби создает красочные картины-коллажи, которые переплетают интимные моменты с коммерческими изображениями из Нигерии и отсылают к истории Нигерии и постколониальному настоящему. Картины живут и дышат ее транс- и мультикультурным очарованием и самобытностью изобразительного искусства. Акуниили Кросби стала притчей во языцех в мире современного искусства, когда цены на ее работы резко взлетели. В прошлом году стоимость ее произведений выросла со 100 000 долларов до более чем 3 миллионов долларов, что ясно демонстрирует, что сегодня она является одним из самых популярных художников.

Нджидека Акуниили Кросби

21. Шон Скалли (р. 1945)

Ирландский художник Шон Скалли часто использует полосы, сетки и темные тона для создания характерных для него абстрактных работ. Между геометрией и мягкими краями всегда существует диалог, который сам Скалли описывает как «битву между системой и эмоциями». Родившийся в Дублине, выросший в Лондоне и проживающий в Соединенных Штатах с 70-х годов, Скалли несет с собой захватывающую коллекцию культурных влияний.Возможно, это одна из причин, почему он заявил, что его большая китайская ретроспектива в 2015 году была для него самой важной выставкой, потому что, как он сам сказал, «я всегда хотел, чтобы мое искусство было глобальным, а не локальным». И ему это, безусловно, удалось.

Шон Скалли

20. Чжоу Чуня (р. 1955)

Китайский художник Чжоу Чуня наиболее известен своей серией Green Dog , в которой он изобразил зеленую немецкую овчарку в различных позах и условиях.Его стиль часто описывают как гибрид западного модернизма, традиционной китайской живописи и социалистического реализма, что делает его искусство таким захватывающим. Чжоу считает себя прежде всего колористом и очарован значениями цветов, когда люди думают о них. Он стал самым молодым художником, возглавившим список Hurun Art List в 2013 году, в который на сегодняшний день входит 100 лучших китайских популярных художников по доходам от продаж на публичных аукционах.

Чжоу Чуня

19.Джордж Кондо (р. 1957)

В своих абстрактных картинах лиц и тел Джордж Кондо играет с человеческими формами. Уникальные среди современных художников, его картины украшены абсурдными, вырезанными, часто карнавальными персонажами. Хотя ссылки на таких художников, как Пикассо, Матисс, Сай Твомбли, Гойя и Веласкес очевидны в его вышеупомянутых абстрактных картинах лиц, нет никаких сомнений в том, что Кондо разработал свой собственный очень значительный стиль. По его собственным словам, он исследует «частные, внемоментальные или невидимые аспекты человечества.После первой победы в Европе Кондо позже вернулся в Нью-Йорк, где он начал свою карьеру в 80-х, и снова получил признание за свою современную живопись.

Джордж Кондо

18. Джон Каррин (р. 1962)

Джон Каррин, один из нескольких известных американских художников в этом списке, сфотографированный выше во время работы над портретом своей жены, известен своими соблазнительными, но в то же время отталкивающими картинами похотливых женщин. Он сочетает в себе красоту и гротеск, и в его часто эротически заряженных работах можно найти влияние, начиная от картин эпохи Возрождения и заканчивая журнальной рекламой 50-х годов.Возможно, именно его способность создавать современное искусство, бросающее вызов вкусу, заставляющее одновременно ненавидеть и любить, помогло Каррину стать одним из самых популярных художников современности и, возможно, одним из величайших художников всех времен.

Джон Каррин

17. Чжан Сяоган (1958 г.р.)

Чжан Сяоган, один из многих современных художников из Китая, завораживающие картины, связанные с понятием идентичности в рамках китайской культуры коллективизма. Его работа сосредоточена вокруг концепции семьи, черпая вдохновение из семейных фотографий периода культурной революции.Как будто по памяти Чжан создает чрезвычайно личную версию истории Китая.

Чжан Сяоган

16. Томас Шютте (р. 1954)

Томас Шютте, изучавший изобразительное искусство у Герарда Рихтера в 1970-х годах и с тех пор оставляющий след в мире искусства, исследует состояние человека через свое искусство. Как и другие современные художники, он предлагает критический взгляд на социальные, политические и культурные проблемы, бросая вызов зрителю своими вызывающими воспоминания фигурами и выражениями.В 2016 году он открыл свой собственный частный музей (присоединившись к элитной группе современных художников, включая Дэмиена Херста, которые создали частные музеи) в Хомбройхе, Германия, посвященный исключительно его скульптурам.

Томас Шютте © Фото Альбрехта Фукса

15. Джефф Кунс (р. 1955)

Джефф Кунс — один из самых известных современных художников, который превращает банальные объекты в иконы изобразительного искусства, используя такие понятия, как знаменитости, СМИ и коммерция. Поступая так, он держит зеркало перед обществом и показывает его во всех его гротескных противоречиях.Его увлечение этими предметами также отражено в коммерческих материалах, которые он использует. Любите вы его или ненавидите, ему удалось штурмом захватить мир искусства и обеспечить себе постоянное место в качестве одного из самых популярных художников современности.

Портрет Джеффа Кунса Кунстхаус Брегенц.

14. Марк Брэдфорд (р. 1961)

Марк Брэдфорд сочетает в себе интерес к современной абстракции и городскому сообществу в своих фирменных коллажах из смешанной техники.Его знаменитое современное искусство, охватывающее широкий спектр коллажей, паблик-арта, инсталляций и видеоработ, исследует высокое искусство и популярную культуру. Он всегда ищет неудобные и неприятные темы в обществе. Брэдфорд создал один из самых обсуждаемых экспонатов за пределами павильона США на Венецианской биеннале в этом году, отсылая к плантации в Вирджинии, принадлежащей Томасу Джефферсону, и вдохновленный такими темами, как приход Трампа, насилие со стороны полиции и Black Lives Matter.

Студия Марка Брэдфорда в Лос-Анджелесе

13.Альберт Олен (р. 1954)

Немецкий художник Альберт Олен, который стал известен в 80-х годах как часть растущей арт-сцены Гамбурга. Оэлен использует импульсивность и эклектику в своей работе, часто начиная с набора правил или структурных ограничений и используя в качестве инструментов пальцы, кисти, коллажи и компьютеры. В последние годы спрос на его искусство в роскошной зоне арт-рынка вырос, что заставило некоторых задуматься, изменит ли это восприятие его знаменитого современного искусства.

Альберт Олен

12. Ансельм Кифер (р. 1945)

Ансельм Кифер, немецкий художник, который учился у таких популярных художников, как Йозеф Бойс, занимается мифами, памятью и коллективной историей. Он считает, что важно противостоять своему (коллективному) пути, чтобы иметь возможность идти в будущее. Следовательно, его скульптуры эпического масштаба и абстрактные изображения лиц отсылают, среди прочего, к национал-социалистической архитектуре, поэзии после Холокоста и политике холодной войны, и он использует такие материалы, как сожженные книги, пепел и колючие ветки… В 2011 году Christie’s установил мировой рекорд по продажам работ Кифера, когда он продал « Неизвестному художнику » (1983) за 3 доллара. 6 миллионов.

Ансельм Кифер

11. Адриан Гени (1977 г.р.)

Адриан Гени — румынский художник из Клужской школы. Его работы наполнены богатыми фактурами и красками, выразительные образы балансируют между ясностью и увяданием. Его картины сплетают воедино личные и коллективные страхи, травмы и воспоминания, обращаясь к ужасам европейской истории 20   века. В наши дни цены на работы Гени, такие как его абстрактные изображения лиц, взлетели до небес, и у него длинный список частных покупателей.Эксперты связывают его огромную популярность на рынке современного искусства с высоким спросом на картины, его ограниченным выпуском, нехваткой шедевров для продажи, доступной ценой по сравнению с верхушкой рынка и богатыми азиатскими покупателями.

Адриан Гени

10. Дэмиен Херст (р. 1965)

Дэмиен Херст — самый выдающийся член группы современных художников «Молодые британские художники», которая доминировала на британской сцене современного искусства в 90-е годы. Херст — самый богатый из ныне живущих художников Великобритании, а также побил рекорд аукциона с одним художником в 2008 году, когда он продал всю выставку Beautiful Inside My Head Forever за 198 миллионов долларов. Он наиболее известен своей серией знаменитых произведений современного искусства, изображающих мертвых животных, консервированных в формальдегиде, и своим бриллиантовым черепом «Ради любви к Богу ».

Дэмиен Херст. Предоставлено художником

9. Цзэн Фаньчжи (1964 г.р.)

Цзэн Фаньчжи вырос в Китае во времена Культурной революции, и этот опыт сделал его художником.Его работа указывает на его озабоченность проблемной историей современности, а также изоляцией и нестабильностью современной жизни. Он добился признания в 90-х годах благодаря сериям современной живописи Больница и Мясо . Его работы можно узнать по его фирменному экспрессионистскому стилю, фигурам с большими головами и преувеличенными чертами лица, а иногда и абстрактным изображениям лиц. В 2013 году картина Фанжи «Тайная вечеря» была продана на аукционе Sotheby’s в Гонконге за рекордную сумму в 23,3 миллиона долларов, что сделало ее самой высокой ценой за произведение современных азиатских художников на аукционе.

Цзэн Фанжи

8. Кит Харинг (1958-1990)

Поп-арт и граффити Кита Харинга возникли из уличной культуры Нью-Йорка 80-х. Он оказался в процветающем сообществе альтернативного искусства за пределами галерей и музейных учреждений. Его современное искусство оживало на улицах, в метро и в клубах. Харинг хотел посвятить свою карьеру созданию действительно паблик-арта. На станциях метро, ​​на неиспользуемых рекламных панелях он нашел свою среду для экспериментов и общения с более широкой аудиторией.Работы Харинга остаются чрезвычайно популярными и по сей день, продаваясь на аукционах примерно за 6 миллионов долларов.

Кейт Харинг

7. Ёситомо Нара (р. 1959)

Ёситомо Нара — одна из центральных фигур японского неопоп-движения, создающая картины, рисунки и скульптуры с детскими персонажами. Эти персонажи глубоко вдохновлены популярной культурой, такой как аниме, манга, Дисней и панк-рок. Это влияние приводит к милым, но в то же время тревожным и зловещим изображениям.Его современное изобразительное искусство связано с поиском идентичности в сегодняшнем быстро модернизирующемся, жестоком мире с его постоянным визуальным входом.

Ёситомо Нара

6. Ричард Принс (р. 1949)

Ричард Принс — один из современных художников, печально известных присвоением. Принц повторно использует образы из СМИ, чтобы подвергнуть сомнению и переопределить понятия авторства и права собственности. В своей серии «Ковбои» 1980-х годов он перефотографировал рекламу Marlboro, чтобы создать крупные планы этих мифических ковбоев.В 2005 году его фотография Untitled (Cowboy) стала первой перефотографией, проданной на аукционе более чем за 1 миллион долларов. Совсем недавно он занялся Instagram, крадя посты в Instagram у нескольких молодых женщин и продавая их за огромные суммы. Возникающие споры и судебные процессы в некотором смысле являются частью творчества Принса.

Ричард Принс

5. Марк Гротян (р. 1968)

Марк Гротян — американский художник, наиболее известный своими абстрактными изображениями лиц и геометрическими изображениями.Говорят, что его современный стиль живописи ведет сложный диалог с работами Казимира Малевича, Барнетта Ньюмана и Бриджит Райли. Гротьян часто исследует исчезающую точку перспективы и работает с яркими цветами. Спрос на работы Гротьяна в последние годы неуклонно рос.

Марк Гротян

4. Рудольф Стингель (р. 1956)

Рудольф Стингель — итальянский художник из Нью-Йорка. С 80-х годов современное искусство Стингеля связано с исследованием выбранного им средства живописи и подрывом представлений о подлинности, иерархии, значении и контексте.Ему интересно вовлечь зрителей в диалог об их восприятии современного искусства и включить их в процесс. После выставки 2007 года в Музее Уитни в Нью-Йорке цены на Стингеля взлетели до небес.

Рудольф Стингель

3. Кристофер Вул (р. 1955)

Кристофер Вул впервые сделал себе имя на сцене современного изобразительного искусства Нью-Йорка в 1980-х годах. Он наиболее известен своими современными художественными картинами со словами, его фирменными белыми холстами с большими черными буквами по трафарету.Работает как «Апокалипсис сегодня» («Продай дом, продай машину, продай детей») и If You («Если ты не понимаешь шуток, можешь убираться из моего дома») за 15-30 долларов. миллионов в аукционном доме Christie’s.

Кристофер Вул

2. Питер Дойг (р. 1959)

Питер Дойг — шотландский художник, который провел большую часть своего становления в Тринидаде и Канаде и изучал искусство в Англии. Его современное искусство описывается галереей Саатчи как содержащее темы магического реализма, «захватывающее вневременные моменты совершенного спокойствия, где память фотоальбома мелькает и исчезает из сна наяву. Дойг черпает вдохновение из фотографий, вырезок из газет, сцен из фильмов, обложек музыкальных альбомов и работ более ранних художников, таких как Эдвард Мунк. В 2002 году он снова поселился на Тринидаде, где открыл студию в Карибском центре современного искусства. В 2007 году его «Белое каноэ » было продано на Sotheby’s за 11,3 миллиона долларов, что на тот момент было рекордом для живого европейского художника и является одной из причин, по которой он включен в наш список популярных художников.

Питер Дойг. Предоставлено галереей Майкла Вернера

1.Жан-Мишель Баския (1960–1988)

Жан-Мишель Баския, один из самых известных современных художников и американских художников всех времен, появился на американской панк-сцене начала 80-х в Нью-Йорке и быстро получил признание в международном кругу художников за такие работы, как его абстрактные изображения лиц. . Его «наивное» искусство умело сочетало стили и традиции, создавая коллажные произведения современного искусства, которые часто ссылались на его городское и афро-карибское наследие. Картины современного искусства Баскии являются примером того, как контркультурная художественная практика может стать полностью признанной, принятой и прославленной формой искусства в коммерческих массах.Его абстрактные изображения лиц сегодня продаются по самым высоким ценам на арт-рынке.

Жан-Мишель Баския

Подробнее…

Если вы хотите получить представление о мире современного искусства и его ключевых игроках, изучите нашу серию статей, посвященных художникам, которые, каждый по-своему, раздвинули границы современного искусства, бросив вызов статус-кво и осваивая неизведанные художественные направления.

Соответствующие  источники, чтобы узнать больше

Узнайте больше о направлениях и стилях в искусстве на протяжении всей истории здесь
Один раз, два раза, продано! Краткая история художественных аукционов

41 влиятельный современный художник, определяющий нашу эпоху

Что такое современное искусство? А как бы вы определили современного художника?

Статьи по теме:  15 современных темнокожих художников, о которых должен знать каждый – живопись маслом: разные художники и уникальные техники – 10 самых дорогих картин, когда-либо проданных на аукционе

Расплывчатое и простое определение: искусство, созданное в настоящее время или в относительно недавнем прошлом. Однако термин «современное искусство» означает нечто большее. Прежде чем углубляться в него, необходимо понять разницу между современным искусством и его предыдущим художественным периодом: Современное искусство.

Тот факт, что «современный» и «современный» в разговорном английском языке являются синонимами, не помогает. Фактически, это часто приводит к путанице и смешению терминов современное искусство/художники и современное искусство/художники. В мире искусства эти два термина относятся к двум разным периодам творчества, а также к очень разным масштабам и подходам к художественному производству. Термин «современное искусство» описывает искусство, созданное примерно с 1860-х по 1970-е годы. В этот период искусство начало нарушать правила и традиции, а также экспериментировать с различными материалами. Современные художники разработали новый способ изобразительного искусства, отходя от фигуративного искусства к абстракции.

Нет единого мнения о том, когда зародилось современное искусство. Для многих период отсечки, знаменующий конец современного искусства и, таким образом, начало современного искусства, отождествляется  с рождением постмодернизма в 1970-х годах.Отвергая единый организующий принцип или ярлык, современное искусство эклектично и разнообразно. Современные художники обычно работают с различными материалами и методами, а также с различными концепциями и предметами, которые бросают вызов границам того, чем может быть искусство и произведение искусства. По сравнению с современным искусством и другими историческими периодами искусства, современному искусству не хватает общей идеи и видения, а также единых способов выражения: современные художники продолжают экспериментировать, подвергать сомнению и переоценивать само понятие искусства.Несмотря на широкий спектр современного искусства, есть некоторые общие темы, типичные для современных произведений искусства. Темы, которые исследуют современные художники, очень часто отражают актуальные и острые вопросы, определяющие наше общество, такие как технологии и цифровой мир, политика идентичности, тело, глобализация и миграция, время и память. Еще одним важным элементом современного искусства, который действительно отличает его от современного искусства, является актуальность, придаваемая зрительскому опыту произведения искусства.Современные художники часто сосредотачивают свои работы на эффекте, который они могут произвести на зрителя. Искусство больше не о «гениальном» художнике, стоящем за ним, или о красоте и форме произведения искусства. Искусство теперь имеет разные формы, иногда эфемерные (например, перформанс или стрит-арт) и живет вне привычных пространств.

41 Влиятельные современные художники

Цель этого списка — дать хороший всесторонний обзор разнообразия форм художественного выражения, встречающихся в современном искусстве.Художники были выбраны не только за их влиятельный и новаторский вклад, но и как представители плодовитых художественных движений и тенденций, которые характеризуют современное искусство. Список отражает свободный рейтинг, в котором самый влиятельный художник занимает первое место. Порядок основан на влиянии вклада художников в мир искусства и в нашу культуру, а также на их ценности на рынке. Так что держитесь до конца, чтобы узнать, какие художники формируют современное искусство!

 

41.Ансельм Кифер

б. 1945 г. в Донауэшингене, Германия

Ансельм Кифер — немецкий скульптор и художник, создающий монументальные произведения из необычных материалов, таких как зола, шеллак, свинец, солома и блестки. Эти произведения часто отсылают к коллективной памяти и противоречивым фактам из нашей истории, таким как правление нацистов, литературные произведения, мифология, а также к историческим личностям, которыми восхищается художник. В своей работе Кифер стремится противостоять темному прошлому своей культуры.

 

Ансельм Кифер, Бескрайний клубок природы с настоящим топором… из серии «Гордые узлы», 2019. Предоставлено White Cube

 

40. JR

б. 1983 г. в Париже, Франция

 

JR — французский уличный художник и фотограф, наиболее известный своими большими черно-белыми фотографиями, размещенными в общественных местах. Его искусство исходит из активности. Хотя в своих работах он сосредотачивается на местных и конкретных проблемах, он всегда имеет в виду более широкую универсальную картину, сильную (и идеалистическую) веру в благо человечества.Среди наиболее важных проектов JR мы находим: Face 2 Face, в котором он наклеил на забор на Западном берегу портреты палестинцев рядом с израильскими людьми, чтобы бороться с предрассудками; Проект Inside Out, который вдохновил людей во всем мире использовать фотографические портреты, чтобы рассказать невероятные истории своих сообществ; и «Женщины — герои», в которых он подчеркнул силу и стойкость женщин в местах с самым высоким уровнем социального неблагополучия.

 

JR, Inside Out NYC, май 2013 г.

 

39.Хито Штайерл

б. 1966 г. в Мюнхене, Германия

 

Хито Штайерл — кинорежиссер, художник движущихся изображений и новатор в области документального кино. Она интересуется технологиями, глобальным распространением изображений и, в частности, тем влиянием, которое эти изображения оказывают на наше общество. В первую очередь она известна своими видеоработами, которые часто раздвигают границы кинопроизводства как такового и пропитаны концептуальностью. Работы Штейерла можно было увидеть на известных биеннале, в том числе в Венеции, Стамбуле и Шанхае.Ее фильмы богаты, в них смешаны вымысел и факты, компьютерные изображения и документальные кадры. Они исследуют горячие проблемы нашего времени, среди которых милитаризация, слежка, корпоративное господство, отчужденный труд, а также культура протеста и рост альтернативной экономики. Этот плотный политический контент обычно сочетается с привлекательной поп-эстетикой и остроумным юмором.

 

Хито Штайерл, Фабрика Солнца, 2015. Предоставлено галереей Эндрю Крепса, Нью-Йорк.

 

38.Нджидека Акуниили Кросби

б. 1983 г. в Энугу, Нигерия

 

Нджидека Акуниили Кросби создает убедительные крупномасштабные фигуративные композиции, опираясь на политические, исторические и личные отсылки к искусству. Она изображает знакомые повседневные сцены и общественные собрания в тихой и задумчивой манере. Ее работы насыщены размышлениями о постколониальной жизни и остроте проблем глобальной миграции.

 

Нджидека Акуниили Кросби, Что-то новое и новое, 2013.Предоставлено художником и Викторией Миро, Лондон.

 

37. Марк Брэдфорд

б. 1961 год в Лос-Анджелесе

Марк Брэдфорд — современный художник, работающий в основном с абстракцией. Он известен своими крупномасштабными произведениями искусства в виде сетки, сочетающими краску с коллажем, включая предметы его повседневной жизни, такие как остатки найденных плакатов или визитных карточек. В своей работе Брэдфорд исследует социальные и политические проблемы, такие как маргинализация сообществ и уязвимых слоев населения со стороны тех, кто находится у власти.Он описывает свой стиль как «социальную абстракцию». Его последняя серия «Карантинные картины» размышляет о творчестве в изоляции и о предназначении искусства в это сложное время социальной неопределенности.

 

Марк Брэдфорд, Q1, 2020. Предоставлено художником. Фото: ДЖОШУА УАЙТ/JWPICTURES.

 

36. Вольфганг Тильманс

б. 1968 г. в Ремшайде, Германия

 

Уникальный и тонкий наблюдатель нашего мира, Вольфганг Тильманс — немецкий фотограф, работающий с фоторепортажем, портретной живописью и масштабной абстракцией.В своих работах Тиллманс постоянно раздвигает границы среды, создавая убедительные и разнообразные работы. В 2006 году он стал первым небританцем, получившим престижную премию Тернера. Работы Тильманса говорят со зрителем, как объяснял сам художник: «Я хочу, чтобы картины работали в обоих направлениях, я допускаю, что они говорят обо мне, и в то же время я хочу и ожидаю, что они будут функционировать в терминах». зрителя и его опыта».

 

 

ВОЛЬФГАНГ ТИЛЬМАНС, ДАН, 2008 г.

 

35.Олафур Элиассон

р.1967 г. Копенгаген, Дания

Современный датско-исландский художник Олафур Элиассон широко известен своими крупномасштабными художественными инсталляциями, которые используют воду, свет и температуру воздуха для создания захватывающего впечатления у зрителя. Основными темами его работ являются наши отношения с природой, особенно сейчас, в условиях нынешней чрезвычайной климатической ситуации, и человеческое восприятие. Его самые известные работы: The Weather Project (2003), гигантское искусственное солнце, установленное внутри галереи Тейт Модерн в Лондоне; и «Ледяной дозор» (2019 г.), огромные глыбы льда, оставленные таять в крупных городах, с целью повышения осведомленности о климатическом кризисе.

Узнайте больше о последней выставке Элиассона в Fondation Beyeler.

 

Олафур Элиассон, The Weather Project, Турбинный зал, Тейт Модерн, Лондон, 2003 г. Предоставлено студией Олафура Элиассона.

 

34. Люк Туйманс

б. 1958 г. в Мортселе, Бельгия

 

Люк Тюйманс — бельгийский художник-фигуративист. Его редкие, загадочные и приглушенные картины исследуют отношения между памятью, историей и людьми.Он черпает вдохновение из кино- и телеизображений, которые он переводит быстрыми мазками кисти и реконтекстуализирует в картины. Он работает с мягкими палитрами коричневого, белого и серого цветов, создавая размытые, эмоциональные и запоминающиеся композиции. Тюйманс исследует культурную память и способность людей ее игнорировать, поэтому изображает прежде всего исторически значимых людей и места.

 

Люк Туйманс, The Cry 1989

 

33. Ширин Нешат

б.1957 г., Казвин, Иран

Ширин Нешат — визуальный художник, работающий с фотографией, видео и кино. В своих работах она исследует отношения между женщинами и исламской культурной и религиозной системой ценностей. В частности, ее цель заключается в том, чтобы зрители «увезли с собой не какое-то тяжелое политическое заявление, а то, что действительно затронет их на самом эмоциональном уровне».

 

Ширин Нешат, Рахим (Наш дом в огне), 2013 Предоставлено галереей Gladstone.Фотография: Ларри Барнс

 

32. Бэнкси

б. 1974 г. в Бристоле, Великобритания

Бэнкси — это псевдоним одного из самых известных уличных художников и политических активистов, личность которого известна только его семье, его ближайшим соратникам и горстке коллег-художников. Художественная практика Бэнкси включает городские интервенции и незаконно вывешенные произведения искусства в музеях. Его искусство провокационно, остроумно и дерзко. Через свое уличное искусство и инсталляции он обычно критикует потребительство, капитализм, политическую власть и мир искусства.Он также известен тем, что уничтожил свою работу «Девушка с воздушным шаром» сразу после того, как она была куплена на аукционе Sotheby’s в 2018 году. Измельченная работа, которая теперь называется «Любовь в мусорном ведре», была перепродана за 25,4 миллиона долларов.

Подробнее о Бэнкси

 

Бэнкси, «Любовь в мусорном ведре», 2018 г. Предоставлено Sotheby’s.

 

31. Ана Мендьета

б. 1948 год, Гавана, Куба. Умер в 1985 г.

«Благодаря моим скульптурам земли/тела я становлюсь единым целым с землей… Я становлюсь продолжением природы, а природа становится продолжением моего тела». Так описала свое искусство Ана Мендьета. Она работала с фотографиями и видеозаписями своего тела, погруженного и замаскированного в естественной среде. интересный взгляд на взаимосвязь женского тела и ландшафта. 

 

Ana Mendieta, Alma, Silueta en Fuego, 1975. Предоставлено The Estate of Ana Mendieta Collection, LLC, Galerie Lelong, Нью-Йорк.

 

 

30.Ай Вэйвэй

1957 г. р. в Пекине, Китай

Ай Вэйвэй, считающийся «китайским художником-диссидентом», неоднократно попадал в неприятности из-за своей открытой критики правительства своей страны. Его студия уничтожена, паспорт конфискован, а сам он арестован. Тем не менее, это никогда не мешало ему создавать значимые произведения искусства, комментируя права человека и демократию, а также открыто критикуя китайское правительство. Творчество Ай Вэйвэя провокационно и противоречиво.Его блестящая работа «Уронить урну династии Хань», на которой художник разбил два драгоценных артефакта династии Хань, потрясла мир искусства.

Подробнее о Ай Вэйвэй

 

Ай Вэйвэй, «Уронение урны династии Хань», 1995. Предоставлено художником.

 

 

29. Трейси Эмин

б. 1963 г. в Кройдоне, Великобритания

Работы Трейси Эмин глубоко автобиографичны и конфессиональны. Ее практика включает рисунок, живопись, кино, фотографию, скульптуру и вышитую аппликацию. Эмин выражает вечные темы, такие как любовь, потеря и горе, интимным, интуитивным и честным способом. «Самое прекрасное — это честность, даже если на это очень больно смотреть», — заметил Эмин. В своей знаменитой работе «Моя кровать» художница изображает кровать с пятнами телесных выделений и грязные предметы для спальни, такие как презервативы, нижнее белье, которые были вдохновлены депрессивной, но сексуальной фазой Эмин, когда она оставалась в постели четыре дня подряд, употребляя только алкоголь. Инсталляция привлекла большое внимание средств массовой информации, вызвав фурор.

 

Трейси Эмин, «Моя кровать», 1998. Предоставлено художниками и White Cube. Фото: Стивен Уайт.

 

 

28. Лю Сяодун

б. 1963 г. в Цзиньчжоу, Китай

Лю Сяодуна можно назвать летописцем современной жизни. Один из самых выдающихся деятелей группы китайских неореалистов начала 1990-х годов, он часто рисует на пленэре, исследуя и документируя развивающуюся экономику Китая. Для его стиля характерны рыхлые густые мазки, которые, с одной стороны, сохраняют высокую степень реализма, а с другой — подчеркивают абстрактный характер средства. Сяодун изображает сцены повседневной жизни. В частности, как сказал художник: « Когда я рисую кого-то, я хочу запечатлеть его окружение, его жизненное состояние. Я хочу показать личную историю, стоящую за образом человека».

 

 

Лю Сяодун, В Тайху, 2010.

 

27. Такаши Мураками

б. 1962 г., город Итабаси, Токио, Япония

«Суперплоская» эстетика Такаши Мураками широко известна. Художник опирался на традиционную японскую живопись и поп-культуру, чтобы создать характерный красочный и двумерный стиль. Его творчество включает в себя картины, скульптуры, гравюры и даже товары и предметы коллекционирования. К ним относятся повторяющиеся мотивы, такие как улыбающиеся цветы, персонажи мультфильмов (г.ДР) и животных.

 

Такаши Мураками, Тан Тан Бо — «В общении», 2014. Предоставлено Такаши Мураками, Kaikai Kiki Co, галерея Гагосян.

 

26. Шон Скалли

б. 1945 г. в Дублине, Ирландия

Один из самых влиятельных художников-абстракционистов своего поколения, Шон Скалли, известен своими сетчатыми картинами, состоящими из слоев ярких полос и квадратов. Работы Скалли вдохновлены воспоминаниями художника об объектах и ​​местах.Тем не менее, его работа нефигуративна. Объясняя свои работы, представленные на выставке «Земля-море» 2015 года, он утверждал: « Создавая эти картины, я был занят своими воспоминаниями о Венеции, движении воды, о том, как она вздымается о кирпич и камень города». .

 

Шон Скалли, Пол, 1984. Предоставлено автором.

 

25. Маурицио Каттелан

б. 1960 г. в Падуе, Италия

Если бы Марсель Дюшан был жив сегодня, он, вероятно, полюбил бы Маурицио Каттелана и ту сатиру, которой он шокирует мир искусства. Итальянский современный художник, он наиболее известен своими гиперреалистичными скульптурами таких людей, как Папа Римский (убитый метеоритом) и Гитлером (умоляющим о пощаде на коленях), а также произведениями искусства, такими как золотой унитаз, который он установил в Гуггенхайме в 2016 году. которую он провокационно назвал «Америкой».

Может ли искусство быть забавным?

 

24. Эдвард Руща

б. 1937 г. в Омахе, Небраска

Эд Руша объединяет слова и изображения в коллажи, используя предметы быта в качестве художественных материалов.В своем творчестве Эд Руша умеет превращать обычное в необычное. Для своих работ он черпает вдохновение в образах и техниках коммерческого искусства и рекламы, что напоминает подход художников поп-музыки. Его богатый объем работ характеризуется использованием слов и фраз, игрой с языком и фигурами речи, такими как каламбуры, звукоподражания, аллитерации и контрастные значения. В результате получилось разнообразное произведение, наполненное сухим юмором и хладнокровием.

 

Всегда отчетливо ЛА… Эд Руша «Задняя часть Голливуда» (1977). Фотография: Лионский музей современного искусства.

 

23.Нан Голдин

б. 1953 г., Вашингтон, округ Колумбия

 

Нэн Голдин — влиятельный американский фотограф, чьи работы посвящены телам и интимным отношениям ЛГБТК+, а также кризису ВИЧ и опиоидной эпидемии. «Баллада о сексуальной зависимости» (1986) — одна из самых значительных ее фоторабот. Это наглядный дневник, документирующий гей-субкультуру после Стоунволла, ее семью и друзей в охваченном беспорядками Нью-Йорке 1970-х и 80-х годов.Совсем недавно фотограф устроил серию протестов в Музее Гуггенхайма в Нью-Йорке против решения музея принять деньги от семьи Саклер. Семья владеет Purdue Pharma, которая производит OxyContin, препарат, связанный с текущим опиоидным кризисом в Америке.

 

Нэн Голдин Твистинг на вечеринке по случаю моего дня рождения, Нью-Йорк, 1980 год © Nan-Goldin

 

22. Дженни Хольцер

б. 1950 г., Галлиполис, Огайо

За последние несколько десятилетий многие общественные места часто занимала одна из работ Дженни Хольцер.Хольцер — неоконцептуальный художник-феминистка, создающая масштабные инсталляции, такие как рекламные щиты, проекции на здания и электронные дисплеи с подсветкой. Светодиодные вывески провокационных и мощных заявлений являются ее отличительной и наиболее заметной средой. Выбор Хольцер включения слов в свои работы мотивирован желанием «предложить контент, который люди — не обязательно люди искусства — могли бы понять», как она объяснила.

Узнайте больше об одной из самых известных и провокационных артисток на Kooness

 

© Дженни Хольцер

 

21.Кара Уокер

б. 1969 год, Стоктон, Калифорния.

Кара Уокер — художница-концептуалистка, наиболее известная своими виньетками больших бумажных силуэтов, изображающих образы расовых стереотипов, таких как мамочки и придурки. В своей работе она исследует темы расы, пола, сексуальности и идентичности, убедительно представляя истоки системной несправедливости и расового неравенства, которые укоренены в наших культурных нравах, в нашей истории и в наших мифах.

 

Кара Уокер, «Ключи от курятника», 1997. Предоставлено автором.

 

20. Марина Абрамович

б. 1946 г. в Белграде, Сербия

Марина Абрамович, считающаяся «бабушкой перформанса», является влиятельным художником-концептуалистом и перформансистом. Она является пионером боди-арта, искусства выносливости и феминистского искусства. В своих работах она исследует понятие идентичности, пределы тела, возможности разума.Одно из ее самых культовых перформансов — «Художник в присутствии», состоявшееся в Музее современного искусства в 2010 году. Абрамович сидела неподвижно по восемь часов в день в течение почти трех месяцев в атриуме музея, а посетителей приглашали по очереди сесть напротив нее. Она встретила взгляды более 1000 натурщиков. Зрители описали этот опыт как очень мощный, напряженный и эмоциональный.

Подробнее о Марине Абрамович

 

Марина Абрамович, Художник присутствует, 2010, Музей современного искусства.Изображение Эндрю Рассета.

 

19. Христо и Жанна-Клод

Кристо б. 1935 г., Габрово, Болгария. Умерла в 2020 году. Жанна-Клод родилась в 1935 году в Касабланке, Марокко. Умер в 2009 году.

Рожденные в один день, Христо и Жанна-Клод десятилетиями работали вместе, пока она не умерла в 2009 году. Затем он продолжил свое приключение в одиночку. Их экологические произведения искусства, которые обычно включают в себя упаковку архитектурных объектов в перерабатываемый пластик или окружающие его острова, визуально впечатляют и вызывают споры. Подготовка этих экологических установок для конкретных мест обычно занимала годы, даже десятилетия.

Их произведениями могли насладиться зрители в таких городах, как Майами, Нью-Йорк, Париж и Базель. Самые последние из них включают плавучие пирсы в Италии и обертывание Триумфальной арки в Париже в 2021 году.

 

Христо и Жанна-Клод, «Плавучие пирсы», 2016 г.

 

18. Кехинде Вили

б. 1977 год в Лос-Анджелесе

Kehinde Wiley наиболее известен своим изображением черных предметов в традиционной обстановке, которую можно найти на картинах старых мастеров.В начале 2018 года он стал первым темнокожим художником и открытым геем, нарисовавшим портрет американского президента Барака Обамы. Уайли использует визуальный словарь прославления, героизма и знакомой иконографии, чтобы придать своим современным, «городским» черным фигурам ту же силу, которая долгое время удерживалась только белыми субъектами.

 

Кехинде Уайли, «Портрет Барака Обамы», 2018 г. Предоставлено автором.

 

17. Аниш Капур

б. 1954 г. в Мумбаи, Индия

Аниш Капур — влиятельный и неоднозначный художник-концептуалист, специализирующийся на скульптуре и художественных инсталляциях.Он создает элегантные скульптуры с органическими формами, которые также бросают вызов инженерным работам. Он занимается зеркалами, выпуклыми и вогнутыми поверхностями, создавая оптические иллюзии. Одна из его самых известных работ — «Облачные ворота» (2006), отражающая скульптура из нержавеющей стали, заказанная городом Чикаго.

Узнайте больше о художниках-пейзажистах

 

Аниш Капур, Sky Mirror, 2018. Фото: Punkt Ø.

 

16. Роберт Мэпплторп

б.1946 год, Флорал-Парк, Нью-Йорк. Умер в 1989 г.

 

Роберт Мэпплторп — американский фотограф, наиболее известный своими культовыми портретами знаменитостей и движущимися автопортретами, а также изображениями субкультуры БДСМ-геев и нежными фотографиями цветов. Он работал почти исключительно в черно-белом цвете. Композиция, свет, тень и форма были центральными аспектами всей его работы, поскольку он сосредоточился на изображении классических и традиционных ценностей тона и красоты.Он подчеркивал симметрию и баланс.

 

 

Роберт Мэпплторп, Деннис с цветами | Предоставлено Palazzo Reale di Caserta, Collezione  Terrae Motus

 

15. Яёи Кусама

б. 1929 г. в Мацумото, Нагано, Япония

 

Яёи Кусама — невероятно влиятельная японская художница, которая стала феноменом в мире искусства в эпоху социальных сетей и селфи. Ее практика основана на концептуальном искусстве, феминизме, минимализме, сюрреализме, ар-брют, абстрактном экспрессионизме и (конечно) поп-арте.Она работает в основном в области скульптуры и инсталляции, но также активно занимается перформансом, кино, модой, поэзией, художественной литературой и живописью. Работы Кусамы наполнены автобиографическим, психологическим и сексуальным содержанием. Ее иммерсивные инсталляции привлекают множество посетителей, билеты на которые раскупаются за считанные часы после выхода в свет. Одна из крупнейших инсталляций Кусамы, «Бесконечные зеркальные комнаты», в настоящее время находится в Тейт Модерн в Лондоне и продана до 31 марта 2022 года.

 

Яёи Кусама, Бесконечные зеркальные комнаты, 1965 год.Предоставлено Тейт

 

14. Луиза Буржуа

б. 1911 год в Париже, Франция. Умер в 2010 году

На протяжении всей своей долгой и плодотворной художественной карьеры Луиза Буржуа создавала визуальный образ своей жизни с помощью многочисленных произведений искусства, многие из которых были созданы с большим размахом. Ее детские травмы и отношения с родителями изображены таким деликатным, но навязчивым образом. «Мне нужно делать вещи. Физическое взаимодействие со средой оказывает лечебный эффект.Мне нужно физическое отыгрывание. Мне нужно, чтобы эти объекты существовали по отношению к моему телу».

Узнайте больше о L. Bourgeois на Kooness.com

 

Луиза Буржуа, Maman в Цюрихе, Швейцария, 2011.

 

13. Керри Джеймс Маршалл

б. 1955 г. в Бирмингеме, Алабама

Изображая предметы, которые являются « однозначно черными, подчеркнуто черными », Керри Джеймс Маршалл исследует идею черной идентичности в США, а также в западном искусстве.Он работает с широким спектром живописных традиций. Его работы изображают богато текстурированные повествовательные сцены, вдохновленные его личной жизнью или историческими событиями, исследуя влияние движения за гражданские права на жизнь афроамериканцев. Его картина «Прошлые времена» (1997), проданная в 2018 году за 21,1 млн долларов, стала самой дорогой картиной современного чернокожего художника, когда-либо проданной на аукционе.

 

Керри Джеймс Маршалл, «Прошлые времена», 1997. Предоставлено Управлением столичного пирса и выставок, коллекция произведений искусства Маккормик Плэйс.

 

12. Синди Шерман

б. 1954 г., Глен Ридж, Нью-Джерси

Синди Шерман — один из самых влиятельных ныне живущих фотографов и режиссеров. Ее работа предлагает острую критику гендерных норм и идентичности. Шерман использует собственное тело для создания ролей и персонажей. Ее новаторская серия «Кадры из фильмов без названия» состоит из семидесяти черно-белых фотографий, изображающих женские стереотипы, встречающиеся на телевидении, в рекламе и кино.В своих работах она исследует идею женственности как социальной конструкции, искажая ее. Как объяснил художник: « Мне кажется скучным следовать типичному представлению о красоте, потому что это самый простой и очевидный способ увидеть мир. Смотреть на другую сторону сложнее.

 

11. Джуди Чикаго

б. 1939 год, Чикаго, Иллинойс

Джуди Чикаго — художница-феминистка, известная своими крупными совместными художественными инсталляциями, в которых она исследует роль женщин в культуре и истории. Ее инсталляция «Званый ужин» (1974-79) считается одним из ключевых произведений искусства 20-го века и первым эпическим феминистским произведением. Художник с помощью многочисленных добровольцев установил стол с 39 предметами для 39 важных исторических и мифических женщин. Каждая сервировка стола состояла из скатерти с вышитыми именами и символами, относящимися к женским вещам, а также посуды, салфетки, глобуса и керамической тарелки, расписанной вручную Чикаго.Цель Dinner Party состоит в том, чтобы «положить конец продолжающемуся циклу бездействия, в котором женщины были вычеркнуты из исторических записей».

 

Джуди Чикаго, Званый ужин, 1974–79. Предоставлено Бруклинским музеем. Фото: Эрик Уилкокс.

 

10. Дэмиен Херст

б. 1965 г., Бристоль, Великобритания

«Ужасный ребенок» современного искусства Дэмиен Херст — самый богатый из ныне живущих британских художников. Его практика исследует такие темы, как религия, наука и смерть.Последнее является центральной темой творчества Херста; он, по сути, прославился серией противоречивых работ, в которых он погружал мертвых животных, иногда препарированных, в формальдегид в прозрачных витринах. Например, в «Физической невозможности смерти в сознании живущего» (1991) он поместил 4,3-метровую тигровую акулу в прозрачный аквариум.

Откройте для себя другие работы Дэмиена Херста на Kooness

 

Дэмиен Херст, «Физическая невозможность смерти в сознании живущего», 1991.Предоставлено Дэмиеном Херстом и Science Ltd.

 

 

9. Люсьен Фрейд

б. 1922 год в Берлине, Германия. Умер в 2011 году

 

Люсьен Фрейд — один из самых выдающихся фигуративных художников ХХ века. Он изображал портреты, очень часто обнаженные, друзей, семьи и знаменитостей с честностью, нежностью и тревожной телесностью. Фрейд наиболее известен своей способностью переводить сложность человеческой психологии и внутренние потрясения своих героев в картины. Свободными мазками и богатыми цветами Люсьен Фрейд создавал грубые, интенсивные портреты и обнаженные тела, которые сегодня считаются шедеврами.

 

Люсьен Фрейд, Отражение (Автопортрет) , 1985. Частная коллекция. Предоставлено Ирландскому музею современного искусства, коллекция IMMA: проект Фрейда, 2016–21 гг. © the Lucian Freud Archive/Bridgeman Images.

 

8. Кит Харинг

б. 1958 год в Рединге, Пенсильвания. Умер в 1990 году.

Работы Кита Харинга в стиле поп-арт и граффити возникли в легендарной нью-йоркской субкультуре 1980-х годов.Его анимированные игривые образы, такие как лающая собака или сияющий младенец, стали культовым, узнаваемым и отличительным визуальным языком. Работы Харинга были посвящены политическим и социальным вопросам. В частности, он боролся за повышение осведомленности об эпидемии СПИДа, за прекращение апартеида и за продвижение прав ЛГБТК+. Он рисовал в метро, ​​на пустых местах для плакатов, стремясь сделать искусство максимально доступным, взаимодействуя с разнообразной аудиторией. Как прокомментировал сам художник: « Самые разные люди останавливались и смотрели на огромный рисунок, и многие стремились прокомментировать свои чувства к нему.[…] Это были не люди, которых я видел в музеях или галереях, а срез человечества, преодолевающий все границы.

Откройте для себя работы Кита Харинга о Кунессе или узнайте больше о его карьере.

 

Кит Харинг, «Молчание = смерть», 1989. Предоставлено Фондом Кита Харинга.

 

7. Барбара Крюгер

б. 1945 год, Ньюарк, Нью-Джерси

 

Барбара Крюгер — важный современный художник-концептуалист.В ее работах, иногда размером с рекламный щит, используются обрезанные черно-белые фотографические изображения, обычно взятые из рекламы, в сочетании со смелыми, лаконичными и хриплыми афоризмами, изложенными белым жирным шрифтом Futura или Helvetica Ultra Condensed на фоне черных или ярко-красных текстовых полос. . Среди наиболее известных афоризмов: «Я покупаю, следовательно, я существую», «Твое тело — поле битвы», «За жизнь для нерожденных, За смерть для рожденных». В своей работе Крюгер обращается и резко критикует потребительство, сексизм, культурные конструкции власти и идентичности.

 

Барбара Крюгер, Без названия (Ваше тело — поле битвы), 1989. Предоставлено художником, The Broad Art Foundation и Sprüth Magers.

 

6. Дэвид Хокни

б. 1937 г., Брэдфорд, Великобритания

Дэвид Хокни — один из самых узнаваемых и влиятельных современных художников. Хокни наиболее известен своими яркими крупномасштабными изображениями домашней жизни и вызывающими воспоминания образами жизни в Южной Калифорнии. На протяжении всей своей плодотворной карьеры он работал с различными носителями, в том числе с современными технологиями, такими как лазерные фотокопии, и даже с iPad и iPhone.Его картина «Портрет художника (Бассейн с двумя фигурами)» была продана на аукционе Christie’s в Нью-Йорке в 2018 году за $90,3 млн, оставаясь второй самой дорогой работой живого художника, проданной на аукционе.

 

Дэвид Хокни, «Портрет художника» («Бассейн с двумя фигурами»), 1972 г. Предоставлено авторами. Через Christie’s

 

5. Джефф Кунс

б. 1955 г., Йорк, Пенсильвания

Джефф Кунс — один из самых богатых современных художников.Он широко известен своими скульптурами, изображающими предметы быта, такие как пылесосы и баскетбольные мячи. Вводя в свое искусство эти массово производимые, забытые объекты, он возвышает их от банальных и обыденных до культовых. Он черпает вдохновение в рекламе, коммерции и культуре знаменитостей. Произведения Кунса считаются подрывными и противоречивыми, тем более что они созданы не им самим, а его многочисленным штатом, что вызывает вопросы о подлинности и авторстве. Одна из самых знаковых его работ — «Кролик» (1986).В 2019 году скульптура стала самым дорогим произведением искусства, проданным на аукционе живым художником. Он был продан за 91,1 миллиона долларов.

Откройте для себя все работы Джеффа Кунса, доступные на Kooness 

 

Джефф Кунс, «Кролик», 1986. Предоставлено Christie’s.

 

4. Диана Арбус

б. 1923 год, Манхэттен, Нью-Йорк. Умер в 1971 г.

 

Диана Арбус была первым фотографом, участвовавшим в Венецианской биеннале в 1972 году, через год после ее смерти.Арбус наиболее известна своими портретами людей из низов общества. Она фотографировала широкий спектр предметов в знакомых условиях, расширяя границы приемлемого предмета в художественной фотографии. Ее чувствительность и способность улавливать психологию и эмоции своих героев, которые она никогда не объективировала, сделали ее одним из самых важных фотографов нашего времени. Ее образы действительно помогли нормализовать маргинализированных людей, подчеркнув, насколько важно правильно представлять всех людей.Одна из ее самых известных работ — «Однояйцевые близнецы, Розелле, Нью-Джерси, 1967», которая вдохновила знаменитых сестер Стэнли Кубрика в «Сиянии» (1980).

 

Однояйцевые близнецы, Розелл, Нью-Джерси, 1967 г.  известная фотография Дайан Арбус (1923–1971).

 

3. Жан-Мишель Баския

б. 1960 год в Нью-Йорке. Умер в 1988 году

Молодой вундеркинд, ушедший слишком рано, в возрасте 27 лет Жан-Мишель Баския оставил глубокий след в современном искусстве, а также на улицах Нью-Йорка 1980-х годов, которые он обозначил своим псевдонимом SAMO.Искусство Баския политическое, направленное против структур власти и системного расизма. В своих картинах он исследует свою личность и свой опыт члена черного сообщества.

 

2. Фрэнсис Бэкон

б. 1909 год в Дублине, Ирландия. Умер в 1992 г.

 

Фрэнсис Бэкон был фигуративным художником, чьи работы сосредоточены на грубом и тревожном изображении человеческих форм, таких как портреты пап и распятия. Объясняя свой художественный стиль, Бэкон говорил, что он стремился передать «жестокость фактов».Среди его самых важных тем мы находим: распятие, Папы, лежащие фигуры и кричащие рты. Последний был вдохновлен знаменитым кадром кричащей медсестры в «Броненосце Потемкин» (1925) Сергея Эйзенштейна.

 

Фрэнсис Бэкон, «Три этюда фигур у основания распятия», 1944, Лондон, галерея Тейт.

 

1. Энди Уорхол

б. 1928 год, Питтсбург, Пенсильвания. Умер в 1987 г.

 

Благодаря своему характерному и дерзкому стилю работы Энди Уорхола до сих пор влияют на искусство, моду и дизайн.Он — икона поп-арта, познакомивший мир с совершенно новым взглядом на искусство и жизнь и на то, как они переплетаются. Его «Мэрилин Диптих» (1962) — одно из самых известных произведений современного искусства: монументальное произведение, состоящее из пятидесяти изображений, изображающих Мэрилин Монро (//www.kooness.com/p/marilyn-monroe). Его нью-йоркская студия Factory стала ульем для знаменитостей и художников, резонируя с эффектом «бренда» Энди Уорхола.

 

 

Энди Уорхол, Джек Митчелл

 

Этот список из сорока одного влиятельного современного художника дает представление о разнообразии и богатстве современного искусства.

Итак, что такое современный художник? Современный художник — это художник, который своим творчеством представляет наше время и размышляет о сложных проблемах, формирующих наше общество. Многие современные художники играют с границами того, что определяет произведение искусства; другие исследуют политические темы, такие как расизм, сексизм и структуры власти; многие художники размышляют о технологиях.

Какие средства используют современные художники? Современное искусство бросило вызов определению произведения искусства, приняв различные средства.Часто они выходят за рамки картин и скульптур и включают в себя тело художника, крупномасштабные инсталляции, коллажи и новые технологии.

Как современные художники используют текст в своих работах? Тексты обычно встраиваются в политические произведения, выражая афоризмы (например, в случае с Барбарой Крюгер и Жаном-Мишелем Баския) и сильные высказывания, поражающие зрителя своим остроумием.  Художники также используют язык в своих работах, чтобы использовать непосредственность слов, которые делают произведение искусства доступным для людей, не связанных с искусством, например, в работах Дженни Хольцер и Эдварда Руши.

 

Изображение на обложке: Жан-Мишель Баския, Виктор 25448 (1987). Предоставлено Филлипс

Автор Франческа Аллиеви

 

Оставайтесь с нами в журнале Kooness, чтобы узнать больше интересных новостей из мира искусства.

известных современных художников — самые известные художники современности

Известные художники сегодня прокладывают новые творческие пути своим уникальным стилем, который выделяет их среди своих коллег.Известные современные художники освободились от многих старых стилистических форматов и обратились к новым средствам и технологиям, чтобы отразить современный мир. Современные современные художники продолжают раздвигать художественные границы и требуют огромных цен на аукционах по всему миру.

 

 

Что такое современное искусство?

Определение современного искусства будет немного отличаться в зависимости от того, кого вы спросите. Есть разница между известными современными художниками и известными современными художниками.В то время как известные современные художники принадлежали к движению, которое было наиболее заметным с 1870-х по 1970-е годы, современное искусство относится к современным художникам. Таким образом, современное современное искусство было бы искусством, созданным современными художниками в стиле модерн.

Однако в этой статье мы будем изучать современных художников, которые производят международную волну в различных средах и стилях.

 

 

Известные современные художники

Известные художники из этого списка в настоящее время являются одними из самых востребованных художников в этом столетии.Их работы выставлены в крупных галереях по всему миру, и люди платят за их работы большие деньги. Давайте узнаем больше об этих новаторских и увлекательных художниках, которые создают новые художественные направления в художественном ландшафте.

 

Ансельм Кифер (1945 – настоящее время)

Национальность немецкий
Дата рождения 8 марта 1945 г.
Место рождения Донауэшинген, Германия
Средний Живопись, Скульптура

Ансельм Кифер родился в Донауэшингене, Германия, в 1945 году.После изучения романских языков и права он поступил в Художественную академию в Карлсруэ. Колоссальный каталог произведений искусства Кифера является идеальным отражением коллективного сознания, графически воплощающим множество культурных, текстовых и концептуальных аллегорий, начиная от библейских Заветов, каббалистической духовности, мифологических сказок и поэзии таких людей, как Пауль Целан и Ингеборг Бахманн. Кифер, родившийся в последние месяцы Второй мировой войны, размышляет о последующей истории и наследии Германии, борясь с национальным нарративом Третьего рейха.

Он исследует запутанные события цивилизации и древние саги о существовании, смертности и вселенной, соединяя литературу и искусство, скульптуру и живопись.

Знаменитые Ордены Ночи (1997) Ансельма Кифера в Музее Гуггенхайма в Бильбао; AlbertRA, CC BY-SA 4.0, через Wikimedia Commons

Только широта медиа в его работах может соперничать с его безграничной палитрой образов. Работы Кифера включают в себя холсты, витрины, инсталляции, дневники художников и различные работы на бумаге, в том числе эскизы, акварели, ассамбляжи и модифицированные фотографии.Его реальные компоненты, которые варьируются от бетона, свинца и стекла до тканей, корней деревьев и сожженных книг, столь же значимы, сколь и разнообразны. Он подчеркивает актуальность святого и сакрального, мифологии и воспоминаний, комбинируя, расширяя и обновляя образы и процессы.

Несколько известных работ этого современного художника включают:

  • Пути мирской мудрости (1978)
  • Плодородный полумесяц (2009)

 

Ричард Принс (1949 – настоящее время)

Национальность Американский
Дата рождения 6 августа 1949 г.
Место рождения Зона Панамского канала
Средний Фотография

Ричард Принс — художник и фотограф из США.Принс создавал картины и художественные коллажи в середине 1970-х годов, от которых впоследствии отказался. Untitled (Cowboy) , рефотография фотографии, сделанной Сэмом Абеллом из рекламы сигарет, стала первой фотографией фотографии, проданной на Christie’s в Нью-Йорке в 2005 году более чем за 1 миллион долларов.

Ричард Принс, 2008 г. ; Drpaluga в английской Википедии, CC BY-SA 3.0, через Wikimedia Commons

Начиная с 1977 года он сделал четыре фотографии, которые первоначально были опубликованы в New York Times.Эта практика фотографирования фотографий продолжалась до 1983 года, когда в его статье Spiritual America использовалась фотография Брук Шилдс, одиннадцати лет, стоящей на коленях в ванне, как ссылка на преждевременный эротизм и одноименное изображение Альфреда Штиглица, сделанное Альфредом. Штиглиц.

Американская молитва Ричарда Принса Выставка с 29 марта 2011 г. по 26 июня 2011 г. в Национальной библиотеке Франции;  (vincent desjardins) из Парижа, Франция, CC BY 2.0, через Wikimedia Commons

Сериал Принса Jokes (дебютировавший в 1986 году) исследует эротические желания и разочарования белых американцев из среднего класса с помощью рискованного юмора и стендап-комедии.После 25 лет в Нью-Йорке он переехал в северную часть штата Нью-Йорк. Музей Гуггенхайма купил Второй Дом, его небольшой музей, который был поражен молнией и сгорел дотла вскоре после того, как музей купил Дом, который он построил для себя), после того, как простоял с 2001 по 2007 год.

Несколько известных работ этого современного художника включают:

  • Без названия (Ковбой) (1989)
  • Без названия (Подруга) (1993)

 

Кристофер Вул (1955 – настоящее время)

Национальность Американский
Дата рождения 1955
Место рождения Чикаго, США
Средний Живопись

Кристофер Вул — известный художник, родившийся в 1955 году в городе Чикаго.В возрасте 18 лет он поступил в Studio School в Нью-Йорке, впоследствии бросив учебу после непродолжительного пребывания и погрузившись в зарождающуюся музыку и киносцену. Американский скульптор Джоэл Шапиро взял его своим помощником на четыре года, начиная с 1980 года. Он наиболее известен своими работами на белых холстах с большими черными трафаретными буквами. По-видимому, он начал создавать искусство на основе слов в конце 1980-х годов, увидев маркировку распылением на новом белом автомобиле.

Его произведения, основанные на тексте, часто требуют чтения вслух, чтобы правильно звучать, поскольку они используют схему аллитерации, когда текст часто делится сеткой или с удалением гласных.

Вул и его коллега Роберт Гобер организовали совместную инсталляцию и выставку в 1988 году в галерее 303, которая включала культовую словесную картину Вул, Апокалипсис сегодня . С 1990-х годов и до сегодняшнего дня шелкография всегда оставалась важным инструментом в его работе. В его абстрактных картинах сочетаются формы и деформированные, живопись и рисунок, спонтанные наклонности и продуманные замыслы.

Он наносит линии на холст, а затем тут же смывает их тряпкой, смоченной в растворителе, чтобы создать новое изображение, в котором чистые линии должны конкурировать с размытыми областями.

Несколько известных работ этого современного художника включают:

  • Апокалипсис сегодня (1988)
  • Без названия (2013)

 

Рудольф Стингель (1956 – настоящее время)

Национальность итальянско-американский
Дата рождения 1956
Место рождения Мерано, Италия
Средний Живопись

Рудольф Стингель бросает вызов традиционным представлениям о том, что делает картину, от его завораживающе реалистичных холстов до его творческого использования Celotex, пены, ковровых покрытий и металла. Он часто имеет дело с хронологией, воспоминаниями и перспективой, и он приветствует промышленные технологии, материалы и декоративный стиль как средства формального исследования и интуитивную интуицию, в которой конечное состояние определенных произведений искусства определяется участием аудитории.

Он родился в Мерано, Италия, и вырос в Тирольских Альпах, холмистой местности, соединяющей Швейцарию, Италию и Австрию.

В 1989 году он закончил «Инструкции », руководство ограниченного выпуска, в котором объясняется (на разных языках), как создавать одно из его серебряных произведений искусства, представляющих собой абстрактные холсты с синими, желтыми или красными оттенками.

В этот период он использовал плиссированный и скомканный тюль , чтобы делать отпечатки на своих трафаретных принтах, а затем распылял серебряную краску поверх композиций. В 1991 году Стингел разместил блестящий оранжевый ковер в галерее Дэниела Ньюбурга, полностью наполнив комнату энергией. Вместо того, чтобы смотреть на пустые белые стены, гости могут созерцать визуальные особенности структурного интерьера. Пару лет спустя Стингель постелил на стены оранжево-красный ковер во время Венецианской биеннале, еще больше размышляя о силе презентации.

В 2004 году его проект «План Б» для конкретного места, который покрыл пол Вандербильт-холла коммерчески производимым розовым и голубым цветочным ковром, объединил профессиональный интерес Стингеля к мотивам и повторяемости.

Несколько известных работ этого современного художника включают:

  • Он Тител (1999)
  • Франц Вест (2011)

 

Питер Дойг (1959 – настоящее время)

Национальность Британский
Дата рождения 17 апреля 1959 г.
Место рождения Эдинбург, Соединенное Королевство
Средний Живопись

Питер Дойг, один из самых выдающихся фигуративных художников, работающих в настоящее время, является мастером сказочных декораций магического реализма.Дойг, родившийся в Шотландии, но выросший в Канаде, Тринидаде и Лондоне, создает обширные мистические сцены, представляющие различные главы его кочевого существования, объединяя личное со всеобщей любовью к прекрасной природе и жуткой гранью. Его картины стирают грань между реальностью и вымыслом, используя обнаруженные изображения, такие как рекламные щиты, вырезки из газет, обложки пластинок и кадры из кино, а также его личные воспоминания.

Сцены, которые он создавал во время учебы в колледже искусств Челси, например, были вдохновлены его детскими воспоминаниями о катании на лыжах по крутым вершинам или прогулках по густым сосновым лесам в Канаде.

Питер Дойг, 2010 г .; Хонкадори, CC BY-SA 3.0, через Wikimedia Commons

Он не мог рисовать из-за отсутствия навыков рисования, поэтому фотография подсказала решение. Создание изображений не только определило его метод, но также дало ему возможность внести новшества в расположение, масштаб, тон и пропорции таким образом, чтобы подчеркнуть эфирный воздух его работ. Кино было неотъемлемой частью его водоворота визуальных данных, непосредственно вдохновивших его на несколько величайших работ.Лодка отдыхает над собственными отражениями на блестящей поверхности воды на одной из его самых известных картин « Озеро каноэ » (1997). То, что на первый взгляд кажется удивительно спокойным, при ближайшем рассмотрении становится еще более пугающим, и неудивительно, что оформление было вдохновлено фильмом «Пятница, 13-е».

Несколько известных работ этого современного художника включают:

  • Озеро Каноэ (1997)
  • Промокательная бумага (1993)

 

Ёсимото Нара (1959 – настоящее время)

Национальность японский
Дата рождения 5 декабря 1959 г.
Место рождения Хиросаки, Япония
Средний Живопись, Скульптура

Вслед за движением поп-арта в Японии в 1990-х годах Ёсимото Нара стал известен в мире искусства.Его картины и скульптуры имеют удивительно простую тему: большинство из них представляют собой одно, казалось бы, безобидное изображение (как правило, дети в пастельных тонах и существа, нарисованные жирными комичными линиями) с небольшим фоном или без него. Однако эти малыши, которые сначала выглядят очаровательными и даже хрупкими, иногда владеют оружием, таким как бритвы и ножи. Часто можно увидеть их обвиняющие взгляды, которые могут быть сонным гневом на то, что они пробудились от дремоты чистых проявлений ненависти. Он, с другой стороны, не считает своих вооруженных подданных агрессорами.

«Посмотрите, какие они крошечные, почти игрушечные. Вы верите, что они смогут дать им отпор? «Он заявляет: «Нет, я в это не верю. Скорее я представляю детей в окружении более крупных, худших взрослых с большими лезвиями…»

По мнению искусствоведов, его необычайно увлекательные картины снискали ему культ во всем мире. Произведения искусства регулярно продаются за миллионы долларов. Несмотря на заявление Нары о том, что он не был вдохновлен мангой, иконография аниме и манги из его детства в 1960-х годах часто упоминается при описании преувеличенных большеглазых персонажей Нары.Нара, с другой стороны, подрывает эти темы, добавляя в свои картины ужасающие визуальные эффекты.

Этот контраст человеческой жестокости и детской невинности может быть ответом на строгие социальные нормы Японии.

Несколько известных работ этого современного художника включают:

  • Рубить ножом (1998)
  • Одинокий щенок (1999)

 

Цзэн Фаньчжи (1964 – настоящее время)

Национальность китайский
Дата рождения 1964
Место рождения Ухань, Китай
Средний Живопись

Эстетически и культурно сложные произведения Цзэн Фаньчжи представляют собой его смелое исследование азиатского и западного творческого наследия, а также его слияние.Он родился и вырос в Ухане, Китай, и в 1991 году окончил Хубэйский институт изящных искусств. Ухань был одним из самых богатых городов Китая с 18-го века до 1990-х годов, и в нем произошло столкновение восточных и западных традиций. На него повлияло движение «Новая волна» в Китае примерно в 1985 году, когда создатели искали новый, обычно более интеллектуальный словарь после Культурной революции, которую они пережили в период между 1960-ми и 1970-ми годами.

Он был проницательным наблюдателем и исследователем западного искусства, особенно французского романтизма и немецкого экспрессионизма, благодаря которым он видел, как его предки переваривали и представляли свои чувства в периоды культурных потрясений.

Серия масок №18; HWUAMG Shrowmoa Eizebth, CC BY-SA 4.0, через Wikimedia Commons

Его особенно покорили сильные выразительные движения Макса Бекмана, а также Виллема де Кунинга и Эдварда Мунка . В результате этих факторов он отошел от соцреализма, которому его учили в школе. Вместо этого он уделял пристальное внимание повседневным вещам и картинкам. Цзэн переехал в Пекин в 1993 году, и новая атмосфера заставила его чувствовать себя отчужденным.В этот период он стал узнавать людей, которых он встречал, из самых разных слоев общества, которые переживали быструю модернизацию. Это осознание привело к разработке его серии Mask (1994–2004), в которой главные герои сохранили широко раскрытые пустые глаза и большие неуклюжие руки из предыдущих работ, но при этом увеличили расстояние между ними, создавая ощущение изоляции.

Несколько известных работ этого современного художника включают:

  • Больница (1992)
  • Мясо (1994)

 

Дэмиэн Херст (1965 – настоящее время)

Национальность Британский
Дата рождения 7 июня 1965 г.
Место рождения Бристоль, Великобритания
Средний Живопись

Дэмиен Херст создавал скульптуры, инсталляции, рисунки и картины, которые обращаются к сложным связям между эстетикой и искусством, наукой и верой, смертью и жизнью с тех пор, как он ворвался в международное художественное сообщество в 1980-х годах.Его работа ставит под сомнение современные системы убеждений, следуя двусмысленностям, лежащим в основе человеческого опыта, от последовательных полотен из цветных точек до образцов существ, хранящихся в резервуарах с формальдегидом. Во время учебы в Голдсмитс-колледже в Лондоне в 1988 году он устроил Freeze , передвижную выставку из трех частей, посвященную его работам и работам сокурсников.

Эта выставка считается художественным дебютом для тех, кто станет известен как Молодые британские художники, чей стиль отличался сочетанием корпоративного и бунтарского мышления, использованием найденных предметов и акцентом на неожиданности и производительности.

В окончательную версию Freeze он включил пару своих картин Spot, которые он поместил прямо в стену. Картины The Spot (1986–), которых насчитывается более тысячи, имеют цветные точки на белом или почти белом фоне и расписаны вручную блестящей домашней краской. Его цель с этими произведениями состояла в том, чтобы рисовать как машина, но с учетом мелких недостатков руки художника. В 2012 году Гагосян выставил более 300 картин Spot одновременно на всех одиннадцати площадках галереи.

Несколько известных работ этого современного художника включают:

  • Во имя любви к Богу (2007)
  • Проверить (2012)

 

Марк Гротян (1968 – настоящее время)

Национальность Американский
Дата рождения 1968
Место рождения Калифорния, США
Средний Живопись, Скульптура

Скульптуры, картины и работы на бумаге Марка Гротьяна сочетают движение и геометрические формы с абстракцией и изобразительным искусством .Каждая из его серий находится под влиянием различных художественно-исторических вдохновений и развивается в почти навязчивых вариациях. Он родился в калифорнийском городе Пасадена. Он получил степень бакалавра искусств в Университете Колорадо в Боулдере и степень магистра иностранных дел в Калифорнийском университете в Беркли. Во время учебы в Калифорнии он запустил свой дебютный масштабный проект Sign Exchange (1993–98), в рамках которого он создал репродукции вывесок, которые он наблюдал на предприятиях Лос-Анджелеса, а затем попросил владельцев магазинов выставить его нарисованные вручную репродукции вместо оригинальные версии.

Он был постоянным дизайнером Школы живописи и скульптуры Скоухегана в 1995 году. В 1996 году он переехал в Лос-Анджелес и вместе со своим другом Брентом Петерсеном стал соучредителем недолго существовавшей галереи Room 702. В 2003 году он начал рисовать картины Face как продолжение своих исследований баланса, перспективы и структуры. Части этих эмоциональных гуманоидных изображений на холстах часто обрезаются, чтобы обнажить цветной холст под ними.

Черты становятся менее заметными и гораздо более сюрреалистичными по мере развития последовательности, их изогнутые линии создают отверстия, похожие на пропасти.

Несколько известных работ этого современного художника включают:

  • Новый Капри XIX 47.19 (2016)
  • TBD Маска M3.b (2008)

 

Дженни Сэвилл (1970 – настоящее время)

Национальность Британский
Дата рождения 7 мая 1970 г.
Место рождения Кембридж, Великобритания
Средний Живопись

Представления Дженни Сэвилл о человеческой фигуре стирают границы между традиционными изображениями и современной абстракцией.Когда масляная краска наливается толстыми слоями, она становится тактильной, как плоть, и каждая цветная метка имеет свою эластичную, текучую жизнь. Различия между живыми, движущимися существами и их изображениями начинают стираться по мере того, как Сэвилл царапает, размазывает и перетаскивает цвет по своим огромным картинам. Сэвилл, который родился в Кембридже, Англия, в 1970 году, учился в Школе искусств Глазго с 1988 по 1992 год, а годом ранее провел семестр в Университете Цинциннати.

Ее исследование сосредоточено на «несовершенствах» кожи, а также на связанных с ними культурных коннотациях и стигмах.

Она была очарована этими подробностями с самого детства, вспоминая путешествия с дядей, чтобы увидеть искусство Тинторетто и Тициана, и замечая, как грудь ее учительницы музыки, сжатая в ее блузке, становилась одной большой массой. Она смогла наблюдать за работой пластического хирурга во время стажировки в Коннектикуте в 1994 году. Ее понимание тела — его прочности и хрупкости — сформировалось благодаря ее исследованиям в области восстановления кожи и плоти.Ее встреча с доктором вызвала интерес к бесконечным возможностям изменения и деформации плоти.

Она изучала древнюю скульптуру и скульптуру эпохи Возрождения, видела запутавшиеся пары, мам с детьми, людей, чья физическая форма ставила под сомнение половую двойственность, и многое другое.

Несколько известных работ этого современного художника включают:

  • Фирменный (1992)
  • План (1993)

 

Джули Мерету (1970 – настоящее время)

Национальность Американский
Дата рождения 1970
Место рождения Аддис-Абеба, Эфиопия
Средний Живопись

Джули Мехрету родилась в Аддис-Абебе в Эфиопии в 1970 году.Она американский современный художник, наиболее известный своими массивными и сложными абстрактными картинами. Ее работы изображают накопленные последствия городских социально-экономических сдвигов. Произведения Мехрету погружают зрителя в убедительную визуальную интерпретацию повседневного опыта, изображение социального поведения и психогеографию пространства через исследование рукописей того времени, от геологической истории до современной психологии общества.

Художница Джули Мехрету в 2015 году; У.S. Государственный департамент, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Она черпает вдохновение из самых разных тем, включая политику, философию и музыку. Картины Мехрету содержат схемы различных городских структур, а также линейные изображения городской эффективности, такие как городские сетки и прогнозы погоды.

Вместо того, чтобы использовать многочисленные точки зрения и пропорции для создания плоских переосмыслений городской жизни, произведениям искусства не хватает какого-либо систематического, непрерывного ощущения глубины.

Ее наброски сравнимы с ее картинами в том, что они состоят из множества слоев, которые в сочетании создают сложные абстрактные картины всемирной социализации. Эскизы меньшего масштаба дают возможность исследовать период между работами.

Некоторые наброски Джулии Мерету; Ksd13, CC BY-SA 3.0, через Wikimedia Commons

В последнее время в ее работах использовались фотографии из вещательных СМИ, изображающие насилие, неравенство и социальную нестабильность.Эти визуальные мотивы служат концептуальным и структурным трамплином; однажды стертые с картины, они сохраняют призрачное влияние на чрезвычайно абстрактные жесты готовых изделий. Ее работы в области живописи, зарисовок и полиграфии подтверждают важность искусства в побуждении к размышлениям и размышлениям, а также в выражении личной и общественной ситуации того времени.

Несколько известных работ этого современного художника включают:

  • Стадион II (2004)
  • Могамма (2012)

 

Адриан Гени (1977 – настоящее время)

Национальность Румынский
Дата рождения 13 августа 1977 г.
Место рождения Бая Маре, Румыния
Средний Живопись

Яркие работы Адриана Гени сочетают его уникальный опыт с общими страданиями, как историческими, так и современными.Он один из величайших художников своего времени. В работах, соединяющих абстрактное и репрезентативное, он опирается на глубоко интимное и историческое искусство, а также на чувство национального характера. Его работы связаны не только с фоном картины, но и с «рисованием ткани истории» и часто включают людей, чьи действия сформировали ее траекторию, будь то святые или преступники.

Его подход постоянно сосредоточен на изучении потенциала его среды, и, объединяя обширные концепции и рассказы исторических картин с современными формами, его картины становятся гораздо менее связанными с их конкретной темой и больше о процессе создания самих себя.

Портрет Адриана Гени работы Оливера Марка, Берлин, 2014 г., Собрание Музея Буковины; Оливер Марк, CC BY-SA 4.0, через Wikimedia Commons

Его эмоциональное использование красок подчеркнуто драматическим светом и декорациями, вдохновленными фильмами Дэвида Линча и Хичкока. Он включает личные воспоминания, аллюзии на историю искусства, кадры из кино и образы, почерпнутые из Интернета, в текстуру своих полотен, которые вырываются и сливаются воедино. Его творческая техника начинается с коллажных композиций, которые он затем адаптирует к ткани с помощью мастихина, создавая выразительные завитки и текстуру.Его разобранные картины часто связаны с его творческими предками, такими как Анри Руссо и Теодор Жерико.

Несколько известных работ этого современного художника включают:

  • Суд (2017)
  • Лидер (2017)

 

Как мы уже видели, известные художники сегодня создали особенно уникальные и выразительные произведения искусства. Им удалось расширить и развить существующее определение современного искусства.Эти известные современные художники, от живописи до скульптуры, фотографии и коллажа, использовали формат, чтобы по-новому и воодушевляюще интерпретировать окружающий мир.

 

 

 

 

Часто задаваемые вопросы

 

Что такое современное искусство?

Некоторые люди часто путают известных художников-модернистов с известными современными художниками.В то время как современное искусство относится к стилю искусства, который был популярен в 1870-х и 1970-х годах, современное искусство относится к искусству, созданному известными художниками сегодня. Таким образом, современное искусство относится к творчеству в основном живых художников, созданных в конце 20 или 21 века.

 

Какие средства используются современными художниками?

Благодаря достижениям в области технологий и художественной культуры художники получили доступ к большему количеству материалов и инструментов, чем когда-либо прежде. Некоторые предпочитают работать с более традиционными средствами, такими как скульптура и живопись, другие создавали смешанные художественные работы, используя изображения из Интернета, фотографии и фильмы.Нет конца творческим возможностям, доступным в современном современном искусстве. Известные художники сегодня не стесняются использовать любые средства, которые наиболее эффективны, чтобы донести свои идеи о чувствах интеграции и отчуждения в современном мире.

 

О современном искусстве (Образование в Гетти)



Примечание. Слова, выделенные ниже жирным шрифтом, определены в глоссарии для этой учебной программы (см. ссылки «Для класса»).

Строго говоря, термин « современное искусство» относится к искусству, созданному и произведенному художниками, живущими сегодня.Современные художники работают и реагируют на глобальную среду, культурно разнообразную, технологически продвинутую и многогранную. Работая в широком диапазоне средств , современные художники часто размышляют и комментируют современное общество. При взаимодействии с современным искусством зрителям предлагается отбросить такие вопросы, как «Хорошо ли произведение искусства?» или «Является ли работа эстетически приятной?» Вместо этого зрители думают, является ли искусство «сложным» или «интересным». Современные художники могут подвергать сомнению традиционные представления о том, как определяется искусство, что представляет собой искусство и как создается искусство, создавая диалог со стилями и движениями, существовавшими до них, а в некоторых случаях и отвергая их.

С начала 20 века некоторые художники отошли от реалистического изображения и изображения человеческой фигуры и все больше уходят в сторону абстракции. В Нью-Йорке после Второй мировой войны мир искусства придумал термин «абстрактный экспрессионизм», чтобы охарактеризовать направление в искусстве, которое не было ни полностью абстрактным , ни экспрессионистским. Тем не менее, движение призвало художников уделять больше внимания процессу создания искусства, а не конечному продукту.Такие артисты, как Джексон Поллок, довели искусство до хореографических высот, капая краской величественными, но спонтанными жестами. Как заметил один критик, холст был ареной, на которой можно было действовать: «то, что происходило на холсте, было не картиной, а событием». Это представление об искусстве как о событии возникло из движения под названием абстрактный экспрессионизм , которое сильно повлияло на последующие художественные движения и продолжает вдохновлять художников, живущих сегодня.

Современные художники, работающие в рамках постмодернистского движения , отвергают концепцию мейнстримного искусства и принимают понятие «художественный плюрализм», принятие различных художественных замыслов и стилей.Независимо от того, находятся ли они под влиянием перформанса , поп-арта, минимализма, концептуального искусства или видео или основаны на них, современные художники используют бесконечное разнообразие материалов, источников и стилей для создания искусства. По этой причине сложно кратко обобщить и точно отразить сложность концепций и материалов, используемых современными художниками. В этом обзоре рассказывается о некоторых современных художниках, чьи работы выставлены в музее Гетти, и о концепциях, которые они исследуют в своих работах.

Образец (по Дюреру) , Джон Балдессари, 2000 г. Анджелес

Современные художники, как и многие художники, которые им предшествовали, могут признавать и черпать вдохновение в произведениях искусства предыдущих периодов времени как в предмете, так и в формальных элементах.Иногда это вдохновение принимает форму присвоения . Художник Джон Бальдессари «позаимствовал» изображение жука-оленя 1505 года у немецкого художника Альбрехта Дюрера и сделал его своим. Используя современные материалы (струйная печать на панели из стекловолокна), Бальдессари сопоставил оригинальное изображение со скульптурой в виде гигантской стальной булавки. Вставляя стальной штифт в холст, Baldessari комбинирует материалы очень современным способом.

В 1960-х художники начали обращаться к видео, чтобы дать новое определение изобразительному искусству.С помощью видеоарта многие художники бросили вызов предвзятым представлениям об искусстве как о дорогостоящем, высокоинтеллектуальном и понятном только элитным членам общества. Видеоарт — это не обязательно вид искусства, которым люди хотели бы владеть, а скорее опыт. Продолжая тенденцию переосмысления прежних идей и идеалов об искусстве, некоторые современные видеохудожники стремятся покончить с понятием искусства как товара. Художники, обращающиеся к видео, использовали художественную форму как инструмент для изменений, средство для идей.Некоторое видеоискусство открыто признает силу телевидения и Интернета, тем самым открывая двери в мир искусства массам.

Такие художники стремятся возвысить процесс создания искусства и выйти за рамки представления о том, что искусство следует ценить только как эстетически приятный продукт. Видеоарт иллюстрирует это, поскольку зритель наблюдает за произведением в процессе его создания; они наблюдают, как разворачивается процесс. Видеоинсталляции сочетают видео со звуком, музыкой и/или другими интерактивными компонентами.В фильме Николь Коэн «, пожалуйста, садитесь, » зрителей просят быть активными участниками. Используя инновационные видеотехнологии, участники могут сидеть на точных копиях французских стульев 18-го века и смотреть телеэкраны, в которых они виртуально вставлены в исторические воссоздания французских пространств 18-го века. В то время как традиционные произведения искусства находятся в галереях с табличками «Не трогать», Коэн приглашает вас физически принять участие. Таким образом, зритель становится частью произведения искусства.

Роберт Ирвин — еще один художник, стремившийся привлечь внимание зрителя, что можно увидеть в его саду в Центре Гетти. В Центральном саду, который Ирвин игриво назвал «скульптурой в форме сада, стремящегося стать искусством», зрители могут увидеть лабиринт из растений, камней и воды. Здесь посетители полностью погружаются в ощущение пребывания внутри произведения искусства. Обоняние, осязание и звук сопоставляются с цветами и текстурами сада.Вся листва и материалы сада были выбраны так, чтобы подчеркнуть игру света, цвета и отражения. Заявление Ирвина «Всегда меняется, никогда не повторяется дважды» высечено на полу площади, напоминая посетителям о постоянно меняющейся природе этого живого произведения искусства. Таким образом, Ирвин опровергает представление о том, что произведение искусства должно быть нарисовано на холсте. Скорее природа может быть искусством.

Создавая сад, специально разработанный для Центра Гетти, Ирвин занимается специфическим для сайта искусством.Многие современные художники, создающие работы для конкретных мест, перемещают искусство из музеев и галерей в сообщества, чтобы решать социально значимые проблемы и / или повышать общественное сознание. В случае с садом Ирвина и That Profile Мартина Пурье (также выставленным в Центре Гетти) музеи заказывают произведения искусства для улучшения и включения окружающей среды. Этот профиль , расположенный на площади у подножия лестницы, ведущей в музей, имитирует сетчатые узоры самого здания Центра Гетти.При весе 7500 фунтов, That Profile огромен. Однако изящные и изогнутые линии работы имеют «легкое и воздушное» качество, которое выгодно подчеркивает окружающие горы и виды на океан, видимые с площади Гетти.

Такие вопросы, как «Что такое искусство?» и «Какова функция искусства?» являются относительно новыми. Создание искусства, которое бросает вызов зрительским ожиданиям и художественным условностям, — это отчетливо современная концепция. Однако художники всех эпох являются продуктами своих родственных культур и периодов времени.Современные художники имеют возможность выражать себя и реагировать на социальные проблемы так, как не могли художники прошлого. Знакомясь с современным искусством в Центре Гетти, зрители используют другие критерии для оценки произведений искусства, чем те, которые использовались в прошлом. Вместо того, чтобы спрашивать: «Мне нравится, как это выглядит?» зрители могут спросить: «Нравится ли мне идея, представленная этим художником?» Непредвзятость имеет большое значение для понимания и даже оценки искусства нашей эпохи.

25 произведений искусства, определяющих эпоху современности

Гордон Матта-Кларк (род. Нью-Йорк, 1943; ум. 1978) получил диплом архитектора в Корнельском университете. К 1970-м годам он работал художником, вырезая куски из пустующей собственности, документируя пустоты и выставляя ампутированные фрагменты архитектуры. В то время было легко найти заброшенные здания — Нью-Йорк был экономически подавлен и охвачен преступностью. Матта-Кларк искал новое место, когда торговец произведениями искусства Холли Соломон предложила ему принадлежащий ей дом в пригороде Нью-Джерси, который планировалось снести.«Расщепление» (1974) — одно из первых монументальных произведений Матта-Кларка. С помощью мастера Манфреда Хехта, среди других помощников, Матта-Кларк разрезал все это пополам с помощью электропилы, затем поднял одну сторону конструкции, пока они срезали шлакоблоки под ней, прежде чем медленно опустить ее обратно. Дом идеально раскололся, оставив тонкую щель в центре, через которую солнечный свет мог проникать в комнаты. Через три месяца этот объект был снесен, чтобы освободить место для новых квартир.«Работать с Гордоном всегда было интересно, — сказал однажды Хехт. «Всегда был хороший шанс быть убитым».

TLF: Почему нет лэнд-арта?

RT: У меня есть Гордон Матта-Кларк.

MR: Это лэнд-арт? «Спиральная пристань» [гигантское кольцо из грязи, соли и базальта, построенное в 1970 году в Розел-Пойнт, штат Юта, американским скульптором Робертом Смитсоном] — это ленд-арт.

TT: Это безумие! Пристань на 100 процентов должна быть в моем списке.

KT: «Поле молний» [произведение 1977 года американского скульптора Уолтера Де Марии, состоящее из 400 столбов из нержавеющей стали, установленных в пустыне Нью-Мексико], «Кратер Роден» [натюрморт американского художника по свету Джеймса Таррелла, Обсерватория прогресса невооруженным глазом в Северной Аризоне].

TT: Я подумал: «Кто это увидит? Что значит «влиять», что значит быть под влиянием, видя что-то на экране?» Я подумал: «Должен ли я перечислять то, что я видел, а не то, чем я был одержим?» На данный момент это все репродукция или своего рода театральное представление.

MR: Полностью.

Коллаж из фотографии Гордона Матта-Кларка «Расщепление» (1974). Предоставлено… Предоставлено поместьем Гордона Матта-Кларка и Дэвида Цвирнера. 19, см. ниже], а вот с чем-то вроде этого — раз его нет, то это репродукция только . Вы не можете его посетить, он не перемещается в другое место.

TLF: Разве вопросы, которые задавали лэнд-художники, — это уже не вопросы, которые мы задаем сегодня?

TT: Земли больше нет.

MR: Очень интересный вопрос. В основном это связано с тем, что из-за переезда в города мы стали одержимы городами. Пастырский вопрос, который также относится к городам, хотя мы этого не осознаем, отступил. Но я ошибаюсь, что лэнд-арт был и в Европе? Были голландские художники и английские художники.

RT: Да, были. Все еще есть.

MR: Лэнд-арт был интересным образом интернационален, что совпало с Голубым мрамором [изображение Земли, сделанное в 1972 году экипажем Аполлона-17].

TLF: Каталог всей Земли.

MR: Конечно. Представление о всей земле как о сущности, состоящей из реальных вещей, а не социального пространства.

RT: Возможно, это также связано с идеей собственности и богатства. Изменилась ценность земли и то, для чего она используется. Раньше можно было просто выйти в Монтану и, возможно, —

MR: Закопать несколько кадиллаков.

RT: — выкопать большую яму.Я имею в виду, что Майкл Хейзер все еще занимается чем-то, но теперь это только интерьер. Он просто делает большие камни внутри пространства. С другой стороны, именно поэтому Смитсон интересен, потому что теперь это почти как не-место [Смитсон использовал термин «не-место» для описания работ, которые были представлены вне их первоначального контекста, таких как камни из карьера в Нью-Джерси, выставленные в галерею рядом с фотографиями или картами мест, откуда они были взяты].

TLF: Тогда почему вы включили Гордона Матта-Кларка?

RT: У меня много отсылок, но мне кажется, что «Splitting» затрагивает все остальные вещи, о которых я думаю.С «Splitting» это похоже на комический финал. Кроме того, идея дома разделена и что происходит с домашним хозяйством — люди больше не могут сидеть вместе на День Благодарения.

8. Дженни Хольцер, «Truisms», 1977-79

Три современных художника исследуют повествовательный потенциал обоев

Мультимедийный дуэт мужа и жены Барроу Парк считает обволакивающее качество обоев своим подходом к покраске, основанным на инсталляции. Их недавняя выставка Woman в галерее Tribeca JDJ, а также групповая выставка Dangerous Pattern исследуют, как обои привлекают зрителя движением.«Картины требовательны к зрителю, сделаны с акцентом на мельчайшие, повторяющиеся элементы, такая единая нить и следующий за нитью мазок», — объясняет Марк Бэрроу. «Требуется много времени, чтобы проанализировать различные слои построения картин, и мы обнаружили, что иммерсивный характер обоев сразу помогает настроить, как читать картины».

Растущая популярность декоративных элементов в современном искусстве оказывает неоспоримое влияние на стремление обоев к белому кубу.По мере того, как множество художников разрушают так называемую обыденность ремесла, обои присоединяются к сфере таких практик, как ткачество, вышивка бисером или керамика, которые долгое время оставались вне требований арт-рынка. Сегодня можно посетить любую выставку выпускников МИД или галерею, представляющую начинающих художников, и заметить известность работ, вдохновленных декоративно-прикладным искусством.

Выставочная инсталляция Barrow Parke в галерее JDJ. Предоставлено галереей JDJ.

Иган уже десять лет работает с обоями из-за желания «построить дом с помощью своих картин», говорит он: «Обои — это устройство, которое я использую для этого строительства.Художник, однако, отмечает растущую популярность в среде, отмечая растущий сегодня интерес к «матиссовским» картинам. Иган черпает вдохновение в обоях с цветочным рисунком картин Эдуара Вюйара и в доме своих бабушек и дедушек. Его исследование цветущих мотивов затрагивает понятие ностальгии по дому, играя с идеями внутреннего мира и повседневности.

Как художник, работающий с линзами и делающий фотограммы натюрмортов, Нильсен считает, что обои больше связаны с фотограммой, чем можно было бы подумать: «От первой фотограммы Анны Аткинс в качестве научного документа о растениях до узоров, видимых через увеличенный микроскоп, мы переходим от уникальной печати, сделанной солнечным светом, к цифровой и тиражируемой печати.

Ностальгическая популярность обоев среди миллениалов побудила многих производителей обоев, таких как Farrow & Ball или Trove, расширить свой визуальный лексикон, включив в него узоры, напоминающие цветочные стены бабушки. После сотрудничества с Google в 2019 году по созданию фонов и заставок для Google Meet Нильсен получил приглашение разработать коллекцию для Шумахера. Она спросила: «Как на подсознание влияют образы, на которых оно не фокусируется?» На производственном уровне художник понял, что процесс потребует некоторого отпускания, «что приводит к раскованности, которая позволяет раскрыться творчеству.Коллекция появилась в результате тесного сотрудничества с командой графического дизайна и кураторами обоев Шумахера Барри Бенсоном и Чандрой Джонсон, которые управляют компанией по производству обоев Peg Norriss, и помогли определить цветовые решения и масштаб.

Сотрудничество уже давно лежит в основе Бэрроу Парке, которые работают вместе с тех пор, как познакомились в RISD, где Сара Парке изучала текстильный дизайн, а Марк Бэрроу — живопись. Обои здесь служат идеальной средой для слияния их фона.«Домашнее» было важно для нашей работы, как с точки зрения концепции, так и с точки зрения логистики — наша студия всегда находилась в нашей квартире», — говорит Бэрроу.

Они впервые ввели обои в свою практику два года назад на выставке в Ice House галереи JDJ в Гаррисоне, Нью-Йорк. «У Icehouse есть история, связанная с трудом, классом и домашним хозяйством», — говорит Бэрроу о пространстве, которое было преобразовано из многофункционального агропромышленного комплекса в жилые помещения. Обои появились из-за стремления подчеркнуть то, что, по словам Парка, является «сближением этих сфер на выставке, и обои казались подходящим средством для решения этой проблемы концептуально.«Многослойность их картин, включающая в себя тканые и вышитые элементы, дополняет эту компиляцию повествования через текстуру. Парке говорит: «После того, как мы впервые повесили наши картины поверх обоев, мы поняли, что обои были просто продолжением этой формальной структуры, просто еще одним слоем».

MCA — Главная

Новый

На сцене: Запутанность

Осенний рыцарь со зрителями в M___ER в DiverseWorks в Хьюстоне, штат Техас.2018.

Фото: Линн Лейн.

Каждую весну MCA представляет ежегодный набор живых, цифровых и длительных перформансов, сформированных строгой и актуальной кураторской темой. В этом году набор фокусируется на том, как наши связи иногда мимолетны, а иногда устойчивы. Наши самые близкие отношения иногда исчезают, но короткая романтическая встреча может оставить память на всю жизнь. Даже мимолетное, случайное взаимодействие с незнакомцем может способствовать возникновению чувства связи и ответственности перед другими.То, как мы связаны с людьми и миром, влияет на каждую часть нашей повседневной жизни. В этом сезоне MCA On Stage три разных выступления связаны с нашими многочисленными сложностями.

Андреа Бауэрс

Андреа Бауэрс Церковные знамена (Объединенная методистская церковь Адальберто, Чикаго, член движения «Новое святилище») , 2007/2008 Бумага, цветной карандаш Диптих; Каждый 50 x 74 дюйма (127 x 187,96 см)

Частная коллекция, Денвер, Колорадо.Предоставлено художником и Vielmetter Лос-Анджелес. Фото: Роберт Ведемейер

Уже более тридцати лет мультидисциплинарный визуальный художник Андреа Бауэрс (американка, 1965 г.р.) создает искусство, которое активизирует. Бауэрс работает в самых разных средах, от видео до цветных карандашей и инсталляций, и исследует насущные национальные и международные проблемы. Ее работа сочетает художественную практику с активизмом и защитой интересов, говоря о глубоко укоренившемся социальном и политическом неравенстве, а также о поколениях активистов, работающих над созданием более справедливого мира.

Новое кураторское руководство

 Чикагский музей современного искусства объявляет о назначении двух новых руководителей своей кураторской команды: Рене Моралеса в качестве главного куратора Джеймса У. Альсдорфа и Джамиллы Джеймс в качестве старшего куратора Манилоу. И Моралес, и Джеймс займут свои должности в MCA в январе 2022 года.

Author: alexxlab

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.